Vana-Vene muusika. Vürstide õues toimunud tseremooniate ajal mängiti muusikat. Nii kaasnes roogade vahetus pidusöökidel pillimängu või eepostega

“20. sajandi muusika” - Nokturn nr 1, op.5. Romantika. (1955). Biitlid. Popmuusika. Album Soovin, et oleksite siin. (1975). Bulat Okudzhava. "Vabandust jalaväe ees." Dodekafooniline muusika Uus Viini kool. Rapsoodia bluusis klaverile ja orkestrile. 1924. Rokk-ooper “Jeesus” Superstaar Kristus"(fragment). Bartok pööras arendusele palju tähelepanu rahvatraditsioonid muusikas.

"Impressionism muusikas" - pidustused. Laul piltidest Muusika Grigori Gladkov Sõnad Aleksander Kushner. Claude Debussy. Prantsuse kunstnikud on impressionistid. Mute on seade, mida kasutatakse muusikainstrumendi tämbri muutmiseks. Maurice Ravel. Impressionism. Habanera. Joonistage muusikapalale illustratsioon ("Pidud", "Habanera" - valikuline).

“Vana-Vene muusika” - muusika Vana-Vene. Esitati suur hulk laule: lüürilisi, majesteetlikke, koomilisi, itkusid ja itkusid. Vene muusikat seostati algselt iidsete slaavlaste kultuuri ja eluga. Jegorjevi päeval ajasid nad lehmad põllule ja laulsid laulu-amuletti. Tehke projekt. Maipäevadel tähistati puid ja lilli.

"Vägev hunnik heliloojaid" - Aleksander Porfirievitš Boorodin. Nikolai Andrejevitš Rimski-Korsakov. kus nad oma teoseid esitasid. Edutati Vene kunst välismaal lõid nad Vene Muusikaühingu - kaasaegse filharmoonia prototüübi. Mily Aleksejevitš Balakirev, Caesar Antonovich Cui, 19. sajandi 60. aastate Heliloojate Ühendus.

"Muusikaline kultuur" - "Daphne". Töö eesmärk ja eesmärgid. Itaalia helilooja Jacopo Peri. Templikunst. I. Gluck. Muistsed kujundid muusikakultuuris. Sidorov Denis - vokaal (diplomi omanik) Anna Grigorieva - visuaalne tegevus(3. koht). Pildid kajastavad järgmisi teemasid. Järeldus: iidne muusikakunst oli suurejooneline ja meelelahutuslik.

"Suurepärased muusikateosed" - Osip Mandelstam. Muusika sünd. Appassionata. Vassili Fedorov. Muusika. Luulekunst. Jakov Khaletski. Klaver. Kammermuusika. Johann Sebastian Bach. Nikolai Brown. Mozart. Juri Levitanski. Kontsert d-moll. Chopin. Harmoonia. Mihhail Pljatskovski. Muusika transformeeriv jõud. Viktor Bokov. Vladimir Lazarev.

Teemas on kokku 24 ettekannet

Buffoonid, Vana-Vene rändnäitlejad – lauljad, mõistused, muusikud, sketid, treenerid, akrobaadid. Nende üksikasjaliku kirjelduse on andnud V. Dal: “Puhkur, pätt, muusik, torupillimängija, imemängija, torupillimängija, guslar, kes elatub laulude, naljade ja trikkide saatel tantsides, näitleja koomik, naljakas mees, lollakas, kloun, pätt. Tuntud alates 11. sajandist, saavutasid nad erilise populaarsuse 15.–17. sajandil.

Neid kiusas taga kirik ja tsiviilvõimud. Populaarne tegelane Vene folkloor, peategelane komplektid rahvaütlused: “Igal pätimehel on omad kõmumehed”, “Puhvri naine on alati rõõmsameelne”, “Puhkur häälestab oma hääle sarvedele, aga ei korralda oma elu”, “Ära õpeta mind tantsima, ma” ma olen ise pätt”, “Puuliku lõbu on saatana rõõm”, “Jumal andis preestri, kurat päti”, “Puu ei ole preestri sõber”, “Ja muul ajal nutab pätt” jne. Nende Venemaal ilmumise aeg on ebaselge. Vene algkroonikas mainitakse neid vürstilõbu osalistena. Sõna “buffoon” tähendus ja päritolu pole veel selgunud. A.N. Veselovski seletas seda verbiga “skomati”, mis tähendas müra; hiljem soovitas ta selle nime ümberpaigutamist araabiakeelsest sõnast “mashara”, mis tähendab varjatud nalja. A.I. Kirpichnikov ja Golubinsky uskusid, et sõna “buffoon” pärineb bütsantsi sõnast “skommarch”, mis on tõlgitud naerumeistriks. Seda seisukohta kaitsesid teadlased, kes uskusid, et Venemaal on pätid pärit Bütsantsist, kus "lõbunal", "lollidel" ja "naerutajatel" oli rahva- ja õukonnaelus silmapaistev roll. 1889. aastal ilmus A.S. Famintsyni raamat "Skomorokhi in Rus'". Famintsyni antud definitsioon, et buffoonid on Venemaal iidsetest aegadest peale ilmaliku muusika professionaalsed esindajad, kes olid sageli samaaegselt lauljad, muusikud, miimid, tantsijad, klounid, improvisaatorid jne, lisati Malysse. entsüklopeediline sõnaraamat Brockhaus ja Efron (1909).Keskajal olid esimeste Saksa valitsejate õukondades lõbustajad, klounid ja narrid, kes kandsid erinevaid kreeka-rooma hüüdnimesid, neid kutsuti kõige sagedamini “žonglöörideks”. Nad hakkasid kogunema truppideks - "kolledžiteks", mida juhtis archimim. Neid samastati sageli šarlatanide, mustkunstnike, ravitsejate ja röövpreestritega. Tavaliselt võtsid nad osa pidusöökidest, pulma- ja matusetseremooniatest ning mitmesugustest pühadest. Bütsantsi ja lääne silmakirjatsejate eripäraks oli nende rändav elustiil. Kõik nad olid liikuvad inimesed, kes rändasid ühest kohast teise ja omandasid seetõttu rahva silmis kogenud, teadlike ja leidlike inimeste tähenduse. Nii Bütsantsi kui ka lääne “rõõmsameelsed inimesed” külastasid maailmas rännakutel Kiievit ja teisi Venemaa linnu. Härjameeste kui andekate lauljate ja jutuvestjate kohta on palju tõendeid. iidne kirjutis. Eelkõige mainitakse neid raamatus "Möödunud aastate lugu" (1068). Venemaal, nagu ka Bütsantsis ja läänes, moodustasid pätid artellid või salgad ja rändasid oma äri nimel ringi "ansamblites". “Olenemata sellest, kas vene pättide kunst tuli Bütsantsist või läänest,” rõhutas Famintsyn, “oli see juba 11. sajandil. juurdunud vene rahvaelu igapäevaelus. Edaspidi võib seda käsitleda siin iseseisvalt, kohalikke olusid ja vene rahva iseloomu arvestades aklimatiseerunud ja arenenud nähtusena. Lisaks hulkuvatele põnnidele olid kohal istuvad pätid, enamasti bojaarid ja printsid. Just viimasele võlgneb rahvakomöödia palju. Nukunäitlejate näol ilmusid ka pätid. Nukukomöödia etendusi, mida saadavad pidevalt karu ja pidevalt “lusikaid” löövad “kitse”, on Venemaal antud juba pikka aega. Koomik pani selga seeliku, mille allääres oli rõngas, siis tõstis selle üles, kattes pea ja esitas oma etteaste selle äkilise kardina tagant. Hiljem lavastasid nukunäitlejad igapäevaseid jutte ja laule. Seega oli nukukomöödia, nagu ka mummude igapäevafarsside lavastus, katse originaalselt töödelda vene keeles sisalduvaid erinevaid draama elemente. rahvaluule või väljast sisse toodud. "Meil olid ka oma "näitlejad" - pätid, oma Meistersingerid - "mööduvad kalikid", nad levitasid "näitlemist" ja laule kogu riigis "Suurte hädade" sündmustest, "Ivaška Bolotnikovist", lahingutest, võidud ja surm Stepan Razin" (M. Gorki, Teatiste näidendite kohta, 1937). Teine versioon termini "buffoon" päritolu kohta kuulub N.Ya. Marrile. Ta tegi kindlaks, et vene keele ajaloolise grammatika järgi on “skomorokh”. mitmuses sõna "skomorosi" (skomrasi), mis ulatub tagasi protoslaavi vormidesse. Järgmisena otsib ta selle kõikidele Euroopa keeltele ühise sõna indoeuroopa juure, nimelt sõna “scomors-os”, mis viitas algselt rändmuusikule, tantsijale, koomikule. Siit pärineb iseseisev venekeelne termin "skomorokh", mis eksisteerib paralleelselt Euroopa keeltes rahvakoomiksitegelaste tähistamisel: itaalia keeles "scaramuccia" ja prantsuse keeles "scaramouche". Marri seisukoht langeb täielikult kokku kunstiajaloo üldtunnustatud seisukohaga, et miimid on rahvusvahelise korra nähtus. Seoses vene pättidega võimaldab Marri kontseptsioon rääkida nende algsest tekkest iidsete slaavlaste paganlikes religioossetes riitustes osalejate professionaalsuse põhjal, mida saadavad alati muusika, laul ja tants.

Buffoone mainitakse erinevates vene eepostes. Bütsantsi 7. sajandi ajaloolane. Theophylact kirjutab põhjaslaavlaste (vendide) armastusest muusika vastu, mainides nende leiutatud citharasid, s.o. gusli. Guslit kui pühvlite asendamatut tarvikut mainitakse muistsetes vene lauludes ja Vladimirovi tsükli eepostes. Ajaloolises aspektis tuntakse pühvleid eelkõige rahva esindajatena muusikaline kunst. Neist saavad regulaarsed osalejad külapühadel, linnalaatadel, esinevad bojaaride mõisates ja tungivad isegi kirikurituaalidesse. Nagu näitab Stoglavy nõukogu 1551. aasta käskkirjade vastu suunatud dekreet, ulatuvad nende jõugud "kuni 60-70 ja kuni 100 inimeseni". Freskod kujutavad vürsti lõbusust Püha Sofia katedraal Kiievis (1037). Ühel freskodest on kolm tantsivat puhvetit, üks soolo, teised kaks paaris ja üks neist kas parodeerib naise tantsu või esitab sall käes midagi “quinto” tantsu sarnast. Teisel on kolm muusikut - kaks mängivad metsasarve ja üks mängib harfi. Samuti on kaks köielkõndijat: täiskasvanud inimene, kes seisab, toetab varda, mida mööda ronib poiss. Lähedal on muusik keelpilliga. Freskol on kujutatud karu ja orava peibutamist või jahtimist, mehe ja kostümeeritud looma võitlust ning ratsavõistlusi; lisaks veel hipodroom - prints ja printsess ja nende saatjaskond, publik boksides. Kiievis ilmselt hipodroomi polnud, küll aga toimusid hobuste võiduajamised ja loomade peibutamine. Kunstnik kujutas hipodroomi, soovides anda oma freskole suuremat pompoossust ja pidulikkust. Nii ühendasid pättide etteasted erinevaid kunstiliike – nii draama kui ka tsirkuse. On teada, et veel 1571. aastal värbasid nad riiklikuks meelelahutuseks “rõõmsaid inimesi” ja 17. sajandi alguses kuulus bankettide trupp Moskvasse tsaar Mihhail Fedorovitši ehitatud lõbustuskambrisse. Siis 17. sajandi alguses. Vürstidel Ivan Šuiskil, Dmitri Požarskil ja teistel olid härjatrupid. Vürst Požarski pätid käisid sageli külades ringi "oma käsitöö pärast". Nii nagu keskaegsed žonglöörid jagunesid feodaalžonglöörideks ja rahvažonglöörideks, eristati ka vene pätid. Kuid “õukondlaste” ring Venemaal jäi piiratuks, lõppkokkuvõttes taandusid nende ülesanded majapidamise naljameeste rollile.Suur osa vene pättidest olid rahvalikud lõbustused. Nende välimus rääkisid "deemonliku" käsitöö tegemisest; nad riietusid lühikeste seelikutega kaftanitesse ja lühikese seelikuga riiete kandmist vene keeles peeti patuks. Samuti kasutasid nad oma esinemistel sageli maske, kuigi 9. sajandil. maskeerimine pälvis kiriku terava hukkamõistu ja nad kasutasid oma kõnedes roppu kõnesid. Kogu oma igapäevase käitumisega vastandusid pätid vana-Vene üldtunnustatud elustiilile ja olid oma loovuses opositsiooniliste tunnete juhid. Guselnik-buffoonid mitte ainult ei mänginud oma pille, vaid "ütlesid" samal ajal vene rahvaluule teoseid. Lauljate ja tantsijatena esinedes lõbustasid nad samal ajal rahvast oma vimkadega ja saavutasid vaimukate naljameeste maine. Esinemiste edenedes tutvustasid nad ka "vestlusnumbreid" ja said populaarseteks satiirikuteks. Selles rollis mängisid pätid venelaste kujunemisel tohutut rolli rahvadraama. Saksa rändur Adam Olearius, kes külastas 1630. aastatel Venemaad, räägib oma kuulsas "Moskva-reisi kirjelduses..." puhtsüdamlikest lõbustustest: "Tänavaviiuldajad laulavad avalikult tänavatel häbiväärseid tegusid, samal ajal kui teised koomikud näitavad neid oma filmides. nukuetendused tavanoorte ja isegi laste raha eest ja karude juhtidel on kaasas sellised koomikud, kes muuseas oskavad kohe mingisuguse nalja või vembu esitada, nagu ... hollandlased nukkude abil. Selleks seovad nad keha ümber lina, tõstavad selle vaba külje üles ja korraldavad pea kohale midagi lava taolist, millelt jalutatakse mööda tänavaid ja tehakse sellel koos nukkudega erinevaid etteasteid. Oleariuse looga on kaasas pilt, mis kujutab ühte neist nukukoomiku etendustest, kus võib ära tunda stseeni "kuidas mustlane müüs Petruškale hobuse". Hullidele meeldib tegelased esinevad paljudes põhjamaa eepostes. Kuulus eepos on Vavilo ja pätid, mille süžee seisneb selles, et pätid kutsuvad kündja Vavilo endaga kaasa, et ta teeks päti ja seab ta kuningaks. Eepikauurijad omistavad eepikatele olulise osa eeposte koostamisel osalemisest ja omistavad nende loomingule palju, eriti lõbusaid pätilugusid. Tuleb märkida, et eepostes mainitakse kõrvuti elukutse järgi pätimängijatega ka amatöörlauljaid vürsti- ja bojaariperekondade aadliisikute hulgast. Sellised lauljad olid eepostes mainitud Dobrõnja Nikititš, Stavr Godinovitš, Solovei Budimirovitš, Sadko. Muusikariistad, laulud ja tantsud olid seotud rahvaliku maskeraadi kommetega. Meeste rituaalne riietumine naiseks ja vastupidi on tuntud juba iidsetest aegadest. Inimesed ei loobunud oma harjumustest, oma lemmiklõbustustest, mille juhtideks olid pätid. Oma pidusöökide ajal armastas tsaar Ivan Julm end maskeerida ja pättidega tantsida. 16.-17.sajandi jooksul. õukonnas ilmusid orelid, viiulid ja trompetid, mille mängimist õppisid ka pätid. Umbes 17. sajandi keskpaigas. hulkuvad bändid lahkuvad tasapisi lavalt ning väljakujunenud pätid on enam-vähem ümberõpetamas Lääne-Euroopa stiilis muusikuteks ja lavaesinejateks. Sellest ajast alates sai pätt vananenud kujuks, kuigi teatud tüüpi temast loominguline tegevus elas rahva seas väga pikka aega. Nii annab rahvaluule esitaja pätt-laulik teed 16. sajandi lõpust tärkavate esindajatele. luule; temast säilis rahva seas elav mälestus - põhjas eepiliste jutuvestjate, lõunas laulja või banduramängija näol. Buffoon-summer (guselnik, domrachey, torupillimängija, surnachey), tantsumängijast sai instrumentaalmuusik. Rahva seas on tema järglasteks rahvamuusikud, kelleta ei möödu ükski rahvapidu. Buffoon-tantsijast saab tantsija, jättes oma kunsti jäljed hulljulgetesse rahvatantsudesse. Naerajast sai kunstnik, kuid mälestus temast säilis jõululõbu ja naljade näol. Famintsyn lõpetab oma raamatu "Buffoons in Rus'" sõnadega: "Ükskõik kui toores ja elementaarne buffoonikunst ka poleks, ei tohiks me unustada tõsiasja, et see kujutas endast ainsat meelelahutuse ja rõõmu vormi, mis sobis rahva maitsele. inimesi paljudeks sajanditeks, mis asendas nad täielikult uusim kirjandus, viimaseid lavaprille. Skomorokhid... olid rahvaeepose ja rahvalava vanimad esindajad Venemaal; Samas olid nad ainsad ilmaliku muusika esindajad Venemaal...”

• Ettekande tegi
• algkooli õpetaja
• Efanova L.E.

• Vene muusikat seostati algselt iidsete vene slaavlaste kultuuri ja eluga.
• Muistsed slaavlased olid paganad ja kummardasid loodust.
• Kõiki slaavlaste uskumusi saatsid laulud ja loitsud, laulmine, tants ja ringtants.
• Kõigi inimelu oluliste sündmustega kaasnesid rituaalid.

• Rahvalaulu ilu avaldub juba muistsetes hällilauludes. Nad on täidetud emaarmastusega.
• Laulmine hällilaulud Nüüd tuleb lasteaedade ja lastelaulude käik (sõnast nurture, nurse, groom, follow someone.). Need on lühikesed poeetilised laused, mis saadavad lapse liigutusi esimestel elukuudel.
• Esimest korda lauldi lastele väikseid muinasjutte värssides ning lapsi õpetati taluma valesid ja ebakõlasid.

• Ainulaadne žanr, mis on omane ainult Vana-Vene muusikale, on kellamängu kunst. Helinat on kolme tüüpi: 1. Blagovest ( suure kella ühtsed löögid), 2. Kellamäng (valik kellasid väikseimast suurimaks või vastupidi) 3. Tegelikult helin ise (see oli juba tõeline kellamäng).

Nende aegade muusika on teada erinevatest allikatest, kuigi paljud andmed on usaldusväärsed. Freskod, mitmesugused kroonikad ja isegi ikoonid on teabeallikad, et luua täielik pilt tüüpilisest elust iidse Venemaa ajal. Novgorodi piiskopi ja munk Georgi teosed sisaldavad selget teavet, et muusikud esinesid linnade tänavatel ja erinevatel väljakutel. Muusika oli loomulikult kõigi rituaalsete pühade oluline osa, eriti sellistel populaarsetel ja austatud pühadel nagu Maslenitsa või näiteks Ivan Kupala.
Kõik suured rahvakogunemised, sealhulgas kõikvõimalikud laadad, käisid sageli muusikaliste etteastetega. Rituaalide lustimise ja tähistamise ajal saatsid tüüpilisi rituaaltoiminguid mängud ja tantsud. Ratsaspordivõistlused, pättide ja näitlejate esinemised olid sama populaarsed kui muusikute esinemised, nii et ka siis olid ringreisi- ehk rändrühmad.
Loomulikult olid muusika saatel ka vürstide õukonnas ja jõukate elanike majades peetud pidulikud üritused. Prints mängis kursusel kauneid pillimeloodiaid ja kui külalised pärast sööki kogunesid, anti sageli aias kontserte.
Muusikat ja sõjaväelisi auastmeid ei säästetud. Moraali tugevdamiseks ja tuju tõstmiseks, samuti rütmi hoidmiseks pikkadel ja väsitavatel jalutuskäikudel kõlas lihtne, kuid mõnus muusika. Trompetite, surnade ja sarvede abil sõjas andsid nad märke ja andsid kogunemisest märku. Tamburiinid ja trummid tekitasid valju müra, mis aitas vaenlast hirmutada ja demonstreeris veelgi tõsiseid kavatsusi.

Vana-Vene muusika ei olnud väga mitmekesine, kuid sel ajal oli juba palju erinevaid pille. Üks levinumaid ja ajalukku jäänud ikoonilise ja ürgse vene pillina olid gusli. Guslarid mängisid meelelahutuseks ja said muusika saatel jutustada erinevaid eeposte. Rituaalide eestvedajateks ja autoriteks olid tavaliselt targad, kuid rahvamuusikat esindasid pätid. Esimeste isiklike esinejatena Venemaal kasutasid buffoonid sageli erinevaid instrumente ning lisaks guslile mängisid pille, pille ja trompetit.
Kellahelina kunst kui muistsele Venemaale ainulaadne muusika ja üldse kunst, arenes aktiivselt välja pärast tatari-mongolite tabamist. Kolm tänapäeval eksisteerivat helinatüüpi tekkisid juba siis. Neid ühetaolisi kella lööke nimetatakse blagovestiks, sõrmitsemisel põhinevaks helinaks ja helistamiseks endaks, millest on saanud tõeline unikaalne kellamäng.
Kirikumuusika, mis tekkis pärast elanikkonna ristiusku pöördumist, arenes järk-järgult ja põhines laulmisel. Kõige arenenuma muusikainstrumendina peeti inimhäält kõige olulisemaks ja seetõttu hakati kõigil jumalateenistustel kasutama laule. On üldtunnustatud, et esimesed õpetajad selles suunas olid Bulgaaria ja Kreeka lauljad. Enamiku kirikulaulukunsti teosed jäid anonüümseks, mistõttu on ajalugu säilitanud vaid üksikuid silmapaistvate meistrite nimesid. Kindlalt on teada, et laulud salvestati noodikirja kasutades. Tähestiku juhendid sisaldasid peamiste bännerite (sümbolite) loendeid, kuid nende täitmise meetodeid ei kuvata. Arvestades, et suuline traditsioon läks teiste muusikastiilide arenemise käigus kaduma, ei ole nende aastate templilaulude taastamine võimalik. Siiski on teada, et tüüpilised laulud olid ranged, monofoonilised ja alati vaoshoitud. Erilise kõla andmiseks kasutati lihtsaid meloodiaid ja teatud helide sagedast kordamist. Koos kirjeldatud znamenny-lauludega kõlasid paralleelselt kontakary laulud ja keerulised kiituspalved. Sellise laulmise näited on säilinud kõige iidsemates lauluraamatutes. Kahjuks ei ole võimalik olemasolevaid andmeid dekrüpteerida samal põhjusel, kuna eriline süsteem salvestistel olid ilmselt oma suulised dešifreerimisseadused.
Ainulaadse ja väga huvitava, ebatavalise nähtusena rõõmustas iidse Venemaa muusika kõiki, kes seda kuulsid, sest pealtnägijate ülestähendusi on palju. Samas eriline originaalžanrid, mis pärineb sellelt territooriumilt, ei levinud kogu maailmas ja oli seetõttu kuulus kaugel väljaspool Venemaa piire. Eeposed, kellahelin, lüürilised laulud, harfi ja düüsi mängimine, samuti sõjaväeline trummimäng, laiendatud ja rikastatud muusikalised stiilid mis oli olemas enne seda aega. Muide, on üldtunnustatud, et kirikuslaavi muusikast sai kaasaegse professionaalse akadeemilise muusika prototüüp ja sellest sai oluline etapp kunsti arengus globaalses mastaabis.
Arvestades tol ajal tuntud ja laialt levinud muusikainstrumentide hulka ning muusikute kaasamist erinevatele üritustele, võib järeldada, et muusika on inimesi alati saatnud. Tegelikult on iidse Venemaa muusika maailmaajaloo kultuuripärandi lahutamatu osana väga oluline.

• Rahvaluule (inglise keelest folkloor - “rahvatarkus”, “rahvateadmine”).
• Eepos on nii muinasjutt kui ka Venemaa ajaloo episoodi peegeldus, see ühendab tegelikkuse ja väljamõeldise. Eepostes ülistati sageli Kiievi kangelaste julgust - Ilja Muromets, Dobrynya Nikitich, Alyosha Popovitš. Lauldi ka rahumeelseid viljatöölisi, näiteks Mikula Seljaninovitšit.
• Buffoonid polnud ainult muusikud. Nad ühendasid oskuse laulda ja mängida erinevaid pille tantsija ja akrobaadi, treeneri ja mustkunstniku oskustega.
• Polonees (prantsuse poloneesist - "poola") on Poola päritolu iidne tants, pidulik rongkäik veidi kiiremas tempos. Anglaise (prantsuse anglaise; danse anglaise - "inglise tants") - üldnimetus rahvalik Inglise tantsud, mis levis Euroopa maades 17.-19.
• Kabel (itaalia keelest capel-1a - "kabel") - keskajal katoliku kiriku koht, kus asusid muusikud. Ilmaliku muusika arenguga hakkas see sõna tähendama ühes kohas teenivat muusikute rühma.
• „Internationale" (prantsuse „L"lnternationale", t. ladina keeles inter – „vahel" ja ratio - „inimesed") – proletaari hümn. Sõnad Eugene Potier, muusika Pierre Degeyter. „Internationale" esitas esmakordselt. Lille'i tööliskoor 1888. 1920. aastatel Venemaal algasid ja lõppesid sageli kontserdid ja teatrietendused Internatsionaali koorilauluga.
• Kantaat (itaalia, kantaat; ladina keelest canto - "laulan") ja oratoorium (itaalia oratoorium; ladina keelest ogo - "Ma ütlen", "Ma palvetan") on suured vokaal- ja instrumentaalteosed solistidele, koorile ja orkestrile. Oratoorium on kantaadist monumentaalsem, sellel on eepilis-dramaatiline iseloom ja süžee.

Kuulake: võib-olla ka praegu, seda raamatut lugedes, on kuulda muusikahelisid... Tänapäeval pole enam sugugi raske tutvuda kõige populaarsemate muusikaga. erinevad stiilid. Piisab teleri või raadio sisselülitamisest, helikasseti või CD ostmisest ja saate nautida mis tahes muusikapala- pole vahet, kus ja millal see loodi.

Kuid see ei olnud alati nii. Veel 19. sajandil. Inimesed said kuulata ainult “elava” muusikat – seda, mis kõlas nende ümber õukonnapidustuste või rahvapidude ajal, ilmalikus salongis või küla pühakojas.

MUUSIKA IDA-SLAAVIDE PAGAN-RIITUSTEL

Iga riigi muusikakultuur on juurdunud rahvakunstis ehk folklooris.

Vanast idaslaavi muusikast pole palju teada (vt artiklit "Slaavlased – sugulasrahvaste perekond") – peamiselt materjalidest arheoloogilised väljakaevamised ja vastavalt üksikutele ajaloolistele tõenditele. Näiteks 6. sajandi Bütsantsi ajaloolane. mainib kolme kinnipüütud slaavi guslari - mis tähendab, et gusli oli juba sel ajal slaavlaste muusikariist.

Vana-Venemaal olid need laialt levinud rahvalaulud, mis on seotud paganlike uskumuste ja rituaalidega. Nii neid nimetati – rituaalideks. Slaavlased pidasid erilise tähtsusega aastaaegade vaheldust. Päikese üleminek talvelt suvele, kevade algus, muru suvine õitsemine – seda kõike tähistati. Selliseid iga-aastaseid pühi nimetati kalendripühadeks. Nendel pühadel esitatavaid laule nimetatakse ka.

Ja täna kestab üks Venemaa lemmikkalendrirituaale - Maslenitsa puhkus. Vastlanädalal jätavad nad talvega hüvasti. Ümmargused kuldsed pannkoogid, mida sel ajal ohtralt küpsetatakse, kujutavad päikest, mis annab elu kogu loodusele. Mida rohkem pannkooke sööte, seda viljakam on aasta. Nagu Maslenitsa laul ütleb:

Maslenitsa-väänatud kael,
Näeme hästi!
Pannkookidega
pätsidega,
Pelmeenidega!

Puhkuse lõpus valmistati õlgedest Maslenitsa kard. Nad põletasid teda mängude, tantsude ja lauludega.

Tänaseni säilinud kalendrilaulud on monofoonilised, nende meloodiad on koostatud lühikestest lauludest, milles kõlavad kõne intonatsioonid - kiirkõne või vastupidi venitatud kõned.

Muidugi ei saanud inimese elu perekonnas läbi ilma muusikata. Juba ammustest aegadest on lemmikrituaal olnud pulm. Pulmatseremoonia mängiti sõna otseses mõttes läbi teatrietendusena. See koosnes paljudest erinevatest stseenidest – nii kurbadest kui naljakatest. Sellest mängust võtsid osa kõik: pruut oma pruutneitsitega, peigmees oma peiupoistega, vanemad, külalised. Pulmad kestsid mitu päeva või isegi nädalat. Ja kogu selle aja kõlasid laulud.

Pere- ja argilaulud on inimest ümbritsenud lapsepõlvest saati: vastsündinu ülistamine, hällilaulud, lastelaulud, sõimelaulud ja laululaulud. Paljude sajandite jooksul oli iidsetel slaavlastel laialt levinud leina- ja surnute mälestamise rituaal. Sellest rituaalist sündis üks dramaatilisemaid žanre – itkumine. Tema muusikas on kuulda kurbliku nutmise ja nutmise intonatsioone:

Oh, kui haige ja kui haige!
Oi, kuidas päike on loojunud.

Nutulaulud esitasid tavaliselt naised, eriti hinnati osavamaid leinajaid. Vahetult enne Kiievi-Vene moodustamist hakkasid slaavlased meessoost nutulaulu, näiteks surnud printsi meeskonna leinamist.

VANA-Vene RAHV- JA KIRIKUMUUSIKA

Alates Venemaa ristimisest 10. sajandi lõpus. Vene muusika jagunes kaheks – rahvalikuks ja kirikuks. Nad arenesid paralleelselt, mõnikord vastandudes. Pärast kristluse juurutamist hakkasid paganlikud arusaamad maailmast järk-järgult minevikku jääma ja paganlikud rituaalid on kaotanud oma maagilise tähenduse. Kuid nad jäid elama, muutudes rahvamängud, ajastatud teatud aastaajale või vastavale olukorrale. Tõsi, kirik mõistis nad karmilt hukka: kuni 17. sajandini. Rahva poolt armastatud “deemonlike” mängude ja laulude vastu anti välja kirikumäärused ja kirjad.

Kiievi-Vene ajastu rahvamuusika kõige olulisem nähtus oli uut tüüpi muusikalise ja poeetilise loovuse sünd. Üks neist on eepos (vt artiklit “Eepika” köites “Vene kirjandus”, 1. osa “Lasteentsüklopeedia”).

Esinejad skandeerisid teksti, samal ajal improviseerides – muutes intonatsiooni, kiirendades või aeglustades jutustamise tempot. Ja kuna eeposes oli palju luuletusi, nõuti lauljatelt rikkalikku muusikalist fantaasiat. Lisaks käis tavaliselt laulmise saatel harfimäng. Just eeposte esitajaid peetakse Venemaa esimesteks professionaalseteks muusikuteks. Neid kutsuti lauljateks-jutuvestjateks.

Selliseid andekaid lauljaid-jutuvestjaid leidus ka möödakäijate seas - hulkuvaid pimedaid kerjusi. Kuid reeglina teenisid jutuvestjad vürsti õukondades. Pidulikel pidusöökidel rõõmustasid need külaliste kõrvu, olles omanikule uhkuse allikaks. Ja sõjakäikude ajal kõndisid nad salgaga koos, et hiljem saaksid laulda vene rüütlite vaprusest. Nende hulgas oli ka Kiievi jutuvestja Boyan. Tema töö kiitust kostub läbi lehtede kuulus teos iidne vene kirjandus"Lugu Igori kampaaniast".

Huvitav on see, et Novgorodi eeposte kangelasteks olid inimesed, kellel oli rõõm muusikalisi võimeid. Oskust laulda ja harfi mängida peeti muistses Novgorodis üheks kõrgeimaks isiklikuks vooruseks. Kuulus guslar oli kaupmees Sadko. Musikaalsus paistis silma ka posadnik Vassili Buslajev, kes sai tuntuks oma piiritu osavuse ja looduse laiuse poolest.

Ajaloolased viitavad, et nii Sadko kui ka Vassili Buslajev on tõelised inimesed. Kuid lood nende saatusest on sageli muinasjutulised. Näiteks Sadko laskub veealusesse kuningriiki ja vallutab oma muusikaga selle elanikke. Novgorodi eeposes, nagu ka Kiievis, on reaalsus heldelt väljamõeldisega maitsestatud – need on selle žanri tunnused.

Koos lauljate-jutuvestjate kunstiga sündis Kiievi-Venemaal teist tüüpi professionaalne muusikaline loovus - puhvis.

Ees esinesid hulkuvad pühvlid tavalised inimesed, etenduste lavastamine tänavatel ja väljakutel; "teenindajad" olid vürstlike õukondade juures, täites samal positsioonil kui naljamehed Lääne-Euroopas. Seal oli isegi terveid pättide asulaid.

Puhkpillide repertuaari aluseks jäid rahvalikus vaimus laulud ja tantsud, mida saatis reeglina puhkpillide mängimine: pillid, düüsid, torud, trompetid, sarved. Novgorodi väljakaevamistel leidsid arheoloogid vile – ühe rahvaviiuli eelkäija.

Moskva riigi ajastul (16. sajand) asendasid eeposed ajaloolised laulud. Nad kirjeldavad tõelised näod ja sündmused: võitlus Tatari-mongoli ike, Moskva kaitsmine hordi eest jne.

Kasakate seas loodi palju ajaloolisi laule. Kasakad ülistasid oma legendaarsete kangelaste - Ermak Timofejevitši, Stepan Razini, Emelyan Pugatšovi - vägitegusid. Üks olulisemaid nähtusi vene ajaloolaulus on seotud Stepan Razini ülestõusuga – nn Razini tsükliga. Selle tsükli laulud olid populaarsed kuni 19. sajandini. Vaimust läbi imbunud Kasakate vabamehed, väljendasid nad rahva igivana unistust vabadusest. Nende laulude iseloom on tavaliselt tahtejõuline ja aktiivne. Aga vahel murravad läbi ka lüürilised noodid.

Laulusõnad tungisid rahvakunsti umbes 16.-17. sajandil. Siis sündis pikk laul. Nüüd on isegi raske ette kujutada, et kunagi ammu ei olnud ühtegi kestvat laulu. Lõppude lõpuks tajutakse neid mitte ainult vene muusika, vaid ka vene iseloomu sümbolina. Nende aeglaselt lahtirulluvad meloodiad, mis hõlmasid üha laiemat ulatust, näisid peegeldavat tasaste maastike lõputuid kaugusi.

Vältimatu kurbus, melanhoolia, melanhoolia - need on tunded, mida "lauldi" hingest püsivates lauludes. Räägiti talupoegade raskest tööst, sõduri raskest elust ja vene naise kibedast saatusest. Solist laulis venivaid laule, temaga liitusid järk-järgult teised lauljad - ja nüüd hakkas koor kõlama. Kuid venitatud laulude kõrval kõlasid alati sütitavad tantsulaulud, julged vaprad laulud.

Sajandeid rahvamuusika ei registreerinud. Luuakse ja jagatakse ju rahvakunstiteoseid suuliselt, antakse edasi ühelt lauljalt teisele, põlvest põlve. Alles 18. sajandi lõpust. vene folkloori tundjad hakkasid koguma rahvalaulude tekste ja meloodiaid. Tänaseni jõuavad folklooriretked kõige kaugematesse küladesse lootuses leida ja jäädvustada seni tundmatuid näiteid muistsest laululoomingust.

Kirikumuusika vallas oli olukord teine. Juba 11. sajandi lõpus. Vene vaimulikud laulud salvestati spetsiaalsete siltidega - bännerite või konksudega. Seetõttu nimetatakse iidseid muusikalisi käsikirju znamennyks või konksuks. Nende käsikirjade, millest enamik on tänapäeva teadlastele siiani arusaamatud, dešifreerimine on tänapäeva teaduse üks raskemaid ja põnevamaid ülesandeid. Kuid vaatamata sellele võime ette kujutada, kuidas kõlasid znamenny laulud - lõppude lõpuks edastati neid, nagu rahvalaule, ka suuliselt.

Vanavene kirikumuusika on koorilaul ilma pillisaadeta; V õigeusu kirik Muusikariistadel pole kombeks mängida. Znamenny laulu esitas ainult meeskoor ja see oli pikka aega monofooniline. Seda iseloomustab rahulik tempo, sujuv meloodiline liikumine - ühesõnaga vaoshoitus ja isegi teatav kõla raskusaste.

Novgorodi lauljad mängisid Znamennõi laulu arendamisel suurt rolli. Üks neist, Savva Rogov, 16. sajandi keskel. juhatas Moskva lauljate ja lauljate kooli. Sel ajal Moskvas oli suur koor"suveräänsed lauljad ametnikud", kes osalesid kuninglikel jumalateenistustel ja jälgisid kirikulaulu olukorda kogu riigis. Kooris olid parimad lauljad - näiteks Fjodor Krestjanin, kelle loomingut kuuleb siiani kirikus ja vaimuliku muusika kontsertidel. Nende proovide põhjal võime julgelt otsustada, et see oli 16. sajandil. Znamenny laul saavutas haripunkti. Moskva metropoliidid ja seejärel patriarhid 16.-17. sisaldas mitmekümnest lauljast koosnevaid koore.

17. sajandil, pärast Ukraina taasühendamist Venemaaga, toimusid kirikumuusikas veelgi tugevamad muutused. Ukrainas oli sel ajal noodikiri juba kasutusel. Venemaal hakkas see ka konksu nihutama. Nootide (partiide) järgi laulmist nimetati parteks (hilisladinakeelsest partesist - “hääled”). Nad hakkasid ka helistama uus stiil kirikumuusikat, mis lõpuks asendas Znamenny laulu.

Partese laulmine on polüfooniline. Kõrgeim saavutus See stiil on koorikontsert – kõige rohkem keeruline kuju 17. sajandi vene muusikakunst. Pidulike jumalateenistuste ajal esitati koorikontserte. Neid esitas kaks, kolm, neli ja mõnikord kuus koori. Aga igal kooril endal oli neli häält. Seega võib häälte koguarv küündida kahekümne neljani! Koorid asusid kuulajate ümber ja nende kõla tekitas muljetavaldava stereofoonilise efekti.

17-18 SAJANDI ILMALINE MUUSIKA

Kokkupuutel Euroopa kultuur palju asju (sh mastering muusikaline kultuur) sõltus kuningliku õukonna maitsest. Nii et isegi Ivan Julma valitsusajal toodi Moskvasse orel. Boriss Godunovi lapsed mängisid juba klavessiini. Ja Aleksei Mihhailovitši (1645-1676) õukonnas avati esimene teater, kus lavastati oopereid. Eriti kiiresti ja kiiresti arenesid aga uued muusikategemise vormid Peeter Suure reformide ajastul.

Peeter I (1682-1725) ajal ei olnud ükski avalik tseremoonia ega õukonnapüha ilma muusikata. Erilise kuningliku dekreediga loodi iga rügement. puhkpilliorkestrid. Nad mängisid Vene relvade võitudele pühendatud sõjaväeparaadide ja teatrirongkäikude ajal. Siin kostis ka pidulikku heli. koorimuusika: lauldi nn tervitus- ehk viva-laulu (ladina keelest cantus - “laulmine”, “laulmine”, “laul”). Paleeballidel, mida tollal kutsuti kokkutulekuteks, esitati Euroopast pärit tantse. Alguses ei meeldinud need kõigile – kuningas pidi sundima oma alamaid poloneese ja anglaise tantsima. Kuid peagi muutusid Euroopa tantsud populaarseks.

Ametlikke pidustusi, balle ja festivale kostitasid kaks õueorkestrit ja õuekoor. Õukonna eeskuju järgisid suurmaaomanikud ja aadlikud. Oma valdustes lõid nad orkestri- ja koorikabeleid. Koorid koosnesid pärisorjadest, kuid nende mäng jõudis professionaalsete Euroopa muusikute tasemele.

Tasapisi sai kodune isetegevuslik musitseerimine aadlike seas tavaks. Kodukontsertidel esitati “galantseid” aariaid ja armastuslaule, sageli itaalia ja prantsuse keel. Nad armastasid laulda ja arranžeerida vene rahvalaule. Neid esitati klavessiini, harfi või kitarri saatel (prantsuse accompagne-ment - “saade”). Muusikaõpetus sai noorte aadlike hariduse kohustuslikuks osaks.

Kirg Euroopa muusika vastu viis õukonnateatri loomiseni Itaalia ooper, kus töötasid silmapaistvad töötajad Itaalia heliloojad, esinesid tuntud inimesed Itaalia lauljad. Hiljem astusid prantslased kohtu ette ooperitrupp. Ja XVIII sajandi teisel poolel muusikateatrid, kus lavastati esimesed vene heliloojate ooperid.

XIX SAJAND. VENEMAA MUUSIKAKLASSIKA SÜND

Rahvuslase sünd klassikaline muusika mis tahes riigis toimub siis, kui heliloojad hakkavad töötama kogu Euroopale iseloomulikes žanrites – ooperist sümfooniani, romantikast miniatuurini klaverini. Venemaal omandati need žanrid 19. sajandil ja sellest ajast on vene muusikast saanud üleeuroopalise kultuuri lahutamatu osa, säilitades siiski oma rahvusliku iseloomu.

Paljude teoste tegelased olid Venemaa ajaloo kangelased. Patriotismi ideed kõlasid ka muusikas - näiteks Stepan Anikievitš Degtjarevi (1766-1813) oratooriumis “Minin ja Požarski”, Katerino Albertovitš Kavosi (1775-1840) ooperis “Ivan Susanin*”.

Vene tegelane ei avaldu mitte ainult ajaloolises reaalsuses, vaid ka muinasjutulises väljamõeldis. Rahvajutud, legendid, uskumused, “sügava antiikaja traditsioonid” sisenesid kodumaiste heliloojate loomingusse ooperiga “Lesta, Dnepri merineitsi”. See meeldis avalikkusele nii väga, et selle jätkuks kerkis veel kolm samanimelist ooperit ( enamik muusika nendes kuulub Stepan Ivanovitš Davõdovile). Kõige populaarsem muinasjutuline-fantastiline ooper oli tollase kuulsa romantilise helilooja Aleksei Nikolajevitš Verstovski (1799-1862) "Askbl'di haud". Selles areneb romantiline armastuslugu Vana-Vene legendaarse mineviku taustal ja on põimunud kurjakuulutavate fantastiliste sündmustega.

Muidugi tegi see murelikuks heliloojad ja vaimne elu nende kaasaegsed. Tunnete peenemad varjundid on tabatud romansside lüürilistes meloodiates. Aja jooksul hakkasid nad peegeldama üha keerukamaid sisemisi kogemusi, pettumust ümbritsevas reaalsuses ja soovi teistsuguse, helgema elu järele. Kuulsate vene romansside autorite hulka kuuluvad heliloojad Aleksandr Aleksandrovitš Aljabjev (1787-1851), Aleksandr Jegorovitš Varlamov (1801-1848), Aleksandr Lvovitš Gurilev (1803-1858).

Omaloomingulise muusika loomisega püüdsid heliloojad arendada erilist muusikakeelt. Tema intonatsioonid olid ammutatud rahvalaulude viisidest, kirikulaulude motiividest ja kellade helidest. "Mõte kirjutada vene keeles" sai otsustavaks Mihhail Ivanovitš Glinka (1804-1857) loomingu jaoks.

M. I. Glinka töötas oma ajale näiliselt tüüpiliselt muusikalised žanrid. Tal on ajaloolise süžeega kangelas-patriootiline ooper “Elu tsaarile” (“Ivan Susanin”), on ooper-muinasjutt “Ruslan ja Ljudmila” ja lüürilisi romansse. Kuid just teda nimetatakse "vene muusika Puškiniks" ja ooperi "Elu tsaarile" esietenduse päeva - 27. novembrit 1836 - peetakse venelase sünnipäevaks. muusikaklassika, sest selles teoses tõstis Glinka esimest korda vene muusikas rahvaviisi tragöödiaks.

1862. aastal alustas Peterburis tegevust Vabakompanii Muusikakool, mille eesmärk on levitada muusikalist haridust elanikkonna laiade ringide - töötajate, üliõpilaste, käsitööliste seas. Kool võlgnes oma ilmumise teisele kuulsale vene muusikule - Mily Aleksejevitš Balakirevile (1836/37-19Yu). Muusikaajalukku läks ta eelkõige loomingulise kogukonna “The Mighty Handful” asutajana. Tulevane helilooja ja pianist tuli Peterburi Nižni Novgorodist 18-aastaselt. Tema lai muusikaline eruditsioon ja särav temperament võimaldasid tal saavutada noorte amatöörmuusikute seas suurt autoriteeti. 1856. aastal kohtus temaga sõjaväeinsener Caesar Antonovich Cui (1835-1918) ja aasta hiljem Preobraženski rügemendi ohvitser Modest Petrovitš Mussorgski (1839-1881). 1861. aastal ühines nendega 17-aastane mereväe kadetikorpuse lõpetanud Nikolai Andrejevitš Rimski-Korsakov (1844-1908) ja 1862. aastal keemiaprofessor Aleksandr Porfirievitš Borodin (1833-1887). Nii tekkiski viiest pürgivast heliloojast koosnev ring. Silmapaistvad kirjandus- ja muusikakriitik, suur kunstigurmaan Vladimir Vassiljevitš Stasov (1804-1906). Just tema ühes artiklis kasutatud väljend - "väike, kuid juba võimas vene muusikute seltskond" - sai ühisuse nimeks.

Ringikoosolekutel pöörasid heliloojad palju tähelepanu sellele, kuidas parimad teosed Euroopa klassikaline pärand ja kaasaegne muusika. Suhtlemine noorte muusikute jaoks ei olnud ainult professionaalse tipptaseme kool; Siin kujunes välja nende sotsiaalne maailmavaade ja esteetilised põhimõtted. liikmed" Võimas kamp"jätkas M.I. Glinka tööd: nende loomingu peateemaks oli rahva elu.

"Vägeva peotäie" heliloojad püüdsid luua muusikat, mis oleks kättesaadav ja arusaadav laiale hulgale inimestele. Seetõttu eelistasid nad pöörduda sõnadega seotud žanrite poole. Need olid ooper ja romantika, aga ka programmilised instrumentaalteosed, millel olid prototüübid kirjandus- või maaliteostes.

Eriline koht 19. sajandi teise poole vene muusikas. hõivab Pjotr ​​Iljitš Tšaikovski (1840-1893) loomingu. Selle helilooja geniaalne anne avaldus eelkõige peegelduses sisemaailm inimene. P. I. Tšaikovski sümfooniad, tema ooperid ja romansid võivad šokeerida traagika sügavusega ja samas äratada aukartust oma täiuslikkusega.

XX SAJANDI MUUSIKA

XIX-XX sajandi vahetus. - eriline periood vene kultuuri jaoks. See aeg on läbi imbunud suurte muutuste läheduse tundest. Muusika, võib-olla parem kui teised kunstid, peegeldas tolleaegseid tormilisi aimdusi. Sergei Vassiljevitš Rahmaninov (1873-1943) ja Aleksandr Nikolajevitš Skrjabin (1871/72-1915) andsid kumbki omal moel edasi valutavat kurbust lahkumisest mööduvast Venemaast ja põnevat rõõmu uue maailma loomisest.

Üllataval kombel koges muusika kõige raskematel ja näljasematel revolutsioonijärgsetel aastatel tõeliselt enneolematu õitsengu. Kontsertide arv on mitmekordistunud. Suured ja väikesed, sümfoonilised ja kammerlikud, kontserdid-koosolekud ja kontserdid-loengud - neid peeti filharmooniapaikades ja endiste paleede saalides ning sõjaväehaiglate ootesaalides ja töölisklubide ruumides. Nendest võtsid osa nii professionaalsed muusikud kui ka amatöörkollektiivid. 20ndate muusikaelu. paistis silma oma hämmastava mitmekesisuse, erinevate žanrite seguga.

Vajadus uute laulude järele oli nii suur, et alguses kohanesid paljud heliloojad revolutsioonilised tekstid juba enne revolutsiooni tuntud vanade marsside ja romansside meloodiaid. Nii tekkisid meremehe “Üle mere, mööda laineid”, Punaarmee “Punaarmee on kõige tugevam”, komsomoli “Seal kauguses, üle jõe” jne.

Peagi ilmusid esimesed nõukogude laulud, millest parimad ühendasid inimesi nii esimese viie aasta plaanide töösaavutuste aastatel kui ka rasketel aegadel. Isamaasõda.

Iseloomulik on see, et lauluteemadest said aluseks suuremate žanrite teosed – koorikantaadid ja oratooriumid.

Nad tungisid ooperi- ja balletimuusikasse, sisse sümfoonilisi teoseid. (Näiteks Reinhold Moritsevich Gliere’i (1874/75-1956) balletis “Punane moon”, kõlab “Internationale” meloodia ja populaarseim teema “Õun”.) Aga loomulikult muusikaline loovus 20ndad ei piirdunud ainult laulužanriga töötamisega. See oli intensiivse uurimistöö ja julgete eksperimentide aeg, mis on siiani hingematvad. Raske on ette kujutada tänaval kõlavat sümfooniat, mida esitab tehase- ja veduriviledest koosnev orkester. Või jazzi kompositsioon"müratekitajate" ansambel, kuhu kuuluvad lihtsatest kammidest valmistatud suupillid, papptorud, purkidest valmistatud mandoliinid, veepudelid, puulusikad, joonlauad, aabitsad jne. Tummfilme saadav muusika aga kasutab rahvasuus populaarsete tantsude rütme. NEP ajastu – tango, fokstrott, shimmy. Selle kõrval on “kõrg” muusika žanrid, mis valdavad Euroopa avangardi uusimaid saavutusi...

30ndatel selline muusikaline mitmekesisus polnud enam võimalik. Sel ajal hakkasid moodustuma kirjanike, kunstnike ja heliloojate loomingulised liidud. Nende ülesandeks oli kultuuri juhtimine ja ühtse arengusuuna väljatöötamine Nõukogude kunst. Loomulikult piiras selline lähenemine vabadust loominguline isiksus. Kuid algul oli jõupingutuste ühendamisel positiivne roll ka nii muusika mineviku mõistmisel kui ka selle arengul. Rahvakunst ja vene klassikaline pärand pälvis väärilise tunnustuse. On saanud võimalikuks innovatsiooni kombineerimine eelmisel kümnendil eelmiste sajandite traditsioonidega.

Muusika jaoks osutus see kombinatsioon äärmiselt mahlakaks. See oli 30ndatel. Toimus nõukogude muusikaklassika sünd. Dmitri Dmitrijevitš Šostakovitš (1906-1975) kirjutas ooperi “Katerina Izmailova” ja viienda sümfoonia; Sergei Sergejevitš Prokofjev (1891 - 1953) - ballett "Romeo ja Julia" ja muusika filmile "Aleksandr Nevski". Seda aega on võimatu ette kujutada ilma Isaac Osipovich Dunaevsky (1900-1955) muusikata populaarsetele filmidele.

Suure Isamaasõja ajal reageeris laul sündmustele kõige kiiremini. Karm ja julge" Püha sõda"kirjutas Aleksandr Vassiljevitš Aleksandrov (1883-1946) vahetult enne sõja algust. Laulu esiettekanne toimus mitte kontserdisaalis, vaid Moskvas Belorusski raudteejaamas, kust lahkusid rongid sõduritega. Ülemeelik "Katyusha", hingestatud ja lüüriline "Pime öö" ja "Kaevas", särtsakad "Rukkilill Vasja" ja "Päikeselisel heinamaal" - kõik need laulud sisenesid sõjaväe igapäevaellu, said osaks rinde ja tagala elu.Ja kui palju oli veel - rindelaulud, ustavad sõdurisõbrad!

Suurimate muusikažanrite - ooper, sümfoonia - teosed sündisid sõja-aastatel mitte vähem kiiresti kui laulud. (Tavaliselt kestab nendes žanrites teoste loomine kuude või isegi aastate jooksul.) Kõige silmapaistvam sündmus maailmas muusikaline elu Sõja-aastaid iseloomustas D. D. Šostakovitši seitsmenda sümfoonia loomine ja esitamine ümberpiiratud Leningradis. Nälja tõttu ei jätkunud enamikul orkestrimuusikutest jõudu iga päev proovidesse tulla. Ja nad eelistasid üldse mitte koju naasta – lihtsalt kontserdini elada! Sümfoonia vapustas kogu maailma kui inimvaimu suurim looming. Sõja teemale on pühendatud ka S. S. Prokofjevi viies sümfoonia. 1944. aastal Moskvas toimunud esiettekandel juhatas helilooja orkestrit ise. Kaasaegsed meenutavad, et kui ta enne viimast liigutust teatepulga üles tõstis, kostis akende taga Nõukogude vägede järjekordse võidu auks saluute.

Muusika jaoks saabus uus aeg 60ndatel, mis läks nõukogude ajalukku kui “Sula”. Meie ühiskonna liikumine sisemise vabaduse ja välise avatuse poole hakkas alles siis ilmnema. Kuid kommete ja stiilide mitmekesisus, mida kunst täisväärtuslikuks eluks vajab, naasis kohe muusikasse. Siis töötasid veel vanema põlvkonna suured meistrid ja astusid ajastusse loominguline õitseng need, kes arendasid välja parimad vene klassikalise muusika traditsioonid. Ei saa jätta meenutamata näiteks Georgi Vassiljevitš Sviridovi (1915-1998) vokaalsõnade meloodiarikkust. Noored heliloojad uskusid, et on vaja uurida maailma muusikalise avangardi saavutusi. Lühikese aja jooksul omandasid nad muusikalise kirjutamise tehnikad, mille on välja töötanud erinevates suundades välismaist muusikat neil aastakümnetel, mil vene kultuur oli temast aiaga eraldatud. Kõik žanrid: poplaulust ooperini, filmide partituuridest sümfooniateni, kuuluvad globaalse eksperimenteerimise sfääri; selles on 60ndad sarnased 20ndatega. Ilma selliste eksperimentideta on võimatu ette kujutada näiteks Alfred Garrievich Schnittke (1934-1998) ja Sofia Asgatovna Gubaidulina (sünd. 1931) loovuse arengut.

90ndatel XX sajand Rokk- ja popmuusika võivad fännide arvu poolest omavahel võistelda. Igaüks neist suundadest peegeldab modernsust omal moel – selle tugevust ja nõrkust, lootusi ja meeleheidet ning mis kõige tähtsam – edasijõudmist. Huvi klassika vastu jätkub lakkamatult: talveaedade saalid on täis tõelisi asjatundjaid, eriti kuulsate esinejate kontsertide ajal. Lugu jätkub. Venemaal ei lõpe muusika mängimine kunagi.