Prezentacja sztuki operowej. Prezentacja „Formacja Opery” w Moskiewskim Teatrze Artystycznym – projekt, reportaż
slajd 1
Twórczość operowa ucznia klasy 10A Siergieja Mitrochina Lider: Timoshkova Tatyana Nikolaevna 2009.slajd 2
Spis treści: Historia opery Artyści operowi Dzieła operowe
slajd 3
Opera Teatr muzyczny ma długą historię. Jego początki sięgają festiwali i zabaw ludowych, które łączyły śpiew, taniec, pantomimę, akcję i muzykę instrumentalną. Dramatyczne przedstawienia starożytności również nie mogły obejść się bez muzyki. Jego rola jest wielka zarówno w starożytnych tragediach, jak iw średniowiecznych przedstawieniach ludowych i kultowych („świętych”). Jednak jako szczególny rodzaj sztuki dramatycznej, w której podstawą działania jest muzyka, opera ukształtowała się na przełomie XVI-XVII wieku. W wielu kulturach narodowych Europy, pod wpływem humanistycznych idei renesansu, szukano po omacku sposobów na stworzenie spektaklu muzycznego i teatralnego nowego typu. Poszukiwania te zostały zwieńczone najwcześniejszymi i najbardziej znaczącymi ideowymi i artystycznymi rezultatami w klasycznym państwie renesansu – Włoszech. Początkowo spektakle nie miały dokładnego oznaczenia i nazywano je albo favola in musica (bajka muzyczna), potem drmma in musica (dramat muzyczny), wreszcie opera in musica (dzieło muzyczne) lub w skrócie opera (opera, dosłownie - akcja, praca; po łacinie opera oznacza pracę, tworzenie). Przedstawienia operowe pierwszej tercji XVII wieku przeznaczone były głównie dla szlachty dworskiej. Ale od 1637 roku w różnych krajach Europy otwierano publiczne teatry muzyczne, dostępne dla szerszej części ludności miejskiej. Opera stopniowo zajęła ważne miejsce w życiu społeczeństwa, stała się integralną częścią kultury światowej.
slajd 4
zjeżdżalnia 5
W XVII wieku do głosu doszło wielu wybitnych kompozytorów - założyciele narodowych szkół operowych. To jest C. Monteverdi we Włoszech, J. B. Lully we Francji, G. Purcell w Anglii. Treścią oper były wątki mitologiczne lub historyczno-legendarne. Najlepsze utwory odzwierciedlały idee humanistyczne naszych czasów, nawiązywały do muzyki ludowej, ale ich autorzy nie mogli całkowicie uniknąć wpływu ideologii feudalno-absolutystycznej, gustów estetycznych i poglądów środowiska arystokratycznego. Przedstawienia te nazwano operą seria (dosł. operą poważną); odznaczały się wielką pompą, uroczystym uniesieniem. We Francji dzieła tego typu nazywano tragedią liryczną lub muzyczną. W XVIII w. włoska opera seria na scenach europejskich teatrów muzycznych stopniowo podupadała; jego zawartość stawała się coraz bardziej zubożała. Również francuska tragedia liryczna skostniała w swoich warunkowych formach. Hiszpańska opera dworska, tzw. zarzuela, również przeżyła kryzys. W związku z rozwojem antyfeudalnego ruchu demokratycznego wszędzie pojawiała się opera komiczna, która nabrała dużego znaczenia społecznego, realistyczna w swej orientacji, wykorzystująca codzienne wątki zaczerpnięte z otaczającego życia, w swych początkach kojarzona z muzyką ludową i teatrem. We Włoszech, gdzie nazywano ją opera buffa, kompozytorami J. B. Pergolesi, J. Paisiello, D. Cimarosa stali się popularnymi autorami przedstawień komediowych; we Francji - F. Philidor, P. Monsigny, A. Gretry; w Austrii i Niemczech ten nowy gatunek muzyczny i teatralny nazywano singspiel (dosłownie - gra ze śpiewem), w Anglii - balladą lub operą pieśni (zwaną także "operą żebraczą")
zjeżdżalnia 6
w Hiszpanii - tonadilla. W ostatniej ćwierci XVIII wieku w Rosji powstał charakterystyczny narodowo, demokratyczny teatr muzyczny (opery komiczne kompozytorów M. M. Sokołowskiego, W. A. Paszkiewicza, M. A. Matinskiego, E. I. Fomina). Szczególne znaczenie w XVIII wieku miała działalność niemieckiego kompozytora K. V. Glucka (urodzonego w Czechach) i austriackiego kompozytora W. A. Mozarta, którzy odzwierciedlili w swojej twórczości zaawansowane idee Oświecenia. To są dwaj główni reformatorzy sztuki operowej. Jeden z nich, który czynnie sprzeciwiał się estetyce i praktykom arystokratycznej opery dworskiej, stworzył heroiczną muzyczną tragedię przesyconą obywatelskim patosem i wzniosłymi uczuciami. Drugi, opierając się na dokonaniach opery buffa i singspielu, dawał wysoce realistyczne przykłady komedii, dramatu, baśni filozoficznych, odznaczających się pełnią życia i doskonałością cech muzyczno-dramatycznych, szybkim i kontrastującym rozwojem akcja. Działalność Glucka i Mozarta przebiegała w przededniu rewolucji francuskich końca XVIII wieku - tego najważniejszego punktu zwrotnego w historii Europy. W burzliwym okresie zerwania starych, feudalnych stosunków i dojrzewania nowych, mieszczańskich, znacznie wzrosła rola teatru muzycznego jako rzecznika postępowych idei społecznych. Odtąd, w swoim rozwoju, jest ściślej związany z ogólną ewolucją kultury muzycznej, sztuk scenicznych i literatury. W historii opery walka różnych nurtów ideologicznych i twórczych, zmiany stylów artystycznych, wynikające z praw rozwoju społeczno-politycznego i specyfiki kultur narodowych, znajdują coraz bardziej bezpośrednie odzwierciedlenie niż wcześniej. W warunkach walki ideologicznej postępowi artyści bronią postępowych, demokratycznych podstaw kultury narodowej.
Slajd 7
Ich nowatorska praca uchwyciła sprzeczności współczesnej rzeczywistości, społeczne i narodowo-wyzwoleńcze idee epoki, różnorodność relacji międzyludzkich. Obejmując szerokie grono demokratycznych słuchaczy opera przyczynia się do kształtowania samoświadomości ludzi, jest jednym z najwyższych przejawów kultury narodowej. Rola społeczno-polityczna teatru muzycznego wzrosła nawet w okresie francuskiej rewolucji burżuazyjnej, która dokonała wielkich zmian w treści i formach sztuki operowej. Wątki heroiczno-patriotyczne, rozwinięte w latach zrywu rewolucyjnego, zostały mocno rozwinięte w XIX-wiecznej operze, a przede wszystkim w twórczości L. Beethovena, który wywarł ogromny wpływ na muzykę kolejnych pokoleń kompozytorów. Wiek XIX to pojawienie się wielu klasycznych dzieł operowych, w których śpiewa się lud, szlachetne czyny ludzkie, walkę o wolność, szczęście i sprawiedliwość. Wielcy kompozytorzy przeszłości stworzyli ogromną różnorodność rodzajów dzieł muzycznych i teatralnych, wśród których najbardziej rozpowszechnione są opery heroiczno-patriotyczne, epickie, liryczno-dramatyczne i komiczne. Rozwój tych typów charakteryzuje się w różnych krajach ich specyficznymi cechami, zależnymi od specyficznych społecznych i kulturowo-historycznych warunków rozwoju każdej narodowej szkoły operowej. Jednak generalnym nurtem było potwierdzanie i poszerzanie ideologicznych i artystycznych możliwości realizmu. Jednocześnie w niektórych szkołach operowych pierwszej połowy XIX wieku, obok realistycznych, romantycznych tendencji, dotknęły. K. M. Weber odegrał ważną rolę w ustaleniu narodowych treści i form niemieckiej sztuki operowej, w której twórczości ludowo-gospodarskie elementy singspielu
Slajd 8
połączone ze znakami romantycznego dramatu. Następcą dzieła Webera był R. Wagner; jego twórczość stanowi ważny kamień milowy w historii teatru muzycznego drugiej połowy XIX wieku. Wagner wzbogacił światową sztukę operową wybitnymi kreacjami, choć niektóre z nich nie są pozbawione sprzecznych cech. Walcząc o wysoką zawartość sztuki z zewnętrzną rozrywką i przestarzałą teatralną konwencjonalnością, dążąc do urzeczywistnienia majestatycznych idei ideologicznych, Wagner nie unikał znanej niejasności, niejasności, a czasem nadmiernej złożoności wypowiedzi, która najbardziej ujawniła się w ostatnim okresie jego praca. Typowe cechy włoskiej opery komicznej genialny wyraz znalazły w twórczości G. Rossiniego, którego dorobek ma znaczenie także w dziedzinie opery heroiczno-patriotycznej. G. Verdi, jeden z najwybitniejszych mistrzów światowej sztuki realistycznej, stał się największym klasykiem włoskiej opery. Przez wiele dziesięcioleci działalności twórczej tworzył różnego rodzaju dzieła operowe. Początkowo Verdiego bardziej interesował temat heroiczno-patriotyczny, ucieleśniony w romantycznym planie. Od połowy stulecia pisał głównie opery liryczno-dramatyczne - dramaty psychologiczne nacechowane głębokim realizmem, niekiedy dochodzące do poziomu prawdziwych tragedii. Pod koniec jego życia, w ostatniej dekadzie XIX i na początku XX wieku, aktywnie pokazali się utalentowani kompozytorzy P. Mascagni, R. Leoncavallo, a zwłaszcza G. Puccini. Podstawą ich ideowych i artystycznych poszukiwań był ruch literacki lat 80. XIX wieku, zwany weryzmem (vero - oznacza szczery, prawdomówny). Werysci dążyli do tworzenia dramatycznych, intensywnych prac o tematyce zaczerpniętej z życia zwykłych ludzi, głównie ze środowiska defaworyzowanych warstw społecznych.
Slajd 9
Jednak w tym postępowym dążeniu czasami grzeszyli naturalizmem. Narodowe cechy francuskiego teatru muzycznego pierwszych dekad XIX wieku związane są przede wszystkim z gatunkiem opery komicznej, który owocnie rozwinął D.F. Aubert. W drugiej połowie wieku narodził się i upowszechnił rodzaj tzw. „grand opera” („grand opera”) – monumentalnego, bogatego w efektowne momenty sceniczne, romantycznie barwnego przedstawienia o tematyce historycznej. Ten typ operowy najdobitniej wcielił się w twórczość J. Meyerbeera. W drugiej połowie XIX wieku „grand opera” została przeciwstawiona „operze lirycznej”, a jej autorzy, przede wszystkim Ch. Gounod, a następnie L. Delibes i J. Massenet, opisali codzienność zwykłego człowieka, życie wokół niego, intymne, szczere uczucia. Powstanie opery lirycznej oznaczało utrwalenie i utrwalenie cech realistycznych we francuskiej sztuce operowej. Szczytem realizmu w narodowej szkole Francji jest twórczość J. Bizeta, witalnie pełnokrwista i soczysta, o żywej wyobraźni, przesiąknięta optymizmem. Ruchy wyzwoleńcze XIX wieku stworzyły szereg nowych, głęboko niezależnych narodowych szkół operowych. W walce narodu czeskiego o niepodległość narodową wybitne znaczenie miały opery B. Smetany, z którymi występował w drugiej połowie wieku. Twórca czeskiej klasyki muzycznej, Smetana, opracował specjalne rodzaje oper heroiczno-patriotycznych i komicznych, odpowiadające tradycjom ludowo-narodowym. Nie bez znaczenia jest także wkład w teatr muzyczny Republiki Czeskiej A. Dvořáka, zwłaszcza w dziedzinie bajecznej opery codziennej, i L. Janáčka. W połowie XIX w. określono specyficzne dla kraju sposoby rozwoju polskiej szkoły operowej, kierowanej przez S. Moniuszki, oraz węgierskiej, kierowanej przez F. Erkela.
zjeżdżalnia 10
slajd 11
Najlepsze dzieła światowej klasyki operowej charakteryzują się narodowością i realizmem, jednością głębokiej treści i doskonałej formy artystycznej, narodowością muzyczną, związkiem ze sztuką ludową, z zaawansowaną myślą społeczną. Te cechy są w dużym stopniu nieodłączne od rosyjskiej opery klasycznej, której założycielem był M. I. Glinka. Podstawa pieśni ludowej rosyjskiej opery klasycznej nadaje jej cechy wyjątkowej oryginalności; jego środki artystyczne i formy wyrazu muzycznego są zróżnicowane; typowa wyrazistość i wypukłość poszczególnych obrazów łączy się z szeroko malowanymi obrazami życia ludowego, z historycznym i społecznym tłem akcji. W pierwszych dziesięcioleciach XIX wieku rosyjską twórczość operową reprezentowały nazwiska kompozytorów S. I. Davydov, K. A. Kavos, a następnie A. N. Verstovsky. Opery Glinki - pomysłowe eposy z życia ludu - zapoczątkowały nowy okres w dziejach rosyjskiego teatru muzycznego i były największym podbojem światowej realistycznej sztuki operowej. Rosyjscy kompozytorzy klasyczni, za Glinką, tworzyli bardzo patriotyczne dzieła operowe, które odzwierciedlały historyczne losy ojczyzny, relacje między ludem a państwem, walkę z uciskiem społecznym, protest przeciwko przemocy wobec jednostki. A. S. Dargomyzhsky był autorem pierwszego rosyjskiego społecznego i krajowego dramatu muzycznego „Syrenka”, w którym pojawił się temat nierówności klasowych. Powstanie ruchu rewolucyjno-demokratycznego w latach 60. XIX wieku określiło kierunek działań kompozytorów „Potężnej garści” - stowarzyszenia twórczego kierowanego przez M.A. A. Cui.
zjeżdżalnia 12
slajd 13
Przez kolejne dziesięciolecia pojawiają się kolejne arcydzieła rosyjskiej i światowej klasyki operowej. W swoich ludowych dramatach muzycznych „Borys Godunow” i „Khovanshchina” M.P. Musorgski dał obrazy przeszłości Rosji w krytycznych okresach jej historycznego rozwoju, niezrównaną siłą i głębią. Monumentalna epicka opera „Książę Igor” A.P. Borodina śpiewa o wysokim patriotyzmie narodu rosyjskiego, wyraźnie zarysowuje charaktery narodowe. Różnorodna pod względem typów, bogata w treść i wszechstronna pod względem artystycznego wcielenia opery N. A. Rimskiego-Korsakowa. Społeczno-historyczny dramat muzyczny Kobieta z Pskowa współistnieje z liryczno-komiczną operą Majowa noc; cudowna „wiosenna opowieść” „Śnieżna Panna” – z epicką operą „Sadko”; opera historyczno-codzienna Oblubienica cara - z legendarną operą Legenda o niewidzialnym mieście Kiteż i Fevronia panieńska oraz operą satyryczną Złoty Kogucik. Jednym z największych zjawisk w historii światowego teatru muzycznego jest twórczość operowa P. I. Czajkowskiego, która wyróżnia się wyjątkową głębią cech psychologicznych, prawdziwym wyrazem duchowego świata ludzi i dramatycznych konfliktów. Liryczno-dramatyczny charakter dzieła operowego Czajkowskiego, nabierając niekiedy tragicznej kolorystyki, najwyraźniej wyrażał się w takich utworach jak Eugeniusz Oniegin, Czarodziejka czy Dama pikowa. Twórczość genialnego kompozytora, szeroka tematycznie, obejmuje także wątki historyczne („Mazepa”, „Panna orleańska”) oraz ludowe i codzienne („Cherevichki”)
slajd 14
zjeżdżalnia 15
Wraz z tymi luminarzami rosyjskiej opery znaczący wkład w jej rozwój wnieśli A. G. Rubinshtein (Demon), A. N. Serov (Enemy Force), E. F. Napravnik (Dubrovsky), S. V. Rachmaninov („Aleko”), SI Taneyev („Oresteia” ). W drugiej połowie XIX i na początku XX wieku powstały także realistyczne szkoły operowe innych narodowości zamieszkujących Rosję. Reprezentują ich: na Ukrainie S. Gulak-Artemovsky, a zwłaszcza N. V. Lysenko; w Gruzji - M. A. Balanchivadze, D. I. Arakishvili, Z. P. Paliashvili; w Armenii - A. Tigranyan, A. A. Spendiarov; w Azerbejdżanie - U. Gadzhibekov. Rozwój tych szkół narodowych przebiegał w oparciu o realizację tradycji muzyki ludowej i doświadczeń świata, przede wszystkim klasyki rosyjskiej. Opera radziecka w całej swej różnorodności ideologicznej i artystycznej była spadkobierczynią najlepszych osiągnięć klasyków operowych w kraju i za granicą. Rozwijając wielkie tradycje klasyczne, wnikliwie badając rzeczywistość, sowieccy kompozytorzy operowi dążą do prawdziwego, artystycznie doskonałego odzwierciedlenia życia w jego nieustannym ruchu naprzód, do ukazania piękna i bogactwa duchowego świata narodu radzieckiego, do prawdziwego i wszechstronnego wcielenia aktualnych tematów współczesności i przeszłości historycznej. Znaczącymi osiągnięciami na tej ścieżce były opery I. I. Dzierżyńskiego, D. B. Kabalewskiego, S. S. Prokofiewa, T. N. Chrennikowa, Yu A. Shaporina, V. Ya Shebalina i innych. Wśród kompozytorów operowych z bratnich republik K. F. Dankiewicz, Yu S. Meitus, G. I. Maiboroda, E. K. Tikotsky, N. G. Zhiganov, E. A. Kapp, G. G. Ernesaks, M. O. Zarin, E. G. Brusilovsky i wielu innych.
zjeżdżalnia 16
Rozkwit sztuki muzycznej i teatralnej narodów socjalistycznych jest jednym z najważniejszych osiągnięć kultury radzieckiej, osiągniętym w wyniku realizacji leninowskiej polityki narodowej. Osiągnięcia te są szczególnie godne uwagi, biorąc pod uwagę, że w wielu republikach związkowych i autonomicznych (Uzbekistan, Kazachstan, Kirgistan, Białoruś, Tataria, Baszkiria itp.) opery narodowe powstały po raz pierwszy dopiero w latach władzy sowieckiej. Dzieła klasyków operowych dostarczają wysokiej estetyki najszerszym rzeszom słuchaczy. Głównym środkiem ich artystycznego oddziaływania jest melodia wokalna. Ekspresyjność i piękno śpiewu, żywe, melodyczne obrazy i przystępność to integralne cechy realistycznej opery. Jednak do pełnego ujawnienia dramatycznego konfliktu, pozycji scenicznych i uczuć bohaterów potrzebne jest mistrzowskie wykorzystanie wszystkich możliwości ekspresyjnych muzyki. W operze, którą N. G. Czernyszewski nazwał „najpełniejszą formą muzyki jako sztuki”, połączono zasady wokalne (solowe, zespołowe i chóralne) i instrumentalne (symfoniczne). Ich bliski związek jest nieodzownym warunkiem pełnoprawnej pracy operowej. Zgodnie z koncepcją ideową, naturą fabuły i tekstem libretta, kompozytor twórczo wykorzystuje utrwalone historycznie formy muzyki operowej – wokalną (aria, arioso, recytatyw, zespół, scena chóralna) i symfoniczną (uwertura, przerwa). , tańce). Formy te odznaczają się dużą swobodą, a każdy z głównych kompozytorów otrzymuje indywidualnie unikalną refrakcję. Niemniej jednak można wskazać pewne ogólne dramatyczne wzorce. Postacie bohaterów opery najpełniej ujawniają się w szczegółowych numerach śpiewów solowych (aria, arioso, pieśń, monolog).
slajd 17
Recytatyw jest często przeznaczony do fabuły i muzycznego połączenia zaokrąglonych, solidnych form wokalnych (aria, zespół, chór). Ale w rozwiniętej melodycznie formie odgrywa również ważną rolę w charakterystyce figuratywnej i służy jako skuteczny czynnik rozwoju muzycznego (w niektórych gatunkach opery, głównie komedii, zamiast recytatywu muzycznego stosuje się dialog konwersacyjny). W zespołach duetowych, tercetach, kwartetach i dużych scenach finałowych (często z chórem) sytuacje dramatyczne są uogólniane za pomocą muzyki, łączone są bliskie lub kontrastowe obrazy, wyraźnie ujawniają się sprzeczności zainteresowań, charaktery, namiętności. Dlatego też zespoły często pojawiają się w kulminacyjnych lub końcowych momentach dramatycznego rozwoju. Artystyczne możliwości muzyki pozwalają kompozytorowi tworzyć wielkoformatowe obrazy życia ludowego w masowych scenach chóralnych, urozmaicać związki bohatera ze środowiskiem społecznym.W rozwoju muzycznym opery wielka jest rola orkiestry, który często koncentruje główną treść dramatyczną sceny; symfoniczne środki wyrazu w istotny sposób uzupełniają i pogłębiają muzyczny opis sytuacji scenicznych, scenografię akcji, przeżycia bohaterów. Są to ogólnie rzecz biorąc środki artystyczne opery, za pomocą których kompozytor może wielostronnie i obrazowo ukazać istotne zjawiska życiowe, relacje międzyludzkie, różne grupy społeczne, wcielić się w typowe postacie, ukazać świat duchowy człowieka . Łącząc organicznie w jedną teatralną muzykę akcji (wokalno-instrumentalną), która w spektaklu odgrywa wiodącą rolę, słowo, ruch sceniczny, sztuki wizualne i często choreografię, opera uzyskuje najszersze możliwości odzwierciedlenia życia,
zjeżdżalnia 18
slajd 1
slajd 2
slajd 3
slajd 4
zjeżdżalnia 5
zjeżdżalnia 6
Slajd 7
Slajd 8
Slajd 9
Slajd 10
Prezentację na temat „Powstanie Opery” można pobrać całkowicie bezpłatnie na naszej stronie internetowej. Temat projektu: MHK. Kolorowe slajdy i ilustracje pomogą Ci utrzymać zainteresowanie kolegów z klasy lub odbiorców. Aby wyświetlić zawartość, użyj odtwarzacza lub, jeśli chcesz pobrać raport, kliknij odpowiedni tekst pod odtwarzaczem. Prezentacja zawiera 10 slajdów.
Slajdy prezentacji
slajd 1
Powstanie opery
Wykonane przez Kutyaevę Svetlana
slajd 2
Opera (opera włoska, dosłownie - kompozycja, z opery łacińskiej - dzieło, produkt, dzieło), gatunek sztuki muzycznej i dramatycznej. Literackie podstawy poezji (libretto) ucieleśniają dramaturgia muzyczna, a przede wszystkim formy muzyki wokalnej. Aktorstwo to gatunek syntetyczny, łączący w jednym teatralnym działaniu różne formy sztuki: dramaturgię, muzykę, plastykę (scenografię, kostiumy) i choreografię (balet). Historycznie rozwinęły się pewne formy muzyki operowej. Wobec pewnych ogólnych wzorców dramaturgii operowej wszystkie jej elementy są różnie interpretowane w zależności od rodzaju opery. Formy wokalne klasycznego O są zróżnicowane, charaktery postaci najpełniej ujawniają się w numerach solowych (aria, arioso, arietta, cavatina, monolog, ballada, pieśń).
slajd 3
). Recytatyw pełni w O. różne funkcje - muzyczno-intonacyjne i rytmiczne odtwarzanie mowy ludzkiej. Często łączy (pod względem fabularnym i muzycznym) oddzielne liczby pełne; jest często skutecznym czynnikiem w dramaturgii muzycznej. W niektórych gatunkach O., głównie komedii, zamiast recytatywu używa się mowy potocznej, zwykle w dialogach. Dialog sceniczny, scena spektaklu dramatycznego w teatrze, odpowiada zespołowi muzycznemu (duet, trio, kwartet, kwintet itp.), którego specyfika umożliwia kreowanie sytuacji konfliktowych, ukazywanie nie tylko rozwoju akcji , ale także zderzenie postaci i idei. Dlatego też zespoły często pojawiają się w kulminacyjnym lub końcowym momencie akcji operowej. Chór jest inaczej interpretowany w O..
slajd 4
W muzycznej dramaturgii O. ważną rolę przypisuje się orkiestrze, a symfoniczne środki wyrazu służą pełniejszej odsłonie obrazów. O. zawiera również niezależne epizody orkiestrowe - uwerturę, przerwę (wstęp do poszczególnych aktów). Kolejnym elementem spektaklu operowego są sceny baletowe, choreograficzne, w których obrazy plastyczne łączą się z muzycznymi. Historia O. jest ściśle związana z rozwojem kultury i dziejami społeczeństwa ludzkiego. O. często działał jako swego rodzaju przyczółek ideowy sztuki muzycznej, odzwierciedlający palące problemy naszych czasów - nierówności społeczne, walkę o niepodległość narodową, patriotyzm.
zjeżdżalnia 6
Początki teatru muzycznego tkwią w festiwalach folklorystycznych i zabawach. Już w starożytnych greckich grach dionizyjskich, greckiej tragedii, rola muzyki jest wielka. Przypisywano jej także ważne miejsce w średniowiecznych przedstawieniach kultu ludowego („świętego”). O. jako samodzielny gatunek ukształtował się na przełomie XVI i XVII wieku. W ciągu kilku wieków jego istnienia rozwinęło się wiele narodowych szkół operowych, stylów i rodzajów produkcji operowej. W wielu europejskich kulturach narodowych, zgodnie z humanistycznymi ideami renesansu, wypracowano zasady nowego typu wykonawstwa muzycznego i dramatycznego. Poszukiwania te były najbardziej udane w klasycznym kraju renesansu – we Włoszech. Grupa filozofów, poetów, muzyków i artystów (tzw. Camerata florencka, 1580) głosiła odrodzenie tragedii antycznej. Ideałem florentyńczyków w muzyce była prostota, naturalność wyrazu; w swoich spektaklach podporządkowali muzykę poezji. W tym duchu powstały pierwsze opery Daphne (1597-98) i Eurydyka (1600), z muzyką J. Peri i tekstem O. Rinucciniego. Kolejnym kamieniem milowym w historii O. jest „Orfeusz” C. Monteverdiego (1607).
Ilyukhina Anastasia i Egorova Tatyana 9a klasa AOU szkoła numer 9 Dolgoprudny
Czym jest opera? Prekursorzy opery. Historia gatunku. odmiany operowe. Elementy opery.
Pobierać:
Zapowiedź:
Aby skorzystać z podglądu prezentacji, załóż konto (konto) Google i zaloguj się: https://accounts.google.com
Podpisy slajdów:
Opera Origins Historia Podstawowe elementy współczesnej opery
Czym jest opera? Prekursorzy opery współczesnej Historia gatunku Odmiany opery Elementy opery Spis treści
Opera Opera to niesamowita sztuka. Jest zarówno bardzo stara i bardzo istotna, jak i masowa - i kameralna, i prosta - i niezwykle złożona. A wszystko dlatego, że może być własny, natywny dla każdej osoby – ponieważ wykorzystuje to, co prawie każdy ma – GŁOS. "Opera i tylko opera zbliża do ludzi, sprawia, że twoja muzyka odnosi się do realnej publiczności, czyni cię własnością nie tylko poszczególnych kręgów, ale w sprzyjających warunkach - całych ludzi." Te słowa należą do Piotra Iljicza Czajkowskiego, wielkiego rosyjskiego kompozytora.
Na świeżym powietrzu, u podnóża góry, której zbocza obrobione w formie stopni służyły jako miejsca dla widzów, w starożytnej Grecji odbywały się świąteczne przedstawienia teatralne. Aktorzy w maskach, recytując śpiewnym głosem, odgrywali tragedie gloryfikujące siłę ludzkiego ducha. Znaczące miejsce zajmował śpiew chóralny – to właśnie chór wyrażał główną ideę dzieła. Początki opery chińskiej również tkwią we mgle czasu - można je prześledzić od połowy I tysiąclecia p.n.e. mi. W epoce Sung (10-13 w.) popularne stają się różnego rodzaju utwory muzyczne i poetyckie o dużych formach - powstają style nanxi (liliowy) i yuanben, które charakteryzują się połączeniem prozaicznego dialogu z ariami poetyckimi, obrazów masek, pewne wzory naprzemiennej melodii. Prekursorzy współczesnej opery
Opera we współczesnym znaczeniu tego słowa powstała na przełomie XVI i XVII wieku we Włoszech. Twórcami tego nowego gatunku byli poeci i muzycy, którzy czcili starożytną sztukę i starali się wskrzesić starożytną grecką tragedię. Ale choć w swoich muzycznych i scenicznych eksperymentach wykorzystali wątki z mitologii greckiej, nie ożywili tragedii, ale stworzyli zupełnie nowy rodzaj sztuki - operę. Pochodzenie współczesnej opery Starożytna opera
Słowo „orega” w tłumaczeniu z języka włoskiego dosłownie oznacza pracę, kompozycję. W tym gatunku muzycznym poezja i sztuka dramatyczna, muzyka wokalna i instrumentalna, mimika twarzy, tańce, malarstwo, dekoracje i kostiumy łączą się w jedną całość. Czym jest opera?
Pierwsza opera została otwarta w 1637 w Wenecji; wcześniej opera służyła wyłącznie rozrywkom dworskim. Za pierwszą wielką operę można uznać Eurydice Jacopo Periego, wystawioną w 1597 r. Pionierami opery byli: w Niemczech - Heinrich Schutz, we Francji - Camber, w Anglii - Purcell; W Hiszpanii pierwsze opery pojawiły się na początku XVIII wieku. W Rosji Araya jako pierwszy napisał operę („Cefhal and Procris”) do niezależnego tekstu rosyjskiego (1755). Pierwszą rosyjską operą napisaną rosyjskimi manierami jest „Tanyusha, czyli szczęśliwe spotkanie”, muzyka F.G. Volkova (1756). Historia gatunku Jacopo Peri
Historycznie rozwinęły się pewne formy muzyki operowej. Wobec pewnych ogólnych wzorców dramaturgii operowej, wszystkie jej elementy, w zależności od rodzajów opery, są interpretowane różnie: grand opera (opera seria - włoska, tragédie lyrique, później grand-opéra - francuska), półkomiczna (semiseria ), opera komiczna (opera-buffa - włoska, opéra-comique - francuska, Spieloper - niemiecka), opera romantyczna, o wątku romantycznym. Odmiany opery ballada opera semi-opera, semi-opera, opera "half" (semi - łac. half) - forma angielskiej opery barokowej, która łączy dramat ustny (gatunkowy), wokalny mise-en-scenes, tańce i utwory symfoniczne. Jednym ze zwolenników semi-opery jest angielski kompozytor Henry Purcell, opera-balet
W operze komicznej, niemieckiej i francuskiej, dozwolony jest dialog między numerami muzycznymi. Są też na przykład poważne opery, w które wstawiane są dialogi. „Fidelio” Beethovena, „Medea” Cherubiniego, „Magiczna strzelanka” Webera. Za potomstwo opery komicznej należy uznać operetkę, która szczególnie rozpowszechniła się w drugiej połowie XIX wieku. Opery na spektakle dla dzieci (na przykład opery Benjamina Brittena - "Mały kominiarz", "Arka Noego", opery Lwa Konowa - "Król Maciuś Pierwszy", "Asgard", "Brzydkie kaczątko", "Kokinvakashu"). Odmiany opery
Dzieło operowe dzieli się na akty, obrazy, sceny, liczby. Przed aktami jest prolog, a na końcu opery epilog. W skład zespołu operowego wchodzą: solista, chór, orkiestra, orkiestra wojskowa, organy. Jedną z głównych części opery jest aria. Znaczenie tego słowa to „pieśń”, „śpiew”. Inne części dzieła operowego to recytatywy, arioso, pieśni, duety, tria, kwartety, zespoły itp. Głosy operowe mają swoje własne oznaczenia. Kobieta: sopran, mezzosopran, kontralt; mężczyzna: kontratenor, tenor, baryton, bas. Elementy opery
Postacie bohaterów najpełniej ujawniają się w numerach solowych (aria, arioso, arietta, cavatina, monolog, ballada, pieśń). Recytatyw pełni w operze różne funkcje - muzyczno-intonacyjną i rytmiczną reprodukcję mowy ludzkiej. Często łączy (pod względem fabularnym i muzycznym) oddzielne liczby pełne; jest często skutecznym czynnikiem w dramaturgii muzycznej. W niektórych gatunkach opery zamiast recytatywu używa się mowy potocznej. Elementy opery
Dialog sceniczny, scena spektaklu dramatycznego w operze, odpowiada zespołowi muzycznemu (duet, trio, kwartet, kwintet itp.), którego specyfika umożliwia kreowanie sytuacji konfliktowych, ukazanie nie tylko rozwoju akcja, ale też zderzenie postaci i pomysłów. Dlatego też zespoły często pojawiają się w kulminacyjnym lub końcowym momencie akcji operowej. Elementy opery
Chór w operze jest różnie interpretowany. Może to być tło niezwiązane z główną fabułą; czasami rodzaj komentatora tego, co się dzieje; jego artystyczne możliwości pozwalają pokazać monumentalne obrazy z życia ludowego, ukazać relacje między bohaterem a masami (np. rola chóru w ludowych dramatach muzycznych posła Musorgskiego „Borys Godunow” i „Chowanszczina”). Elementy opery Borys Godunow opera
W muzycznej dramaturgii opery dużą rolę przypisuje się orkiestrze, symfoniczne środki wyrazu służą pełniejszej odsłonie obrazów. W operze znalazły się także niezależne epizody orkiestrowe – uwertura, przerwa (wstęp do poszczególnych aktów). Kolejnym elementem spektaklu operowego są sceny baletowe, choreograficzne, w których obrazy plastyczne łączą się z muzycznymi. Elementy opery
Prezentację przygotowali uczniowie 9 klasy Ilyukhina Anastasia i Egorova Tatyana AOU szkoły nr 9 Dolgoprudny Teacher Teplykh T.N. Dziękuję za uwagę!
- Kalendarium i wyniki wypraw krzyżowych
- Ćwiczenia fizyczne zwiększające potencję
- Rak jelita - objawy Określ stadium zaawansowania raka jelita
- Główne przyczyny rozwoju beri-beri
- Awitaminoza – przyczyny, objawy i leczenie awitaminozy
- Jak szybko rozwija się rak jelita Objawy raka jelita u mężczyzn Rokowanie
- Rajneesh bhagavan shri „osho”
- Nazistowskie obozy koncentracyjne, tortury
- Tomasz z Akwinu Esencja i istnienie
- Rodzaje snycerki. Główna charakterystyka. Co to jest rzeźbienie w drewnie? pochodzenie rzeźbione w drewnie
- Life hack: jak zaoszczędzić pieniądze na kupowaniu gier dzięki grom Xbox Live Gold Subscription
- Najbardziej nietypowe skrzyżowania dróg (5 zdjęć) Rodzaje sygnalizacji świetlnej
- Fińskie sklepy wojskowe
- Największe stolice na świecie
- Największe miasta na świecie – najlepsze pod względem powierzchni i liczby ludności
- Znaczenie imienia Ramil w islamie
- Uczucia w pierwszych dniach po poczęciu
- Pre-Civilization: Marble Age Flash Game Pre-Civilization Epoka brązu
- Gogol Nikołaj Wasiliewicz
- Jak zaczęła się pierestrojka w ZSRR