Realism 20. sajandi ilukirjanduses. Realism kunstis (XIX-XX sajand)

100 RUR boonus esimese tellimuse eest

Vali töö liik Diplomitöö Kursusetöö Abstraktne Magistritöö Praktikaaruanne Artikkel Aruande ülevaade Test Monograafia Probleemide lahendamine Äriplaan Küsimuste vastused Loovtöö Essee Joonistamine Esseed Tõlkimine Esitlused Tippimine Muu Teksti unikaalsuse suurendamine Magistritöö Laboritöö On-line abi

Uuri hinda

Kaasaegne realism on täiustatud, keeruline, uus realism. Vahendid ja tehnikad muutuvad keerukamaks, kuid realismi põhiprintsiip jääb muutumatuks – eksponeerimine päris isik tegelikel objektiivsetel asjaoludel nende asjaolude mõju kangelase iseloomu ja käitumise kujunemisele.

Realismi tunnused: objektiivsus, tüpiseerimine, tegelikkuse arvestamine arengus (historism), nägemus kunstist kui reaalsuse mõistmise vahendist, kunsti kasvatuslik funktsioon. Kahekümnenda sajandi teise poole realism. naaseb vana klassikalise kangelase juurde, postmodernism aga kaasab ta intellektuaalsesse mängu. Realismi klassikaline kangelane asetatakse uutesse, tavaliselt eksistentsiaalsetesse oludesse ja seda kirjeldatakse modernismi ja postmodernismi arsenalist uute tehniliste võtetega. Ka tänapäevases realismis kasutatakse uusi süžeevõtteid, näiteks erinevate ajaplaanide ristumisi (Faulkneri proosas). Kahekümnenda sajandi realistlik kirjandus. Seda eristab selle sisu mitmekesisus ja keerukus ning suurenenud intelligentsus. Lisaks on apellatsioon müüdile (näiteks Christa Wolfi romaanid “Cassandra”, “Medea”); psüühika alateadlikesse sfääridesse; teadus, müstika; konventsionaalsete tehnikate, allegooriate, tähendamissõnade, sümboolika jne kasutamine. Kaasaegsed realistid püüavad uurida kõiki võimalusi inimese hing, kõik vastuolulised seisundid, milles inimene võib eksisteerida kaasaegne ühiskond. Kuid realistlik tekst mitte ainult ei näita neid seisundeid ja tegevusi, vaid teeb ka katse neid selgitada humanistliku, kasvatusliku eesmärgi nimel, edendada inimese arusaamist inimesest.

Peamised teemad realistlik kirjandus, sõltuvad esiteks ajastust, mida realistid püüavad objektiivselt kirjeldada, kuid mitte vähem olulised on " igavesed teemad", sest realistlikku kirjandust seostatakse didaktiliste eesmärkidega:

1. isiksus kui "kahekümnenda sajandi supermüüt"; 2. hingelise toe otsimine; 3.liikumine poolt Tsiviilõigus inimesed, eriti naised ja rahvusvähemused (Ameerikas – “neegrikirjandus”);

Žanrid: Ulme(Ray Bradbury ja teised); dokumentaalfilmi žanrid (Norman Mailer); intellektuaalne romaan (Saul Bellow); romaan-müüt (John Updike “Kentaur”), romaan-mõistusõna (William Faulkner “Tänusõna”, 1954), pereromantika(Herve Bazini romaanid).

Prantsusmaal - Herve Bazin, Robert Merle, Romain Gary.

Inglismaal - Graham Greene (ülekaaluga postmodernne esteetika).

Saksamaal - Heinrich Bell, Siegfried Lenz.

Ameerikas – William Faulkner, Ernest Hemingway.

Jaapanis - Kenzaburo Oe, Kobo Abe.

Neorealism. Pärast II maailmasõda ilmus neorealism. Neorealism on selle mõiste kitsaimas mõistmises 40-50ndate Itaalia kirjanduse ja kunsti liikumine. XX sajand Kriitilise realismi uus vorm, mis tekkis reaktsioonina fašistlikule ideoloogiale. M. Gorki mõju, 30. aastate Ameerika proosa. (Hemingway, Faulkner). “Neorealismi” keskmes on tavainimese saatus. Stiil ja keel – lihtsus, vaoshoitus, selgus. Ideed – soov sotsiaalse õigluse ja demokraatia järele.

Realism, nagu me teame, ilmus vene kirjandusse 19. sajandi esimesel poolel ja eksisteeris kogu sajandi jooksul oma kriitilise liikumise raames. 1890. aastatel end deklareerinud sümboolika oli aga esimene modernistlik liikumine vene kirjanduses - vastandas end teravalt realismile. Sümboolikat järgides tekkisid teised ebarealistlikud suundumused. See viis paratamatult selleni realismi kvalitatiivne transformatsioon kui reaalsuse kujutamise meetod.

Sümbolistid avaldasid arvamust, et realism libiseb ainult elu pinnalt ega suuda tungida asjade olemuseni. Nende positsioon ei olnud eksimatu, kuid sellest ajast sai see alguse vene kunstist modernismi ja realismi vastasseis ja vastastikune mõju.

Tähelepanuväärne on see, et modernistidel ja realistidel, kuigi väliselt püüdlesid piiritlemise poole, oli sisemiselt ühine soov sügava, olulise maailma tundmise järele. Seetõttu pole üllatav, et end realistiks pidanud sajandivahetuse kirjanikud mõistsid, kui kitsad on järjekindla realismi raamid, ning hakkasid valdama sünkreetilisi jutuvestmise vorme, mis võimaldasid neil ühendada realistliku objektiivsuse romantilisega. impressionistlikud ja sümbolistlikud põhimõtted.

Kui 19. sajandi realistid pöörasid suurt tähelepanu inimese sotsiaalne olemus, siis kahekümnenda sajandi realistid korreleerisid seda sotsiaalset olemust psühholoogilised, alateadlikud protsessid, mis väljendub mõistuse ja instinkti, intellekti ja tunde kokkupõrkes. Lihtsamalt öeldes osutas 20. sajandi alguse realism inimloomuse keerukusele, mis ei ole mingil juhul taandatav ainult tema sotsiaalsele olemasolule. Pole juhus, et Kuprinis, Buninis ja Gorkis on sündmuste plaan ja ümbritsev olukord vaevu välja toodud, kuid tegelase vaimset elu analüüsitakse põhjalikult. Autori pilk on alati suunatud kangelaste ruumilisest ja ajalisest eksistentsist kaugemale. Sellest ka rahvaluule, piibli-, kultuurimotiivide ja kujundite esilekerkimine, mis võimaldas avardada narratiivi piire ja meelitada lugejat ühisloomingule.

20. sajandi alguses realismi raames neli hoovused:

1) kriitiline realism jätkab 19. sajandi traditsioone ja paneb rõhku nähtuste sotsiaalsele olemusele (20. sajandi alguses olid need A. P. Tšehhovi ja L. N. Tolstoi tööd),

2) sotsialistlik realism - Ivan Gronski termin, mis tähistab reaalsuse kujutlust selle ajaloolises ja revolutsioonilises arengus, konfliktide analüüsi klassivõitluse kontekstis ja kangelaste tegevust inimkonna hüvangu kontekstis (M. Gorki "Ema"). ja seejärel enamik nõukogude kirjanike teoseid),

3) mütoloogiline realism võttis kuju tagasi antiikkirjandus 20. sajandil aga M.R. hakkas mõistma reaalsuse kujutamist ja mõistmist läbi tuntud mütoloogiliste süžeede prisma (in väliskirjandus särav näide toimib J. Joyce'i romaanina "Ulysses" ja 20. sajandi alguse vene kirjanduses L.N. lugu "Judas Iscariot". Andreeva)

4) naturalism hõlmab reaalsuse kujutamist äärmise usutavuse ja detailsusega, sageli inetult (A. I. Kuprini "Süvend", M. P. Artsbaševi "Sanin", V. V. Veresajevi "Arsti märkmed")

Loetletud vene realismi tunnused tekitasid selle üle arvukalt vaidlusi loominguline meetod kirjanikud, kes jäid truuks realistlikele traditsioonidele.

Kibe algab uusromantilise proosaga ja jõuab sotsiaalsete näidendite ja romaanide loomiseni, saades sotsialistliku realismi rajajaks.

Loomine Andreeva oli alati piiripealses seisus: modernistid pidasid teda "põlastusväärseks realistiks" ja realistide jaoks omakorda "kahtlaseks sümbolistiks". Samas on üldtunnustatud, et tema proosa on realistlik ja tema dramaturgia kaldub modernismi poole.

Zaitsev, näidates üles huvi hinge mikroseisundite vastu, lõi impressionistlikku proosat.

Kriitikute katsed määratleda kunstilist meetodit Bunina viis selleni, et kirjanik ise võrdles end tohutu hulga siltidega kaetud kohvriga.

Realismi kirjanike keeruline maailmapilt ja nende teoste mitmesuunaline poeetika andsid tunnistust realismi kvalitatiivsest transformatsioonist. kunstiline meetod. Tänu ühisele eesmärgile – kõrgeima tõe otsimisele – toimus 20. sajandi alguses kirjanduse ja filosoofia lähenemine, mis sai alguse Dostojevski ja L. Tolstoi loomingust.

19. TÄNAAEG VENE KIRJANDUSES. PEAMISED HOOLDUSED JA NENDE OMADUSED...

Modernism on ühtne kunstivool. Modernismi harudel: sümboolikal, akmeismil ja futurismil olid oma eripärad.

Venemaal tekkis sümboolika 90ndatel. 19. sajand ja selle algstaadiumis (K. D. Balmont, varakult V. Ya. Brjusov ja A. Dobroljubov ning hiljem B. Zaitsev, I. F. Annenski, Remizov) arendas välja dekadentliku impressionismi stiil, mis sarnanes prantsuse sümboolikaga.

1900. aastate vene sümbolistid. (V. Ivanov, A. Bely, A. A. Blok, aga ka D. S. Merežkovski, S. Solovjov jt), püüdes ületada pessimismi ja passiivsust, kuulutasid efektiivse kunsti loosungit, loovuse ülekaalu teadmiste üle.

Materiaalset maailma kujutavad sümbolistid maskina, millest kumab läbi teispoolsus. Dualism leiab väljenduse romaanide, draamade ja "sümfooniate" kahetasandilises kompositsioonis. Reaalsete nähtuste, argielu või konventsionaalse väljamõeldise maailma on kujutatud groteskselt, diskrediteeritult “transtsendentaalse iroonia” valguses. Olukorrad, kujundid, nende liikumine saavad kahekordse tähenduse: kujutatava ja mälestatava poolest.

Sümbol on tähenduste kimp, mis eri suundades lahknevad. Sümboli ülesanne on esitada vasteid.

Sümbolism loob ka oma sõnu – sümboleid. Esiteks kasutatakse selliste sümbolite jaoks kõrgeid poeetilisi sõnu, seejärel lihtsaid. Sümbolistid uskusid, et sümboli tähendust on võimatu ammendada.

Sümbolism väldib teema loogilist avalikustamist, pöördudes sensuaalsete vormide sümboolika poole, mille elemendid saavad erilise semantilise rikkuse. Loogiliselt väljendamatud “salajased” tähendused “kumavad läbi” materiaalsest kunstimaailmast. Sensoorseid elemente esitades eemaldub sümboolika samal ajal laialivalguvate ja eneseküllaste meelemuljete impressionistlikust mõtisklusest, mille kirjusse voogu sümboliseerimine toob sisse teatud terviklikkuse, ühtsuse ja järjepidevuse.

Sümbolistide ülesanne on näidata, et maailm on täis saladusi, mida pole võimalik avastada.

Sümbolismi lüürika on sageli dramatiseeritud või omandab eepilisi jooni, paljastades "üldtähenduslike" sümbolite struktuuri, mõtestades ümber antiik- ja kristliku mütoloogia kujundeid. Loomisel on religioosse poeemi žanr, sümboolselt tõlgendatud legend (S. Solovjov, D. S. Merežkovski). Luuletus kaotab oma intiimsuse ja muutub justkui jutluseks, ettekuulutuseks (V. Ivanov, A. Bely).

Uus modernistlik liikumine akmeism, ilmus vene luules 1910. aastatel. kontrastina äärmuslikule sümboolikale. Kreeka keelest tõlgituna tähendab sõna "akme" millegi kõrgeimat astet, õitsemist, küpsust. Akmeistid pooldasid piltide ja sõnade algse tähenduse tagasipöördumist, kunsti kunsti pärast, inimlike tunnete poetiseerimiseks. Müstikast keeldumine oli akmeistide põhijoon.

Sümbolistide jaoks on peamine rütm ja muusika, sõna kõla, akmeistidele aga vorm ja igavik, objektiivsus.

1912. aastal ühinesid poeedid S. Gorodetski, N. Gumiljov, O. Mandelštam, V. Narbut, A. Ahmatova, M. Zenkevitš ja mõned teised ringis “Luuletajate töötuba”.

Akmeismi rajajad olid N. Gumiljov ja S. Gorodetski. Akmeistid nimetasid oma tööd kunstilise tõe saavutamise kõrgeimaks punktiks. Nad ei eitanud sümboolikat, vaid olid selle vastu, et sümbolistid pöörasid nii palju tähelepanu salapärase ja tundmatu maailmale. Akmeistid juhtisid tähelepanu sellele, et tundmatut selle sõna tähenduse järgi ei saa teada. Siit ka akmeistide soov vabastada kirjandus neist hämarusest, mida sümbolistid viljelevad, ning taastada sellele selgus ja kättesaadavus. Akmeistid püüdsid kogu oma jõuga kirjandust elule, asjadele, inimesele, loodusele tagasi tuua. Nii pöördus Gumilev eksootiliste loomade ja looduse kirjelduse poole, Zenkevitš - maa ja inimese eelajaloolise elu, Narbut - igapäevaelu, Anna Ahmatova - põhjalike armastuskogemuste poole.

Iha looduse, “maa” järele viis akmeistid naturalistliku stiili, konkreetse kujundi ja objektiivse realismini, mis määras terve hulga kunstitehnikaid. Akmeistide luules on ülekaalus “rasked, kaalukad sõnad”, nimisõnade arv ületab oluliselt verbide arvu.

Olles selle reformi läbi viinud, leppisid akmeistid muidu sümbolistidega kokku, kuulutades end oma õpilasteks. Akmeistide teine ​​maailm jääb tõeks; ainult nad ei tee sellest oma luule keskpunkti, kuigi viimane pole mõnikord võõras müstilistele elementidele. Gumiljovi teosed “Kadunud tramm” ja “Mustlaste juures” on läbinisti müstikast läbi imbunud ning Ahmatova kogudes, nagu “Roosipärjas”, domineerivad armastus-religioossed kogemused.

Acmeistid naasid igapäevaseid stseene.

Akmeistid ei olnud sümbolismi suhtes sugugi revolutsionäärid ega pidanud end sellisteks kunagi; Oma peamiseks ülesandeks seadsid nad vaid vastuolude tasandamise ja muudatuste sisseviimise.

Selles osas, kus akmeistid mässasid sümbolismi müstika vastu, ei vastandanud nad viimast tegelikule päriselule. Olles hüljanud müstika kui loovuse peamise juhtmotiivi, hakkasid akmeistid asju kui selliseid fetišeerima, suutmata reaalsusele sünteetiliselt läheneda ega mõista selle dünaamikat. Akmeistide jaoks on asjadel tegelikkuses tähendus iseenesest, staatilises olekus. Nad imetlevad üksikuid eksistentsi objekte ja tajuvad neid sellistena, nagu nad on, ilma kriitikata, ilma püüdlusteta mõista neid suhetes, vaid vahetult, loomalikult.

Acmeismi põhiprintsiibid:

Sümbolistlike üleskutsete keeldumine ideaalsest, müstilisest udukogust;

maise maailma aktsepteerimine sellisena, nagu see on, kogu selle värvis ja mitmekesisuses;

Sõna algse tähenduse tagastamine;

Inimese kujutamine tema tõeliste tunnetega;

Maailma poetiseerimine;

Eelmiste ajastutega seotud assotsiatsioonide kaasamine luulesse.

Akmeism ei kestnud kuigi kaua, kuid andis suure panuse luule arengusse.

Futurism(tõlkes tulevik) on üks modernismi liikumisi, mis tekkisid 1910. aastatel. Kõige selgemalt on see esindatud Itaalia ja Venemaa kirjanduses. 20. veebruaril 1909 ilmus Pariisi ajalehes Le Figaro T. F. Marinetti artikkel “Futurismi manifest”. Marinetti kutsus oma manifestis loobuma mineviku vaimsetest ja kultuurilistest väärtustest ning looma uut kunsti. Futuristide põhiülesanne on tuvastada lõhe oleviku ja tuleviku vahel, hävitada kõik vana ja ehitada uus. Provokatsioonid olid osa nende elust. Nad olid kodanliku ühiskonna vastu.

Venemaal ilmus Marinetti artikkel 8. märtsil 1909 ja see tähistas tema enda futurismi arengu algust. Vene kirjanduse uue suuna rajajad olid vennad D. ja N. Burliuk, M. Larionov, N. Gontšarova, A. Ekster, N. Kulbin. 1910. aastal ilmus kogumikus “Impressionistlik stuudio” V. Hlebnikovi üks esimesi futuristlikke luuletusi “Naeruloits”. Samal aastal ilmus futuristlike poeetide kogumik “Kohtunike tank”. See sisaldas D. Burliuki, N. Burliuki, E. Guro, V. Hlebnikovi, V. Kamenski luuletusi.

Futuristid kogevad keele ja grammatika deformatsiooni. Sõnad kuhjuvad üksteise otsa, tormades edasi andma autori hetkelisi tundeid, nii et teos näeb välja nagu telegraafitekst. Futuristid loobusid süntaksist ja stroofidest ning tulid välja uute sõnadega, mis nende arvates paremini ja täielikumalt peegeldasid tegelikkust.

Futuristid omistasid kogumiku näiliselt mõttetule pealkirjale erilist tähendust. Nende jaoks sümboliseeris akvaarium puuri, kuhu luuletajad aeti, ja nad nimetasid end kohtunikeks.

1910. aastal ühinesid kuubofuturistid rühmaks. Sinna kuulusid vennad Burliukid V. Hlebnikov, V. Majakovski, E. Guro, A. E. Krutšenõhh. Kuubo-futuristid kaitsesid sõna kui sellist: "sõna on tähendusest kõrgem", "sõnaline sõna". Kuubofuturistid hävitasid vene keele grammatika, asendades fraasid helikombinatsioonidega. Nad uskusid, et mida rohkem häireid lauses, seda parem.

1911. aastal kuulutas I. Severjanin end ühena esimestest Venemaal egofuturistiks. Ta lisas sõna "ego" terminile "futurism". Egofuturismi võib sõna-sõnalt tõlkida kui "mina olen tulevik". I. Severjanini ümber koondus egofuturismi järgijate ring, kes kuulutasid end 1912. aasta jaanuaris "Ego Luule Akadeemiaks". Egofuturistid on oma sõnavara rikastanud suure hulga võõrsõnade ja uusmoodustustega.

1912. aastal ühinesid futuristid kirjastuse “Petersburg Herald” ümber. Rühma kuulusid: D. Krjutškov, I. Severjanin, K. Olimpov, P. Širokov, R. Ivnev, V. Gnedov, V. Šeršenevitš.

Venemaal nimetasid futuristid end tuleviku luuletajateks budetljalasteks. Dünaamilisusest haaratud futuristid ei olnud enam rahul eelmise ajastu süntaksi ja sõnavaraga, mil polnud autosid, telefone, fonograafe, kinosid, lennukeid, elektriraudteid, pilvelõhkujaid ega metrood. Uue maailmatunnetusega poeedil on juhtmevaba kujutlusvõime. Luuletaja paneb sõnade kuhjumisse põgusaid aistinguid.

Futuristid suhtusid poliitikasse kirglikult.

Kõik need suunad uuendavad radikaalselt keelt, tunnet, et vana kirjandus ei suuda väljendada modernsuse vaimu.

Juugendstiil on sellise ülemaailmse kunstisuuna nagu modernism kunstis üks varajasi suundi. Tänu modernismile väljus kunstnik traditsioonilisest realismist, avastades midagi põhimõtteliselt uut. Meie kaasaegne kultuur võlgneb palju sellisele kontseptsioonile nagu modernism aastal kaunid kunstid. Juugendajastu kunstnikud, ma ei karda seda sõna, on enamasti geeniused ja väärivad õigusega oma kohta ajaloos. Aga kõigepealt asjad kõigepealt...

Juugendstiil tekkis kunstis 19. sajandi lõpus: siis püüdsid kunstnikud erinevate, kuid üldtunnustatud suundumuste põhjal luua midagi originaalset, anda oma teostele konventsionaalsust ja abstraktsust. Siiski väärib mainimist, et mõiste "kaasaegne" (prantsuse modern - uus) on omane ainult vene kultuurile, kuna XIX sajandi lõpus oli Venemaal kunstis oma modernsus. Prantsusmaal nimetati seda stiili juugendiks, Saksamaal ja Skandinaavias juugendiks. Modernismi põhimõtted põhinevad ideel eelmiste ajastute kunsti võimetusest võidelda vabaduse, ebainimlikkuse, sotsiaalse ebaõigluse ja suutmatusega seda kõike tabada. Modernismi põhijooned seisnevad selles, et kunstnik suunab oma subjektiivset tahet vastu võidelda julm reaalsus, kustutades seeläbi varasemate ideaalide piirid.

Modernism kujutavas kunstis on kultuurikiht, mis hõlmab paljusid mõisteid, nagu impressionism, ekspressionism, kubism, futurism. Ja ka mõned hilisemad liikumised: sürrealism, dadaism ja nii edasi. Sellel alal töötasid sellised kuulsad juugendajastu kunstnikud nagu Alphonse Mucha, Paul Gauguin, Edvard Munch jt. Kõik need on ilusad kuulsad inimesed ei ole lihtsalt seotud kujutava kunsti modernsuse mõistega, vaid on juba selle sünonüümid.

Siin tuleks pöörduda otse Prantsusmaal ülemaailmset kuulsust kogunud sünnilt tšehhi Alphonse Mucha loomingu poole. Niinimetatud "Mukha stiil", mis on võrdsustatud ametliku nimega juugend, oli eeskujuks tervele disainerite põlvkonnale.

Plakatite keskele asetas Mucha idealiseeritud naisepildi: siledad jooned, lähedus loomulikele vormidele, teravate nurkade tagasilükkamine – need juugendstiilile iseloomulikud märgid jätsid adressaatide teadvusesse kustumatu mulje. Naisekujutist ennast kasutati siis esimest korda reklaamieesmärkidel, kuid ajalugu on näidanud, kui edukaks see kogemus on kujunenud ja seda kasutavad tänapäevani reklaamitööstuse juhtivate riikide, näiteks Ameerika Ühendriikide spetsialistid. Küll aga tuleb austust avaldada Muchale: tema teostest on raske leida vähimatki magususe vihjet, mida ei saa öelda tema tänapäevaste analoogide kohta. Võib-olla mängis siin rolli esteetika Tšehhi kunstnik kujunes keskaegsete teemade mõjul ja Keldi mütoloogia. See tõi ühelt poolt tema loomingusse mitmekesist sümboolikat ja teisalt aitas kaasa paljude plakatite ornamentaalsele keerukusele. Mucha teoste tausta arvestamise korraldamiseks on vaja kasutusele võtta tingimuslik klassifikatsioon:

Lillemotiivid

Ornament

Ornament kasutades müütilisi olendeid

Mütoloogiline sümboolika

Ida kultuurist laenatud lillemotiivid said paljude kunstnike jaoks juugendajastu maalide lahutamatuks atribuudiks: hõljuvad varred ja kahvatud kroonlehed vastasid täielikult juugendstiili kontseptsioonile, mitte ainult oma vormide, vaid ka värvide kombinatsiooniga. mida polnud varem kombineeritud. Mukha teostes võib sellele leida selge kinnituse: pastelsed värvid, eksootilised piirjooned, mis justkui kordaksid esiplaanil asuva kauni daami kujundit oma ebareaalse lennuga. pikad juuksed, riietatud heledatesse riietesse, mis sarnaneb Kreeka tuunikatega - kõik see lõi ainulaadse harmoonia ja ühtsuse tänu elementide läbitungimisele naise figuur ja taust.

Ornamendi käsitlemise juurde liikudes tuleb märkida, et Mucha töödes on kõige sagedamini kasutatav geomeetriline kujund ring kui lõputu korduse, ringluse ja ka naiseliku printsiibi sümbol. Isegi kauni daami kujutise taga olevad reklaamsildid asusid sujuvalt kontuuritud tähtedega poolkaares.

Teine motiiv on sümboolne kujutis hobuserauast suurendatud kujul, mille sees on maalitud ornament. Siin peitub taas viide paganlikule maailmapildile, rääkimata müütilisi olendeid kasutavatest taustapiltidest. Mucha loominguline kontseptsioon peegeldus tema loodud maalide ja plakatite igas detailis: emotsionaalselt teostatud figuur, täis jõudu, haarav. enamus ruum, oleks viimistlemata ilma vastava taustata, ühendades kujutava ja tarbekunsti tunnused. Mucha otsis teadlikult kompromissi Bütsantsi ja Ida printsiipide, modernsuse ja rikkalike mütoloogiliste teemade vahel, muutis peened naisteportreed massikunstiteosteks ja see õnnestus: igapäevaelu võttis juba uusi vorme.

20. KUJANDUS MEHEST TERVAL AJALOOLISTEL PÖÖRJEL ROmaanis "VAIKNE FON"

M. Šolohhovi “Vaikne Don” on eepiline romaan, mis paljastab inimeste saatuse Esimese maailmasõja ja kodusõja ajal. Vene tegelikkus on andnud autori käsutusse seda laadi konfliktid, mida inimkond pole veel tundnud. Vana maailma hävitas täielikult revolutsioon, see asendatakse tuleb uus sotsiaalne süsteem. Kõik see viis kvalitatiivselt uue lahenduseni sellistele “igavestele” küsimustele nagu inimene ja ajalugu, sõda ja rahu, isiksus ja inimesed. Viimane probleem on selle töö puhul eriti aktuaalne.

“Vaikne Don” on romaan inimeste saatusest pöördelisel hetkel. M. Šolohhov väljendas ausalt oma vaadet revolutsioonile mitte ühelt poolt, nagu enamikus tolleaegsetes raamatutes, vaid mõlemast küljest: tragöödia kibedus, kogu rahva mõtted ja tunded, inimkonnale universaalsed. Peategelaste dramaatilised saatused, romaani peategelase Grigori Melehhovi saatuse julmad õppetunnid, aga ka Aksinja ja Natalja moodustavad M. Šolohhovi rahva elutõe ühtsuse ajaloolisel pöördepunktil.

Tegevus areneb romaanis kahel tasandil – ajalooline ja igapäevane, isiklik. Kuid need mõlemad plaanid on antud lahutamatus ühtsuses. Melehhovi nooruspõlve patriarhaalse idülli hävitab isiklikul tasandil - armastus Aksinja vastu, sotsiaalsel tasandil - Gregoriuse kokkupõrge ajaloolise tegelikkuse julmade vastuoludega. Orgaaniline on ka romaani lõpp. Isiklikus mõttes on see Aksinya surm. Sotsiaalajaloolises mõttes on see valge kasakate liikumise lüüasaamine ja lõplik triumf Nõukogude võim Doni ääres.

Romaani keskmes on traagiline tegelane - Grigori Melehhov. Ta isikustab rahva tragöödiat: see on nende tragöödia, kes ei mõistnud revolutsiooni tähendust ja olid sellele vastu, ja nende tragöödia, kes alistusid pettusele, paljude 1919. aasta Vešenski ülestõusu kaasatud kasakate tragöödia, revolutsiooni kaitsjad suremas rahva asja eest.

Grigori Melekhov on andekas rahva poeg. Esiteks on ta aus mees – ka oma vigades. Ta ei otsinud kunagi oma kasu ega allunud kasumi ja karjääri kiusatusele. Eksides valas Grigori Melehhov palju verd. Tema süü on vaieldamatu. Ta ise on sellest teadlik.

Kuid Grigori Melehhovile ei saa üheselt läheneda. On võimatu mitte märgata, et ta on endasse võtnud terve rea rahvatraditsioonid: siin on sõjaväe aukoodeks ja intensiivne talupojatöö ning rahvalikes mängudes ja pidustustes julgemine ning rikkaliku kasakate folklooriga tutvumine. Põlvkonnast põlve kasvatatud julgus ja vaprus, õilsus ja suuremeelsus lüüasaamise vastu, põlgus arguse vastu ja argus määrasid Grigori Melekhovi käitumise kõigis eluoludes.

Romaanis on Iljinitšna ja Natalja rahvamoraali ja murdumatute elupõhimõtete kehastus. Iljinitšna on perekonna eluviisi hoidja. Ta lohutab oma lapsi, kui nad tunnevad end halvasti, kuid mõistab nende üle ka karmi kohut, kui nad panevad toime ülekohtuseid tegusid. Natalja kannatab Grigori vastumeelsuse all ja tema kannatusi iseloomustab kõrge moraalne puhtus.

Romaan "Vaikne Don" näitab suurimat sotsiaalset muutust

rahva saatuses. Raamatus pole kujutatud mitte ainult kasakate kui klassi surma. M. Šolohhovi suurus seisneb selles, et ta jälgib kogu rahva elu, rahvuslikku saatust. Kaks ideede ja uskumuste maailma põrkasid kokku ning tekkisid järsud ajaloolised murdejooned. M. Šolohhovi kangelased ühendavad ajastu põhimõttelisi vastuolusid ja kehastavad rahvuslikke vaimseid omadusi. See on Šolohhovi realismi tugevus.

"Vaikset Doni" nimetatakse eepiliseks tragöödiaks. Ja mitte ainult sellepärast, et keskmesse on asetatud traagiline tegelane - Grigori Melehhov, vaid ka sellepärast, et romaani läbivad algusest lõpuni traagilised motiivid. See on tragöödia nii neile, kes ei mõistnud revolutsiooni mõtet ja olid sellele vastu, kui ka neile, kes pettusele allusid. See on paljude 1919. aasta Vešenski ülestõusu kaasatud kasakate tragöödia, rahva nimel surevate revolutsioonikaitsjate tragöödia. Inimesed, nende minevik, olevik ja tulevik, nende õnn - see on kirjaniku mõtete põhiteema.

“Melehovski õu on talukoha ääres” - nii algab eepiline romaan ja kogu narratiivi vältel räägib Šolohhov meile oma elanikest. Melehhovide hoovi läbib kaitseliin, selle hõivavad kas punased või valged, kuid isamaja jääb igaveseks paigaks, kus elavad kõige lähedasemad inimesed, kes on alati valmis vastu võtma ja soojad. Nende elu ilmub eepose lehekülgedelt vastuolude, atraktsioonide ja võitluste põimumises. Võiks öelda, et kogu pere sattus suurte ajaloosündmuste ja veriste kokkupõrgete ristteele.

Revolutsioon ja kodusõda toovad Melehhovide väljakujunenud perekonda ja igapäevaellu drastilisi muutusi: hävivad tavapärased peresidemed, sünnib uus moraal ja moraal. "Vaikse Doni" autoril, nagu mitte kellelgi teisel, õnnestus paljastada sisemaailm rahvamees, et taasluua revolutsioonilise purunemise ajastu vene rahvuslik iseloom. Kõigepealt kohtume perepeaga - Pantelei Prokofjevitšiga. “Pantelei Prokofjevitš hakkas libisevate aastate nõlva allapoole muutuma raskeks: ta laius laiali, oli veidi kummardunud, kuid nägi välja nagu hea kehaehitusega vanamees.

Ta oli luukuiv, lonkav (nooruses murdis ta keiserlikul hobuste võiduajamise näitusel jala), kandis vasakus kõrvas hõbedast poolkuukujulist kõrvarõngast, rongahabe ja juuksed ei tuhmunud vanadusse ning vihas ta jõudis teadvuse kaotuseni...” Pantelei Prokofjevitš seisab valvamas vanu kasakate vundamente, ilmutades kohati karmi iseloomu jooni, kes ei talu sõnakuulmatust, kuid samas on ta hingelt lahke ja tundlik. Ta teab, kuidas majapidamist tõhusalt juhtida, töötab varavalgest hilisõhtuni. Tema ja veelgi enam tema poeg Gregory peegeldub oma vanaisa Prokofy üllast ja uhkest olemusest, kes kunagi vaidlustas Tatarski talu patriarhaalsed komme. Vaatamata perekonnasisesele lõhenemisele püüab Pantelei Prokofjevitš ühendada vana eluviisi tükid üheks tervikuks, kasvõi ainult oma lastelaste ja laste huvides. Ja see, et ta sureb väljaspool kodu, mida ta armastas üle kõige maailmas, on tragöödia mehest, kellelt aeg on võtnud ära kõige kallima – pere ja peavarju.

Isa andis sama kõikehõlmava armastuse kodu vastu edasi ka poegadele. «Tema vanim, juba abielus poeg Petro sarnanes oma emaga: suur, ninaga, metsikute nisuvärvi juustega, pruunide silmadega ja noorim, Grigory, nägi välja nagu isa: Peterist pool pead pikem, vähemalt kuus aastat noorem, samasugune kui isa, rippuv tuulelohe nina, sinised mandlid kuumade silmadega kergelt kaldus piludes, teravad põsesarnad, mis on kaetud pruuni, punaka nahaga. Grigory lonkas samamoodi nagu ta isa, isegi nende naeratuses oli neil mõlemal midagi ühist, veidi metsloomalik.

Suure osavusega kujutas M. Šolohhov Grigori Melehhovi keerulist karakterit. Ta on andekas rahvapoeg, siiras inimene, isegi oma pettekujutelmades. Ta ei otsinud kunagi oma kasu ega allunud kasumi ja karjääri kiusatusele. Ekslikult valas Gregory palju verd nendelt, kes väitsid uus elu maa peal on Tema süü vaieldamatu. Ta ise on sellest teadlik. Teda ei saa aga üheselt hinnata: vaenlane ja ei midagi enamat. Erilise arusaamaga näitas Šolohhov peategelase rasket teed. Eepose alguses on ta kaheksateistkümneaastane kutt – rõõmsameelne, tugev, nägus. Gregory on erakordselt terviklik, puhas olemus. Siin on kasakate aukoodeks, intensiivne talupojatöö, rahvamängudes ja pidustustes julgemine ning rikkaliku kasakate folklooriga tutvumine ja esimese armastuse tunne. Põlvkonnast põlve kasvatatud julgus ja vaprus, õilsus ja suuremeelsus lüüasaamise vastu, põlgus arguse vastu ja argus määrasid Gregory käitumise kõigis eluoludes. Revolutsiooniliste sündmuste segastel päevadel teeb ta palju vigu. Kuid tõe otsimise teel ei suuda kasakas mõnikord mõista revolutsiooni raudset loogikat, selle sisemisi seadusi. Grigori Melehhov on uhke, vabadust armastav inimene ja samal ajal tõde otsiv filosoof. Tema jaoks peab revolutsiooni suurust ja paratamatust paljastama ja tõestama kogu järgnev elukäik. Melehhov unistab elusüsteemist, kus inimest premeeritakse tema intelligentsuse, töö ja ande mõõdu järgi.

Mulle jäid romaanis enim silma naistegelased: Iljinitšna, Aksinja ja Natalja. Need naised on täiesti erinevad, kuid neid ühendab ülev moraalne ilu. Vana Iljinitšna pilt romaanis on täis võlu, kehastades kasakate naise rasket osa ja tema kõrgeid moraalseid omadusi. Pantelei Melehhovi naine Vasilisa Iljinitšna on ülem-Doni piirkonna põline kasaka naine. Elu abikaasaga polnud magus: mõnikord lõi ta ägedal olles teda rängalt; naine vananes varakult, võttis kaalus juurde, põdes haigusi, kuid jäi hoolivaks, energiliseks koduperenaiseks. Lugejat köidab Natalja, kõrge moraalse puhtuse ja tundega naise kuvand: "tema silmad särasid säravast, värisevast soojusest." Tugev iseloom, talus ta kaua armastamata naise positsiooni ja lootis siiski paremat elu. Kuid ta suudab otsustavalt enda ja oma laste eest seista ning jõuliselt kuulutada oma õigust helgele, tõelisele elule. Ta neab ja armastab Gregoryt lõputult. Tema elu viimastel päevadel enneolematu sügavusega, vaimujõu ja kütkestavusega moraalne puhtus see kangelanna. Tema õnn saabus talle. Perekond taastati ning tänu Natalja askeesile valitses selles harmoonia ja armastus. Ta sünnitas kaksikud: poja ja tütre. Natalja osutus sama armastavaks, pühendunud ja hoolivaks emaks kui naine. See kaunis naine on tugeva, kauni, ennastsalgavalt armastava looduse dramaatilise saatuse kehastus, kes võib kõrge tunde nimel ohverdada kõik, isegi elu.

Aksinya armastus Gregory vastu romaani lehekülgedel piirneb vägiteoga. Ja kuigi meie ees on lihtne poolkirjaoskaja kasakanaine, ei saa me unustada, kui ilus on selle raske saatusega naise sisemaailm.

Šolohhovi eepose kangelased sisenesid meie ellu kui tõelised inimesed, elage koos meiega ja meie keskel. Paraku läks Melehhovi perekond siiski laiali, kuid selle liikmed suutsid luua kolde, kus alati kumab armastuse, soojuse ja üksteisemõistmise leek, mis ei kustu kunagi.

Šolohhovi jaoks on inimene meie planeedi kõige väärtuslikum asi ja kõige tähtsam, mis aitab inimese hinge kujundada, on ennekõike tema perekond, maja, kus ta sündis, kasvas, kus ta alati olema on. oodatud ja armastatud ning kuhu ta kindlasti läheb, naaseb. Kaks ideede ja uskumuste maailma põrkasid kokku ning tekkisid järsud ajaloolised murdejooned. Eepose kangelased on kaasaegsed ja ajastu pöördepunktides osalejad, kellest igaüks seisis silmitsi vajadusega määrata kindlaks oma koht uues elus, leida oma tõde. Melehhovi perekonna näitel “Vaikses Donis” on näidatud suurim ühiskondlik pöördepunkt kogu rahva saatuses, kogu rahva elus.

21. KUJANDUS KASAKKEST ŠOLOKHOVI ROmaanis “VAIKNE FON”

Eepiline romaan M.A. Šolohhovi "Vaikset Doni" peetakse õigustatult tema kõige olulisemaks ja tõsisemaks teoseks. Autoril õnnestus elu ja igapäevaelu üllatavalt hästi edasi anda Doni kasakad, selle vaimu ja seostavad selle kõik konkreetsete ajalooliste sündmustega. Eepos jäädvustab mitmeid suuri murranguid Venemaal. Romaanis kirjeldatud vapustused mõjutasid suuresti Doni kasakate saatust. Nad ei oleks saanud selgemalt määratleda kasakate elu sellel keerulisel ajaloolisel perioodil, mida Šolohhov romaanis kajastas, Igavesed väärtused. Armastama kodumaa, austus vanema põlvkonna vastu, armastus naiste vastu, vajadus vabaduse järele – need on põhiväärtused, ilma milleta vaba kasakas end ette ei kujuta.

Kasakad on ühtaegu sõdalased ja viljakasvatajad. Need kaks mõistet määratlevad kasakate elu. Peab ütlema, et ajalooliselt arenesid kasakad välja Venemaa piiridel, kus vaenlaste rüüsteretked olid sagedased, mistõttu olid kasakad sunnitud haarama relvad oma maa kaitseks, mis oli eriti viljakas ja tasus sellesse investeeritud tööjõu sajakordselt. Hiljem, juba Vene tsaari võimu all, eksisteerisid kasakad privilegeeritud sõjaväeklassina, mis määras suuresti iidsete kommete ja traditsioonide säilimise kasakate seas. Šolohhov näitab, et kasakad on väga traditsioonilised. Näiteks harjuvad kasakad juba varakult hobusega, mis pole neile lihtsalt tööriist, vaid ustav sõber lahingus ja seltsimees (puudutab punaste poolt ära viidud Voronoki järel nutva kangelase Christoni kirjeldus süda). Neid kõiki kasvatatakse austusega oma vanemate vastu ja neile vaieldamatult alistudes (Pantelei Prokofjevitš võis Grigorit karistada ka siis, kui viimase alluvuses oli sadu ja tuhandeid inimesi). Kasakasid juhib ataman, kelle valib sõjaväeline kasakate ring, kuhu suundub Šolohhovi Pantelei Prokofjevitš.

M. A. Šolohhovi romaan “Vaikne Don” on pühendatud Doni maal puhkenud kodusõja teemale. Siin leidsid nad sügava ja tervikliku peegelduse kasakate ainulaadsest eluviisist ning nende traditsioonidest, kultuurist, eluviisist, keelest ja ainulaadsest Doni loodusest. Romaan on asustatud paljude kangelastega, täis sündmusi ühiskondlik-poliitilises elus ja pilte rahumeelsest tööst. Eeposes on kujutatud kasakate ajalugu tormilisel kümnendil aastatel 1912–1922. Romaani alguses on kujutatud kasakate küla elu ja kombeid Esimese maailmasõja eelõhtul, tuues lugejad kangelaste intiimsete, isiklike probleemide maailma. Romaanile eelnevad kaks epigraafi paljastavad autori ideoloogilist ja kunstilist kavatsust. Vanad sõnad Kasakate laul eelnema loole verised lahingud, Tatarski talu elanike klasside piiritlemisest, kangelaste intensiivsest otsimisest oma koha tormilises revolutsioonilises reaalsuses, nende kustutamatust külgetõmbest lihtsa inimliku õnne vastu, rahumeelse talupojatöö vastu märg-hoidjamaal.

Kunstnik Šolohhov alistas poliitiku Šolohhovi, näidates kasakaid revolutsioonis. See, mida nõukogude kirjanduskriitikud pidasid romaani ideoloogiliseks nõrkuseks, osutus selle teoks kõrgeim saavutus. Romaanis kajastatud elu osutus palju keerulisemaks, segasemaks ja vastuolulisemaks. Tema palett ei piirdunud sugugi kahe värviga – punase ja valgega. Ja romaani säravaim, tugevaim ja atraktiivseim kangelane - "vastutustundetu" keskmine talupoeg Grigori Melekhov - tunneb ja mõistab seda tõde sügavalt, kuid kõige raskemates tingimustes ei leia ta moraalsest ummikseisust väljapääsu. See teebki temast traagiliselt keerulise inimese. Tema pilt läks ajalukku vene kirjandus nagu Puškini Onegin, Lermontovi Petšorin, Turgenevi Bazarov, sest ta ühendas 20. sajandi alguse sõdade ja murrangute aastatel Doni kasakate parimad tüüpilised omadused. Tema saatus peegeldas tohutute revolutsiooniliste elementide tabatud miljonite tragöödiat. Grigori Melehhov teenib kas punaseid või valgeid. Niisiis võitles ta 1918. aasta jaanuari lõpus Punase kaardiväe ridades Kaledini vastu ja seejärel kuus kuud punaste vastu kindral Krasnovile alluva Suure Doni armee koosseisus ja lõpus. talvel 1920/21 läks ta Fomini kamba juurde.

…minu jaoks on kujutlusvõime alati olnudolemasolust kõrgemal ja tugevaim armastusKogesin seda unes.
L.N. Andrejev

Realism, nagu me teame, ilmus vene kirjandusse 19. sajandi esimesel poolel ja eksisteeris kogu sajandi jooksul oma kriitilise liikumise raames. 1890. aastatel endast tuntuks saanud sümbolism – esimene modernistlik liikumine vene kirjanduses – vastandas end aga teravalt realismile. Sümboolikat järgides tekkisid teised ebarealistlikud suundumused. See viis paratamatult selleni realismi kvalitatiivne transformatsioon kui reaalsuse kujutamise meetod.

Sümbolistid avaldasid arvamust, et realism libiseb ainult elu pinnalt ega suuda tungida asjade olemuseni. Nende positsioon ei olnud eksimatu, kuid sellest ajast sai see alguse vene kunstist modernismi ja realismi vastasseis ja vastastikune mõju.

Tähelepanuväärne on see, et modernistidel ja realistidel, kuigi väliselt püüdlesid piiritlemise poole, oli sisemiselt ühine soov sügava, olulise maailma tundmise järele. Seetõttu pole üllatav, et end realistiks pidanud sajandivahetuse kirjanikud mõistsid, kui kitsad on järjekindla realismi raamid, ning hakkasid valdama sünkreetilisi jutuvestmise vorme, mis võimaldasid neil ühendada realistliku objektiivsuse romantilisega. impressionistlikud ja sümbolistlikud põhimõtted.

Kui 19. sajandi realistid pöörasid suurt tähelepanu inimese sotsiaalne olemus, siis kahekümnenda sajandi realistid korreleerisid seda sotsiaalset olemust psühholoogilised, alateadlikud protsessid, mis väljendub mõistuse ja instinkti, intellekti ja tunde kokkupõrkes. Lihtsamalt öeldes osutas 20. sajandi alguse realism inimloomuse keerukusele, mis ei ole mingil juhul taandatav ainult tema sotsiaalsele olemasolule. Pole juhus, et Kuprinis, Buninis ja Gorkis on sündmuste plaan ja ümbritsev olukord vaevu välja toodud, kuid tegelase vaimset elu analüüsitakse põhjalikult. Autori pilk on alati suunatud kangelaste ruumilisest ja ajalisest eksistentsist kaugemale. Sellest ka rahvaluule, piibli-, kultuurimotiivide ja kujundite esilekerkimine, mis võimaldas avardada narratiivi piire ja meelitada lugejat ühisloomingule.

20. sajandi alguses realismi raames neli hoovused:

1) kriitiline realism jätkab 19. sajandi traditsioone ja paneb rõhku nähtuste sotsiaalsele olemusele (20. sajandi alguses olid need A. P. Tšehhovi ja L. N. Tolstoi tööd),

2) sotsialistlik realism - Ivan Gronski termin, mis tähistab reaalsuse kujutlust selle ajaloolises ja revolutsioonilises arengus, konfliktide analüüsi klassivõitluse kontekstis ja kangelaste tegevust inimkonna hüvangu kontekstis (M. Gorki "Ema"). ja seejärel enamik nõukogude kirjanike teoseid),

3) mütoloogiline realism võttis kuju antiikkirjanduses, kuid 20. sajandil M.R. hakkas mõistma reaalse reaalsuse kujutamist ja mõistmist tuntud mütoloogiliste süžeede prisma kaudu (väliskirjanduses on markantne näide J. Joyce'i romaan "Ulysses" ja 20. sajandi alguse vene kirjanduses - lugu). L.N. Andrejevi “Judas Iskariot”

4) naturalism hõlmab reaalsuse kujutamist äärmise usutavuse ja detailsusega, sageli inetult (A. I. Kuprini "Süvend", M. P. Artsbaševi "Sanin", V. V. Veresajevi "Arsti märkmed")

Vene realismi loetletud jooned tekitasid arvukalt vaidlusi realistlikele traditsioonidele truuks jäänud kirjanike loomemeetodi üle.

Kibe algab uusromantilise proosaga ja jõuab sotsiaalsete näidendite ja romaanide loomiseni, saades sotsialistliku realismi rajajaks.

Loomine Andreeva oli alati piiripealses seisus: modernistid pidasid teda "põlastusväärseks realistiks" ja realistide jaoks omakorda "kahtlaseks sümbolistiks". Samas on üldtunnustatud, et tema proosa on realistlik ja tema dramaturgia kaldub modernismi poole.

Zaitsev, näidates üles huvi hinge mikroseisundite vastu, lõi impressionistlikku proosat.

Kriitikute katsed määratleda kunstilist meetodit Bunina viis selleni, et kirjanik ise võrdles end tohutu hulga siltidega kaetud kohvriga.

Realismi kui kunstilise meetodi kvalitatiivsest transformatsioonist andis tunnistust realistlike kirjanike keeruline maailmavaade ja teoste mitmesuunaline poeetika. Tänu ühisele eesmärgile – kõrgeima tõe otsimisele – toimus 20. sajandi alguses kirjanduse ja filosoofia lähenemine, mis sai alguse Dostojevski ja L. Tolstoi loomingust.

Realism (ladina "realis" - reaalne, materjal) on kunstisuund, mis tekkis 18. sajandi lõpus, saavutas haripunkti 19. sajandil, areneb edasi 20. sajandi alguses ja eksisteerib siiani. Selle eesmärk on ümbritseva maailma objektide ja objektide tõeline ja objektiivne reprodutseerimine, säilitades samal ajal nende tüüpilised omadused ja omadused. Pooleli ajalooline areng kogu kunstist üldiselt omandas realism spetsiifilised vormid ja meetodid, mille tulemusena eristatakse kolme etappi: hariduslik (valgustusajastu, 18. sajandi lõpp), kriitiline (19. sajand) ja sotsialistlik realism (20. sajandi algus).

Mõistet "realism" kasutas esmakordselt prantsuse kirjanduskriitik Jules Jeanfleury, kes oma raamatus "Realism" (1857) tõlgendas seda mõistet kui kunsti, mis on loodud selliste liikumiste vastu nagu romantism ja akadeemilisus. See toimis vastusena idealiseerimisele, mis on omane romantismile ja klassikalistele akadeemilisuse põhimõtetele. Omades teravat sotsiaalset orientatsiooni, nimetati seda kriitiliseks. See suund peegeldas ägedat sotsiaalsed probleemid, andis hinnangu erinevatele nähtustele tolleaegses ühiskonnaelus. Selle juhtivad põhimõtted seisnesid elu oluliste aspektide objektiivses peegelduses, mis sisaldas samal ajal autori ideaalide kõrgust ja tõepärasust, iseloomulike olukordade ja tüüpiliste tegelaste reprodutseerimisel, säilitades samal ajal nende kunstilise individuaalsuse täiuse.

(Boriss Kustodiev "D.F. Bogoslovski portree")

Kahekümnenda sajandi alguse realism oli suunatud uute seoste otsimisele inimese ja teda ümbritseva reaalsuse vahel, uusi loomingulisi viise ja meetodeid, originaalseid vahendeid. kunstiline väljendus. Sageli ei väljendunud see puhtal kujul, seda iseloomustab tihe seos selliste kahekümnenda sajandi kunsti liikumistega nagu sümbolism, religioosne müstika ja modernism.

Realism maalikunstis

Välimus see suund seostub prantsuse maalikunstis eelkõige kunstnik Gustave Courbier’ nimega. Pärast seda, kui mitmed autori jaoks eriti olulised maalid jäeti Pariisi maailmanäitusel eksponaatidest kõrvale, avas ta 1855. aastal oma “Realismi paviljoni”. Kunstniku deklaratsioon kuulutas maalikunsti uue suuna põhimõtteid, mille eesmärk oli luua elavat kunsti, mis annab edasi tema kaasaegsete moraali, kombeid, ideid ja välimust. “Courieri realism” tekitas koheselt terava reaktsiooni ühiskonnas ja kriitikas, kes väitsid, et ta “realismi taha varjudes laimab loodust”, nimetas teda maalikunsti käsitööliseks, tegi temast teatris paroodiaid ja halvustas teda igal võimalikul viisil.

(Gustave Courbier "Autoportree musta koeraga")

Realistlik kunst põhineb oma erilisel vaatel ümbritsevast reaalsusest, mis kritiseerib ja analüüsib paljusid ühiskonnaelu aspekte. Sellest ka nimi realism XIX sajandil “kriitiline”, sest ta kritiseeris ennekõike julma ekspluateeriva süsteemi ebainimlikku olemust, näitas solvunud lihtrahva räiget vaesust ja kannatusi, võimulolijate ebaõiglust ja kõikelubavust. Olemasoleva kodanliku ühiskonna alustalasid kritiseerides olid realistlikud kunstnikud õilsad humanistid, kes uskusid headusesse, ülimuslikku õiglust, universaalset võrdsust ja kõigi eranditult õnne. Hiljem (1870) jaguneb realism kaheks haruks: naturalismiks ja impressionismiks.

(Julien Dupre "Tagasitulek põldudelt")

Realismi stiilis lõuendid maalinud kunstnike põhiteemad olid linna- ja maaelu žanristseenid tavalised inimesed(talupojad, töölised), tänavasündmuste ja vahejuhtumite stseenid, tänavakohvikute, restoranide ja ööklubide püsikülastajate portreed. Realistlike kunstnike jaoks oli oluline anda edasi eluhetki selle dünaamikas, rõhutada võimalikult usutavalt näitlejategelaste individuaalseid omadusi, näidata realistlikult nende tundeid, emotsioone ja läbielamisi. Kujutavate maalide peamine omadus inimkehad- see on nende sensuaalsus, emotsionaalsus ja naturalism.

Realism kui suund maalikunstis arenes välja paljudes maailma riikides nagu Prantsusmaa (Barbizoni koolkond), Itaalia (tunti verismo nime all), Suurbritannia (kujundlik koolkond), USA (Edward Hopperi prügikasti koolkond, kunstikool Thomas Eakins), Austraalias (Heidelbergi koolkond, Tom Roberts, Frederick McCubbin), Venemaal tunti seda rändkunstnike liikumisena.

(Julien Dupre "Karjane")

Realismi vaimus kirjutatud prantsuse maalid kuulusid sageli maastikužanri, milles autorid püüdsid edasi anda neid ümbritsevat loodust, Prantsuse provintsi ilu, maamaastikke, mis nende arvates demonstreerisid suurepäraselt "tõelist". ” Prantsusmaa kogu oma hiilguses. Prantsuse realistlike kunstnike maalid ei kujutanud idealiseeritud tüüpe, seal olid reaalsed inimesed, tavalised olukorrad ilma ilustamata, puudus tavaline esteetika ja universaalsete tõdede pealesurumine.

(Honoré Daumier "Kolmanda klassi vanker")

Prantsuse realismi silmapaistvamad esindajad maalikunstis olid kunstnikud Gustav Courbier (“Kunstniku töökoda”, “Kivipurustaja”, “Kuduja”), Honoré Daumier (“Kolmanda klassi auto”, “Tänaval”, “ Pesutüdruk") ja François Millet ("Pesutüdruk"). Külvaja", "Kogija", "Angelus", "Surm ja puuraiuja").

(François Millet "Kõrvakorjajad")

Venemaal on kaunite kunstide realismi areng tihedalt seotud avaliku teadvuse ärkamise ja demokraatlike ideede arenguga. Ühiskonna edumeelsed kodanikud mõistsid hukka olemasoleva poliitilise süsteemi ja avaldasid sellele sügavat kaastunnet traagiline saatus tavalised vene inimesed.

(Aleksei Savrasov "Vankrid on saabunud")

19. sajandi lõpupoole moodustatud rändkunstnike rühma kuulusid sellised suured vene pintslimeistrid nagu maastikumaalijad Ivan Šiškin (“Hommik männimetsas”, “Rukis”, “Männimets”) ja Aleksei Savrasov ( "Vanrad on saabunud", "Rural View", "Vikerkaar"), žanri meistrid ja ajaloolised maalid Vassili Perov ("Troika", "Jahimehed puhkamas", "Rongkäik ülestõusmispühal maapiirkondades") ja Ivan Kramskoi ("Tundmatu", "Trööstitu lein", "Kristus kõrbes"), silmapaistev maalikunstnik Ilja Repin ("Praamvedajad" Volgal ”, “Me ei oodanud”, “Usuline rongkäik Kurski kubermangus”), mastaapsete ajaloosündmuste kujutamise meister Vassili Surikov (“Streltsy hukkamise hommik”, “Boyaryna Morozova”, “Suvorovi Alpide ületamine" ja paljud teised (Vasnetsov, Polenov, Levitan),

(Valentin Serov "Tüdruk virsikutega")

Kahekümnenda sajandi alguseks olid realismi traditsioonid tolleaegsetes kaunites kunstides kindlalt juurdunud ja neid jätkasid sellised kunstnikud nagu Valentin Serov ("Tüdruk virsikutega" "Peeter I"), Konstantin Korovin ("Talvel". ”, “Teelauas”, “Boriss Godunov” . Kroonimine”), Sergei Ivanov (“Perekond”, “Vojevodi saabumine”, “Rändaja surm”).

Realism 19. sajandi kunstis

Kriitiline realism, mis ilmus Prantsusmaal ja saavutas haripunkti paljudes Euroopa riikides 19. sajandi keskpaigaks, tekkis vastandina seniste kunstivoolude traditsioonidele, nagu romantism ja akadeemilisus. Tema peamine ülesanne sai konkreetseid kunstivahendeid kasutades objektiivseks ja tõeseks peegelduseks “elu tõest”.

Uute tehnoloogiate tekkimine, meditsiini, teaduse, erinevate tööstusharude areng tööstuslik tootmine, linnade kasv, suurenenud ekspluateeriv surve talupoegadele ja töölistele – kõik see ei saanud muud kui mõjutada kultuurisfääri sel ajal, mis hiljem viis kunsti uue liikumiseni - realismini, mille eesmärk oli kajastada uue ühiskonna elu ilma kaunistuste ja moonutusteta.

(Daniel Defoe)

Inglise kirjanikku ja publitsist Daniel Defoe peetakse Euroopa realismi alusepanijaks kirjanduses. Tema teostes “Katkuaasta päevik”, “Roxana”, “Mutt-Flandria rõõmud ja mured”, “Elu ja hämmastavad seiklused Robinson Crusoe" peegeldab erinevaid tolleaegseid sotsiaalseid vastuolusid, need põhinevad väitel iga inimese heast algusest, mis väliste asjaolude survel võib muutuda.

Asutaja kirjanduslik realism ja psühholoogiline romaan Prantsusmaal – kirjanik Frederic Stendhal. Tema kuulsad romaanid “Punane ja must” ning “Punane ja valge” näitasid lugejatele, et tavaliste elustseenide ning igapäevaste inimkogemuste ja emotsioonide kirjeldamist saab esitada suurima oskusega ja tõsta selle kunsti auastmele. 19. sajandi silmapaistvamate realistlike kirjanike hulka kuuluvad veel prantslane Gustave Flaubert (“Madame Bovary”), Guy de Maupassant (“Valgevene”, “Tugev kui surm”), Honoré de Balzac (romaanisari “Inimkomöödia”). , ja inglane Charles Dickens (“Oliver Twist”, “David Copperfield”), ameeriklased William Faulkner ja Mark Twain.

Vene realismi alguseks olid sellised silmapaistvad sulemeistrid nagu näitekirjanik Aleksandr Gribojedov, poeet ja kirjanik Aleksandr Puškin, fabulist Ivan Krõlov ning nende järglased Mihhail Lermontov, Nikolai Gogol, Anton Tšehhov, Lev Tolstoi, Fjodor Dostojevski.

19. sajandi realistliku perioodi maalikunstile on omane reaalse elu objektiivne kujutamine. Prantsuse kunstnikud maalivad nad Theodore Rousseau juhtimisel maamaastikke ja stseene alates tänavaelu, mis tõestab, et kaunistusteta tavaline loodus võib olla ka ainulaadne materjal kaunite kunstide meistriteoste loomisel.

Üks tolle aja skandaalsemaid realistlikke kunstnikke, põhjustades kriitika- ja hukkamõistu tormi, oli Gustav Courbier. Tema natüürmordid, maastikumaalid (“Hirved kastmisaugus”), žanristseenid (“Matused Ornansis”, “Kivipurustaja”).

(Pavel Fedotov "Majori matš")

Vene realismi rajaja on kunstnik Pavel Fedotov, tema kuulsad maalid“Majori kosjasobitamine”, “Värske kavaler” paljastab oma teostes ühiskonna tigedat moraali ning väljendab kaastunnet vaeste ja rõhutute vastu. Selle traditsioonide jätkajaks võib nimetada Peredvižniki kunstnike liikumist, mille asutasid 1870. aastal neliteist parimat keiserliku Peterburi Kunstiakadeemia lõpetanud kunstnikku koos teiste maalikunstnikega. Nende esimene näitus, mis avati 1871. aastal, saatis avalikkusele tohutut edu, see kajastas kohutavates vaesuses ja rõhumise tingimustes elavate tavaliste vene inimeste tegelikku elu. Need on kuulsad Repini, Surikovi, Perovi, Levitani, Kramskoi, Vasnetsovi, Polenovi, Ge, Vassiljevi, Kuindži ja teiste silmapaistvate vene realistide maalid.

(Konstantin Meunier "Tööstus")

19. sajandil oli arhitektuur, arhitektuur ja sellega seotud tarbekunst sügavas kriisis ja allakäigus, mis määras ette ebasoodsad tingimused monumentaalskulptuuri ja maalikunsti arenguks. Domineeriv kapitalistlik süsteem oli vaenulik nende kunstiliikide suhtes, mis olid otseselt seotud kollektiivi ühiskondliku eluga (avalikud hooned, laia ühiskondliku tähtsusega ansamblid), realism kui suund kunstis suutis täiel määral areneda kaunites kunstides ja osaliselt. skulptuuris. 19. sajandi silmapaistvad realistlikud skulptorid: Constantin Meunier ("Laadija", "Tööstus", "Puddler", "Hammerman") ja Auguste Rodin ("Mõtleja", "Kõndija", "Calais' kodanikud"). ).

Realism 20. sajandi kunstis

Revolutsioonijärgsel perioodil ning NSV Liidu loomise ja õitsengu ajal sai sotsialistlik realism vene kunstis domineerivaks suunaks (1932. see termin, selle autor Nõukogude kirjanik I. Gronsky), mis oli nõukogude ühiskonna sotsialistliku kontseptsiooni esteetiline peegeldus.

(K. Yuon "Uus planeet")

Sotsialistliku realismi põhiprintsiibid, mille eesmärk oli ümbritseva maailma tõene ja realistlik kujutamine selle revolutsioonilises arengus, olid põhimõtted:

• Rahvused. Kasutage levinud kõnemustreid ja vanasõnu, et muuta kirjandus rahvale arusaadavaks;
• Ideoloogia. Määrata kangelasteod, tavainimeste õnneks vajalikud uued ideed ja viisid;
• Täpsemad andmed. Kujutage ümbritsevat reaalsust ajaloolise arengu protsessis, mis vastab selle materialistlikule arusaamale.

Kirjanduses olid sotsrealismi peamised esindajad kirjanikud Maksim Gorki (“Ema”, “Foma Gordejev”, “Klim Samgini elu”, “Sügavuses”, “Petreeli laul”), Mihhail Šolohhov (“ Virgin Soil Upturned”, eepiline romaan “ Vaikne Don"), Nikolai Ostrovski (romaan "Kuidas karastati terast"), Aleksandr Serafimovitš (lugu "Raudvoog"), poeet Aleksandr Tvardovski (luuletus "Vasili Terkin"), Aleksandr Fadejev (romaanid "Hävitamine", "Noor kaardivägi") , jne. .

(M. L. Zvjagin "Tööle")

Ka NSV Liidus on selliste välisautorite loomingut nagu patsifistlik kirjanik Henri Barbusse (romaan “Tuli”), poeet ja proosakirjanik Louis Aragon, saksa näitekirjanik Bertolt Brecht, saksa kirjanik ja kommunist Anna Seghers (romaan “ Seitsmes rist”) olid sotsialistlikest realistidest kirjanike hulgas. , Tšiili luuletaja ja poliitik Pablo Neruda, Brasiilia kirjanik Jorge Amado (“Liiva kaptenid”, “Donna Flor ja tema kaks abikaasat”).

Sotsialistliku realismi suuna silmapaistvad esindajad aastal Nõukogude maalikunst: Aleksander Deineka ("Sevastopoli kaitse", "Ema", "Tulevased lendurid", "Füüsiline sportlane"), V. Favorski, Kukryniksy, A. Gerasimov ("Lenin poodiumil", "Pärast vihma", "Portree" baleriin O. V. Lepešinskaja"), A. Plastov ("Supelhobused", "Traktoristide õhtusöök", "Kolhoosikari"), A. Laktionov ("Kiri eest"), P. Kontšalovski ("Sirel" "), K. Yuon (" Komsomoli liikmed", "Inimesed", "Uus planeet"), P. Vassiljev (Leninit ja Stalinit kujutavad portreed ja margid), V. Svarog ("Kangelaspiloodid Kremlis enne lendu") , “Maipüha – pioneerid”), N Baskakov (“Lenin ja Stalin Smolnõis”) F. Rešetnikov (“Kaks jälle”, “Saabus puhkusele”), K. Maksimov jt.

(Vera Mukhina monument "Tööline ja kolhoosinaine")

Sotsialistliku realismi ajastu silmapaistvad nõukogude skulptorid-monumentalistid olid Vera Muhhina (monument "Tööline ja kolhoosinaine"), Nikolai Tomski (56 figuuriga bareljeef "Kaitse, töö, vaba aeg" Nõukogude majal Moskovski prospektil aastal Leningrad), Evgenia Vuchetich (monument "Sõdalane" vabastaja" Berliinis, skulptuur "Emamaa kutsub!" Volgogradis), Sergei Konenkov. Suuremõõtmeliste monumentaalskulptuuride jaoks valiti reeglina eriti vastupidavaid materjale nagu graniit, teras või pronks, mis paigaldati lagendikutele eriti oluliste ajaloosündmuste või kangelaseeepiliste tegude jäädvustamiseks.

Realism kui meetod tekkis kõigepealt vene kirjanduses kolmandiku XIX sajandil. Realismi põhiprintsiibiks on elutõe printsiip, sotsiaalajalooliselt seletatud tegelaste ja asjaolude taastootmine (tüüptegelased tüüpilistes oludes).

Realistlikud kirjanikud kujutasid sügavalt ja tõetruult kaasaegse reaalsuse erinevaid tahke, taasloosid elu eluvormides.

19. sajandi alguse realistliku meetodi aluse moodustavad positiivsed ideaalid: humanism, sümpaatia alandatud ja solvutute vastu, positiivse kangelase otsimine elus, optimism ja patriotism.

19. sajandi lõpuks saavutas realism haripunkti selliste kirjanike nagu F. M. Dostojevski, L. N. Tolstoi, A. P. Tšehhov.

Kahekümnes sajand seadis realistlikele kirjanikele uusi ülesandeid ja sundis neid otsima uusi võimalusi elumaterjali valdamiseks. Tõusvate revolutsiooniliste meeleolude tingimustes oli kirjandus üha enam imbunud eelaimustest ja ootustest eelseisvate muutuste, "kuulmatute mässude" suhtes.

Ühiskondlike muutuste lähenemise tunne kutsus esile kunstielu sellise intensiivsuse, mida vene kunst polnud varem tundnud. L.N.Tolstoi kirjutas sajandivahetuse kohta nii: „Uus sajand toob ühe maailmavaate, ühe usu, ühe inimestevahelise suhtlusviisi lõpu ja teise maailmavaate, teise suhtlusviisi alguse. M. Gorki nimetas 20. sajandit vaimse uuenemise sajandiks.

Kahekümnenda sajandi alguses jätkasid vene realismi klassikud L. N. eksistentsi saladuste, inimeksistentsi ja teadvuse saladuste otsinguid. Tolstoi, A. P. Tšehhov, L. N. Andrejev, I.A. Bunin ja teised.

“Vana” realismi põhimõtet kritiseerisid aga üha enam erinevad kirjandusringkonnad, mis nõudsid kirjaniku aktiivsemat sekkumist ellu ja selle mõjutamist.

Selle revisjoni algatas L. N. Tolstoi ise, kes oma elu viimastel aastatel kutsus üles tugevdama kirjanduses didaktilist, õpetlikku, jutlustavat põhimõtet.

Kui A. P. Tšehhov uskus, et "kohus" (st kunstnik) on kohustatud ainult küsimusi püstitama, keskenduma mõtleva lugeja tähelepanu olulistele probleemidele ja "žürii" on kohustatud vastama ( avalikud struktuurid), siis kahekümnenda sajandi alguse realistlikele kirjanikele ei tundunud see enam piisav.

Nii väitis M. Gorki otse, et “millegipärast ei peegeldanud vene kirjanduse luksuslik peegel rahva vihapurskeid ...”, ja süüdistas kirjandust selles, et “ta ei otsinud kangelasi, vaid armastas rääkida. inimestest, kes olid tugevad ainult kannatlikkuses, tasased, pehmed, unistasid paradiisist taevas, kannatasid vaikselt maa peal.

See oli noorema põlvkonna realistlik kirjanik M. Gorki, kes oli uue kirjandusliku liikumise alusepanija, mis hiljem sai nime "sotsialistlik realism".

M. Gorki kirjanduslik ja ühiskondlik tegevus mängis olulist rolli uue põlvkonna realistlike kirjanike ühendamisel. 1890. aastatel tekkis M. Gorki eestvõttel kirjandusring “Sreda” ja seejärel kirjastus “Znanie”. Selle kirjastuse ümber kogunevad noored andekad kirjanikud A.I. Kuprii, I.A. Bunin, L.N. Andrejev, A. Serafimovitš, D. Bednõi jt.

Debatti traditsioonilise realismiga peeti kirjanduse erinevatel poolustel. Oli kirjanikke, kes järgisid traditsioonilist suunda, püüdes seda ajakohastada. Kuid oli ka neid, kes lihtsalt tõrjusid realismi kui aegunud trendi.

Nendes keerulistes tingimustes, polaarsete meetodite ja suundumuste vastasseisus, arenes traditsiooniliselt realistideks nimetatud kirjanike loovus edasi.

Kahekümnenda sajandi alguse vene realistliku kirjanduse originaalsus ei seisne mitte ainult sisu ja teravate sotsiaalsete teemade olulisuses, vaid ka kunstilistes otsingutes, tehnoloogia täiuslikkuses ja stiililises mitmekesisuses.