Referaat teemal “Muusika”, 7. klass

Keskajal tekkis Euroopas uut tüüpi muusikakultuur - feodaal, mis ühendas professionaalse kunsti, amatöörmuusika ja folkloori. Kuna kirik domineerib kõigis vaimse elu valdkondades, on professionaalse muusikakunsti aluseks muusikute tegevus kirikutes ja kloostrites. Ilmalikku professionaalset kunsti esindasid esialgu vaid lauljad, kes lõid ja esitasid eepilisi jutte õukonnas, aadlimajades, sõdalaste seas jne (bardid, skaldid jne). Aja jooksul arenesid välja amatöörlikud ja poolprofessionaalsed rüütelliku musitseerimise vormid: Prantsusmaal - trubaduuride ja trouvère'ide kunst (Adam de la Halle, XIII sajand), Saksamaal - minnesingerid (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII-XIII sajand), aga ka linna käsitöölised. Feodaallossides ja -linnades viljeletakse igasuguseid laulužanre, žanre ja vorme (eepos, “koit”, rondo, ballaadid jne).

Igapäevaellu on tulemas uued muusikariistad, sealhulgas idast tulnud (viiul, lauto jne) ning esile kerkivad ansamblid (ebastabiilse koosseisuga). Talupoegade seas õitseb rahvaluule. Seal on ka “rahvaprofessionaalid”: jutuvestjad, rändkunstnikud (žonglöörid, miimid, minstrelid, shpilmanid, buffoonid). Muusika täidab peamiselt rakenduslikke ja vaimseid-praktilisi funktsioone. Loovus ilmneb ühtsuses sooritusega (tavaliselt ühes isikus) ja tajuga. Kollektiivsus domineerib nii muusika sisus kui ka vormis; individuaalne printsiip on allutatud üldisele, eristumata sellest (meistermuusik on kogukonna parim esindaja). Kõiges valitsevad ranged traditsioonid ja kanoonilisus. Traditsioonide ja standardite kinnistamist, säilimist ja levikut (aga ka nende järkjärgulist ajakohastamist) soodustas üleminek neumadelt, mis vaid ligilähedaselt viitas meloodilise liikumise olemusele, lineaarsele noodikirjale (Guido d'Arezzo, XI sajand), mis võimaldas täpselt salvestada toonide kõrgust ja seejärel nende kestust.

Tasapisi, kuigi aeglaselt, rikastub muusika sisu, selle žanrid, vormid ja väljendusvahendid. IN Lääne-Euroopa VI-VII sajandist. rangelt reguleeritud monofooniline (monoodiline) süsteem kirikumuusika põhineb diatoonilistel viisidel (gregooriuse koraal), ühendades retsiteerimise (psalmoodia) ja laulmise (hümnid). 1. ja 2. aastatuhande vahetusel hakkas tekkima polüfoonia. Kujunevad uued vokaal (koor) ja vokaal-instrumentaal (koor ja orel) žanrid: organum, motett, dirigent, seejärel missa. Prantsusmaal moodustati 12. sajandil Notre Dame'i katedraalis (Leonin, Perotin) esimene helilooja (loominguline) koolkond. Renessansi vahetusel (ars nova stiil Prantsusmaal ja Itaalias, XIV sajand) asendub professionaalses muusikas monofoonia polüfooniaga, muusika hakkab tasapisi vabanema puhtpraktilistest funktsioonidest (kiriklike riituste talitus), ilmalike žanrite tähtsus. , sealhulgas laulud, suureneb selles (Guillaume de Masho). Keskaegne muusika Paljud muusikateadlased (sh Pierre Aubry) pühendasid oma teosed Euroopale.

Keskaja muusikakunst arenes välja enam kui 1000 aasta jooksul. See on pingeline ja vastuoluline etapp muusikalise mõtlemise evolutsioonis – monodusest (ühehäälsest) kuni kõige keerulisema polüfooniani. Keskajal täiustati paljusid Euroopa muusikainstrumente, kujunesid välja nii kiriku- kui ka ilmaliku muusika žanrid, tekkisid kuulsad Euroopa muusikakoolid: hollandi, prantsuse, saksa, itaalia, hispaania jne.

Keskajal oli muusika arengus kaks peamist suunda: vaimulik muusika ja ilmalik, meelelahutus. Samal ajal mõistis religioon ilmaliku muusika hukka ja seda peeti "kuratlikuks kinnisideeks".

Muusika oli üks religiooni instrumente, "improviseeritud" vahend, mis täitis kiriku eesmärke, aga ka üks täppisteadustest. Muusika paigutati koos matemaatika, retoorika, loogika, geomeetria, astronoomia ja grammatikaga. Kirik arendas laulu- ja komponeerimiskoolkondi rõhuasetusega numbritele muusikaline esteetika(Selle ajastu teadlaste jaoks oli muusika arvu projektsioon heliainele). Seda mõjutasid ka hilishellenism, Pythagorase ja Platoni ideed. Selle lähenemise korral ei olnud muusikal iseseisvat tähendust, see oli allegooria kõrgemast, jumalikust muusikast.

Niisiis jagati muusika kolme tüüpi:

• Maailmamuusika on sfääride ja planeetide muusika. Keskaja muusikalis-numbrilise esteetika järgi iga planeet Päikesesüsteem oli varustatud oma heli, tooniga ja planeetide liikumine lõi taevaliku muusika. Lisaks planeetidele anti oma toon ka aastaaegadele.
• Inimmuusika – iga orel, kehaosa, inimese hing oli varustatud oma kõlaga, mis moodustas harmoonilise kaashääliku.
• Instrumentaalmuusika on pillimängukunst, muusika meelelahutuseks, madalaim hierarhia tüüp.

Vaimulik muusika oli vokaal-, koori- ja ilmalik instrumentaal-vokaal. Instrumentaalmuusikat peeti kergeks, kergemeelseks ja selle ajastu muusikateoreetikud ei võtnud seda tõsiselt. Kuigi minstrelitöö nõudis muusikutelt suurepärast esinemisoskust.

Üleminekuperiood keskajast uusajale Euroopas, mis kestis ligi kaks ja pool sajandit. Sellel perioodil toimusid olulised muutused paljudes eluvaldkondades; Teadus ja kunst kogesid kiiret õitsengut. Renessansiaeg jaguneb paljudeks komponendid ja arendusfaasid. Sellega on seotud ka mitmesugused ebausud, mis on nii tugevalt juurdunud, et nende ümberlükkamine nõuab tänapäevalgi märkimisväärset pingutust.

• Esimene ja ilmselt peamine eksiarvamus on pidada (nagu paljud renessansi ideoloogid) renessansi just kultuuri ja tsivilisatsiooni taaselustamiseks, ülestõusmiseks, mis saabus pärast pikka barbaarset keskaega, pimedat aega. murdeperiood kultuuri arengus. See eelarvamus põhineb täielikul teadmatusel keskajast ja selle tihedast seosest renessansiajastuga; Näitena piisab, kui nimetada kaks täiesti erinevat valdkonda - luule ja majanduselu. Dante elas 13. sajandil, s.o. keskaja kulminatsioonil Petrarka - XIV. Mis puutub majandusellu, siis selle tõeline renessanss toimus samuti 13. sajandil, kaubanduse ja panganduse kiire arengu ajal. Nad ütlevad, et me võlgneme renessansi iidsete autorite taasavastamisele, kuid see on ka ebausk. Teatavasti avastati sel perioodil vaid kaks Vana-Kreeka käsikirja, ülejäänud olid juba läänes (peamiselt Prantsusmaal), sest Lääne-Euroopa koges 12. ja 13. sajandil naasmist antiikaja juurde, mis oli seotud huviga inimese ja looduse vastu. .
• Teine ebausk on seotud renessansi kahe komponendi segamisega, vastandlikud sõbrad sõber, nimelt nn humanism ja uus loodusteadus. Humanism on vaenulik kogu loogika, mõistuse, kogu loodusteaduse suhtes, mida ta peab "mehaaniliseks" tööks väärituks kultuurne inimene kutsutud kirjanikuks, retoorikuks, poliitikuks. Renessansiajastu inimese kuju, mis ühendab endas nii Rotterdami Erasmuse kui Galileo, on müütiline ning renessansile omane usk ühtsesse maailmapilti pole midagi muud kui ebausk.
• Kolmas eelarvamus on renessansiajastu filosoofia kiitmine kui “suur” võrreldes sellele eelnenud skolastikaga.

Tegelikult, kui välja arvata Nicholas of Cusa (kaugel renessansi vaimust) ja Galileo (kes elas renessansi lõpus), polnud renessansiajastu filosoofid Kristelleri sõnul ei head ega halvad – nad olid üldse mitte filosoofid. Paljud neist olid silmapaistvad kirjanikud, teadlased, iidsete tekstide eksperdid, kuulsad oma pilkavate ja teravate mõistuste poolest, kirjanduslik oskus. Kuid neil polnud filosoofiaga peaaegu midagi pistmist. Seega on nende vastandamine keskaja mõtlejatele puhas ebausk.

• • Teine väärarusaam on pidada renessansi vägivaldseks revolutsiooniks, täielikuks lahkuminekuks minevikust. Tõepoolest, sellel perioodil toimuvad põhjalikud muutused, kuid need on kõik orgaaniliselt seotud minevikuga ja igal juhul võib nende päritolu otsida keskajast. Nende muutuste juured on nii sügavad minevikku, et ühel renessansiajastu suurimal spetsialistil Huizingal oli põhjust nimetada seda ajastut "keskaja sügiseks".

Lõpuks on ebausk ka arvamus, et renessansiajal elanud inimesed, vähemalt enamik neist, olid hingelt protestandid, monistid, ateistid või ratsionalistid. Tegelikult olid valdav enamus kuulsatest renessansiajastu esindajatest ja filosoofia vallas peaaegu kõik, Leonardo ja Ficino kuni Galileo ja Campanellani, katoliiklased, sageli innukad katoliku usu toetajad ja kaitsjad. Nii võttis Marsilio Ficino 40-aastaselt vastu kristliku usu ja lõi katoliikliku New Age'i apologeetika.

Keskaegne muusikateoreetik Guido Aretinsky (10. sajandi lõpp) annab muusikale järgmise definitsiooni:

"Muusika on vokaalhelide liikumine."

Selles määratluses väljendas keskaegne muusikateoreetik suhtumist kogu tolle ajastu Euroopa muusikakultuuri muusikasse.

Kiriku- ja ilmaliku muusika muusikažanrid.

Keskaja vaimuliku muusika allikaks oli kloostrikeskkond. Laulud õpiti kuulmise järgi laulukoolides ja levitati kirikukogukonnas. Pidades silmas väga erinevate lugude esilekerkimist katoliku kirik otsustas kanoniseerida ja reguleerida kristliku õpetuse ühtsust peegeldavaid laule.

Nii ilmus koraal, millest sai kirikumuusika traditsiooni kehastus. Selle põhjal tekkisid teised žanrid, mis olid loodud spetsiaalselt teatud pühade ja teenuste jaoks.

Keskaja vaimulikku muusikat esindavad järgmised žanrid: koraal, gregooriuse laul - ühehäälne religioosne laul ladina keeles, selgelt reguleeritud, esitab koor, mõned lõigud solist

• • • Missa on katoliku kiriku peamine jumalateenistus, mis koosneb 5 stabiilsest osast (tavalisest) - I. Kyrie eleison (Issand, halasta), II. Gloria (hiilgus), III. Credo (ma usun), IV. Sanctus (püha), V. Agnus Dei (Jumala tall).
    • Liturgia, liturgiline draama - ülestõusmispühade või jõulude jumalateenistus, kus gregooriuse laulud vaheldusid kanoneerimata meloodiate-troobidega, liturgiaid esitas koor, tegelaste (evangelist Maarja) osad esitasid solistid, mõnikord ka mõni näivus. ilmusid kostüümid
    • Müsteerium on ulatuslik liturgiline draama lavaline tegevus, ülikonnad
    • Rondel (rondo, ru) - küpse ja hiliskeskaja polüfooniline žanr, mis toetus autori meloodiale (erinevalt kanoniseeritud koraalist), mida esitasid improvisatsiooniliselt kordamööda solistid (kaanoni varane vorm)
    • Proprium - osa missa žanrist, mis muutub sõltuvalt kirikukalendrist (erinevalt missa muutumatust osast - ordinaarium)
    • Antifoon on vanim koorikirikumuusika žanr, mis põhineb kahe koorirühma partiide vaheldumisel.

Näited kirikumuusikast:

1) Kyrie eleysoni laul

2) Sequence áldozatae Pashali

Keskaja ilmalik muusika oli peamiselt rändmuusikute muusika ning seda iseloomustas vabadus, individuaalsus ja emotsionaalsus. Samuti oli ilmalik muusika osa feodaalide õukondlikust rüütlikultuurist. Kuna koodeks nägi rüütlile ette kauni daami teenimiseks rafineeritud kombeid, suuremeelsust, suuremeelsust ja kohustusi, ei saanud need aspektid trubaduuride ja minnesingeride lauludes peegelduda.

Ilmalikku muusikat esitasid miimid, žonglöörid, trubaduurid või trouvère’id, minstrelid (Prantsusmaal), minnesingerid, shpilmanid (Saksamaa maades), hoglarid (Hispaanias), buffoonid (Venemaal). Need artistid pidid oskama mitte ainult laulda, mängida ja tantsida, vaid oskama ka näidata tsirkuse etendused, nipid, teatristseenid, ja pidi avalikkust muul viisil lõbustama.
Kuna muusika oli üks teadustest ja seda õpetati ülikoolides, said feodaalid ja hariduse saanud aadlikud oma teadmisi kunstis rakendada.
Nii arenes muusika ka kohtukeskkonnas. Vastupidiselt kristlikule askeesile ülistas rüütellik muusika sensuaalset armastust ja Kauni Daami ideaali. Aadli hulgas olid muusikutena tuntud: Guillaume VII, Poitiers' krahv, Akvitaania hertsog, Jean of Brienne - Jeruusalemma kuningas, Pierre Moclair - Bretagne'i hertsog, Thibault of Champagne - Navarra kuningas.

Keskaja ilmaliku muusika põhijooned ja omadused:

• • • põhineb folklooril, esitatakse mitte ladina, vaid emakeeltes, murretes,
    • Rändkunstnike seas noodikirja ei kasutata, muusika on suuline traditsioon (hiljem arenes muusikaline kirjutamine välja kohtukeskkonnas)
    • peateemaks on inimese kuvand kogu tema maise elu mitmekesisuses, idealiseeritud sensuaalne armastus
    • monofoonia – üksikute tunnete väljendamise viis poeetilises ja lauluvormis
    • vokaal-instrumentaalne esitus, pillide osatähtsus ei ole veel väga suur, peamiselt olid instrumentaalsed sissejuhatused, vahepalad ja koodid
    • meloodia oli varieeruv, kuid rütm kanoniseeritud - seda mõjutas kirikumuusika; rütmis oli ainult 6 erinevat rütmi (rütmirežiimid) ja igaüks neist oli rangelt kujundliku sisuga

Truuvered, trubaduurid ja minnesingerid, kes mängivad õukondlikku rüütlimuusikat, lõid oma originaalžanrid:

• • • “Kudumise” ja “Mai” laulud
    • Rondo – korduval refräänil põhinev vorm
    • Ballaad - tekstilis-muusikaline lauluvorm
    • Virele - vana prantsuse poeetiline vorm kolmerealise stroofiga (kolmas rida on lühendatud), sama riimi ja refrääniga
    • Kangelaseepos (“Rolandi laul”, “Nibelungide laul”)
    • Ristisõdijate laulud (Palestiina laulud)
    • Canzona (Minnesingerid nimetasid seda albaks) - armastuse, lüüriline laul

Tänu linnakultuuri arengule X - XI sajandil. hakkas aktiivsemalt arenema ilmalik kunst. Rändavad muusikud valivad üha enam istuva eluviisi ja asustavad terveid linnakvartaleid.

Huvitav on see, et rändmuusikud 12. - 13. sajandiks. tagasi vaimsete teemade juurde. Ladina keelest kohalikele keeltele üleminek ja nende esinejate tohutu populaarsus võimaldasid neil osaleda vaimsetel etendustel Strasbourgi, Roueni ja Reimsi katedraalides. Cambrai. Aja jooksul said mõned rändmuusikud õiguse korraldada esinemisi aadlilossides ning Prantsusmaa, Inglismaa, Sitsiilia ja teiste riikide õukondades.

12. - 13. sajandiks ilmusid rändmuusikute sekka põgenenud mungad, hulkuvad üliõpilased, vaimuliku alumiste kihtide inimesed - vagandid ja goliarid.

Istuvad muusikud moodustasid keskaegsetes linnades terveid muusikagilde – Saint Julieni vennaskonna (Pariis, 1321), Püha Nikolause vennaskonna (Viin, 1288). Nende ühenduste eesmärkideks oli muusikute õiguste kaitsmine, kutsetraditsioonide hoidmine ja edasikandmine.

XIII-XVI sajandil. Moodustuvad uued žanrid, mis arenevad edasi Ars Nova ajastul:

• • • Motett (prantsuse keelest - "sõna") on polüfooniline žanr, mida eristab häälte meloodiline erinevus, mis intoneeris samaaegselt erinevaid tekste, mõnikord isegi erinevaid keeli, võib olla nii ilmalik kui ka vaimne
    • Madrigal (itaalia keelest - "laul emakeeles", s.o itaalia) - armastuslüürilised, pastoraalsed laulud,
    • Caccia (itaalia keelest - "jaht") on jahiteemaline vokaalpala.

Trubaduuride ja professionaalsete heliloojate ilmalik muusika.

Lisainformatsioon:

Meie infoajastul, ajastul kõrgtehnoloogia me unustame sageli püsivad vaimsed väärtused. Üks neist väärtustest on klassikaline muusika – meie esivanemate vaimne pärand. Mis on klassikaline muusika, milleks seda vaja on? tänapäeva inimesele? Miks paljud arvavad, et see on väga igav? Proovime neid keerulisi küsimusi mõista.Tihti võib kuulda arvamust, et klassikaline muusika on väidetavalt muusika, mis on kirjutatud kaua aega tagasi. See pole nii, kuna see kontseptsioon tähendab kõike parimat, mis muusikamaailmas on kogu selle eksisteerimise jooksul loodud inimtsivilisatsioon. 18. sajandil loodud Beethoveni sonaat ja 40 aastat tagasi kirjutatud Sviridovi romanss on kõik klassika! Peaasi, et see muusika on ajaproovile vastu pidanud. Nii Beethoveni ajal kui ka praegu on kunstikauplejaid, kes toodavad madala kvaliteediga muusikatooteid. See toode rikneb väga kiiresti, kuid tõeline kunst muutub iga päevaga aina kaunimaks.

Märkmete välimus

Kirjutamine, inimkonna suur leiutis, võimaldas mõtteid, ideid ja muljeid tulevastele põlvedele koguda ja edasi anda. Teine leiutis, mitte vähem suurepärane noodikiri, võimaldas helisid ja muusikat järglastele edastada. Euroopa muusika kasutas enne noote erilisi märke – neume.

Leiutaja kaasaegne süsteem noodikiri – benediktiini munk Guido Aretino (Guido d'Arezzo) (990-1050). Arezzo on väike linn Toscanas, Firenze lähedal. Kohalikus kloostris õpetas vend Guido lauljaid kirikulaulu esitama. See ei olnud kerge ja pikk ülesanne. Kõik teadmised ja oskused anti edasi suuliselt otsesuhtluses. Lauljad õppisid õpetaja juhendamisel ja tema hääle järgi järjestikku selgeks katoliku missa iga hümni ja laulu. Seetõttu võttis kogu “koolituskursus” umbes 10 aastat.

Guido Arettini hakkas helisid märkima nootidega (ladinakeelsest sõnast nota – märk). Noodid, varjutatud ruudud, asetati neljast paralleelsest joonest koosnevale pulgale. Nüüd on neid ridu viis ja noote kujutavad ringid, kuid Guido juurutatud põhimõte on jäänud muutumatuks. Kõrgemad noodid on kujutatud kõrgemal joonlaual. Nooti on seitse, need moodustavad oktaavi.

Guido andis igale oktaavi seitsmele noodile nime: ut, re, mi, fa, sol, la, si. Need on püha kirikulaulu esimesed silbid. John. Selle hümni iga rida lauldakse eelmisest kõrgemal toonil.

Järgmise oktavi noote nimetatakse samadeks, kuid lauldakse kõrgema või madalama häälega. Ühelt oktavilt teisele liikudes suureneb või väheneb sama noodiga tähistatud heli sagedus poole võrra. Näiteks muusikariistad häälestatakse esimese oktavi A noodi järgi. Selle noodi sagedus on 440 Hz. Järgmise, teise, oktaavi noot A vastab sagedusele 880 Hz.

Kõikide nootide nimed, välja arvatud esimene, lõpevad täishäälikuga, mistõttu on neid lihtne laulda. Silp ut on kinnine ja seda pole võimalik nagu teisi laulda. Seetõttu asendati oktaavi esimese noodi nimi ut XVI sajandil nimega do (tõenäoliselt ladinakeelsest sõnast Dominus - Lord). Oktavi viimane noot si on hümni viimase rea Sancte Ioannes kahe sõna lühend. IN Inglise keelt kõnelevad riigid noodi nimi “B” asendati “Ti”-ga, et mitte segi ajada C-tähega, mida kasutatakse ka noodikirjas.

Olles leiutanud noodid, õpetas Guido lauljatele seda ainulaadset tähestikku ja õpetas neid ka nootidest laulma. Ehk siis seda, mida tänapäeva muusikakoolides nimetatakse solfedžoks. Nüüd piisas kogu missa nootides kirja panemisest ja lauljad said soovitud meloodia ise laulda. Enam polnud vaja iga laulu isiklikult õpetada. Guido pidi ainult protsessi kontrollima. Viis korda on vähendatud lauljate treeninguaega. Kümne aasta asemel - kaks aastat!

Mälestustahvel Arezzos Via Ricasollil majal, kus Guido sündis. See kujutab ruudu noote.

Peab ütlema, et Arezzost pärit munk Guido polnud esimene, kes tuli märkide abil muusika salvestamise ideele. Enne teda eksisteeris Lääne-Euroopas juba neume süsteem (kreeka sõnast "pneumo" - hingeõhk), psalmide teksti kohale asetatud ikoonid, mis näitavad laulu tooni tõusu või langust. Venemaal kasutasid nad seda samal eesmärgil oma süsteem"konksud" või "bännerid".

Guido Aretinsky ruudukujulised noodid, mis olid paigutatud neljale staabireale, osutusid lihtsaimaks ja mugavaimaks süsteemiks muusika salvestamiseks. Tänu temale noodikiri levinud üle kogu maailma. Muusika lahkus kiriku piiridest ja läks kõigepealt valitsejate ja aadlike paleedesse ning seejärel teatritesse, kontserdisaalidesse ja linnaväljakutele, saades kõigi omandiks.

Mis on fret?

Režiimid on muusikateoorias üks keskseid termineid. Nende ülesehituse mõistmine ja oskuslik kasutamine avab muusikule piiramatud võimalused. Ja sageli on võimatu täpselt seletada, kuidas konkreetses kompositsioonis tekib huvitav üleminek – kui inimene ei saa aru, mis on režiim. Kuid seal on konks: terminit "režiim" kasutavad muusikud ise, mis sageli ei tähenda sama asja. Miks nii? Ja mis siis ikkagi on korras? Segadus tekkis sellest, et sellel sõnal oli eri ajastutel väga erinev tähendus.

Me ei mõista, kui palju meie taju on haritud ja seotud klassikalise muusikaga. (Kusjuures mõiste "kaasaegne muusika" on kõrvalekalle klassikalistest põhimõtetest). Klassitsismi ajastu on suur ajalooline murrang inimese maailmatunnetuses. Pärast keskaega avastasid inimesed iidse kunsti ja vaimustusid sellest. Iga klassitsismi teos on üles ehitatud rangetele kaanonitele, paljastades seeläbi universumi enda harmoonia ja loogika. Klassitsism lõi struktuurse korra – kõrgema ja madalama, peamise ja teisejärgulise, keskse ja alluva selge hierarhia. Seetõttu näiteks alates Viini klassika ja romantiline muusika, mõtleme süsteemis "duur-moll". Mis see on ja kuidas see meie taju mõjutab?

Duur ja moll on tonaalsed režiimid. Tonaalne režiim on teatud toonide suhete süsteem. Mida see tähendab? Mis on toon? Proovime selle välja mõelda. Oletame, et teie ees on klaver: vaadake klaviatuuri: tavaline do-re-mi-fa-sol-la-si, 7 valget klahvi ja nende vahel veel 5 musta, kokku 12. Nende vaheline kaugus kaks neist on pooltoon. Kõrvaloleva musta ja valge vahel on alati pooltoon. Kõrvuti asetsevate valgete vahel on toon (erandiks on mi-fa ja si-do on pooltoonid).

Igasugune toonide ja pooltoonide komplekt on skaala. Klassitsismi ajastul hakati seda ehitama, allutades rangelt kõik toonid toonikule - põhitoonile. See on suur või väike režiim. Kogu tonaalne muusika (kõik klassikaline muusika) on üles ehitatud just põhi- ja alluvate harmooniate suhetele. Kõrva järgi eristame intuitiivselt duuri ja molli selle järgi, kuidas need on värvitud – "rõõmus" või "kurb". Vahelduv režiim on see, kui üks tükk sisaldab samaaegselt nii peamisi kui ka väiksemaid funktsioone. Kuid neil on ühine põhimõte – tonaalne.

See põhimõte pole aga ainus võimalik. Enne klassitsismiajastut, mil kõik lõpuks harmoonilisse tonaalsussüsteemi järjestati, oli muusikaline mõtlemine teistsugune. Joonia, dooria, früügia, lüüdi, miksolüüdi, eoolia, lokriuse... Need on kreeklaste oktaavirežiimid. Oli ka gregooriuse muusika kirikurežiime. Kõik need on modaalsed režiimid. Nad komponeerisid muusikat antiikajal, keskajal ja modaalsest ida muusikatraditsioonist (näiteks India ragas või araabia maqam). Renessansiaegse Euroopa muusikas valitses ka modaalsus.

Mis on peamine erinevus meile harjumuspärasest tonaalsest välimusest? Tonaalsetes režiimides on põhiharmooniate ja akordide funktsioonid rangelt eristatud, kuid modaalmuusikas on need palju hägusamad. Modaalse režiimi jaoks on oluline skaala ise tervikuna – ning tähendused ja värvid, mida see muusikasse võib tuua. Seetõttu eristame india muusikat keskaegsetest koraalidest kergesti kõrva järgi – teatud harmooniate ja muusikaliste liigutuste järgi.

20. sajandiks näisid heliloojad olevat proovinud kõiki helivalikuid tonaalses muusikas. “Mul on igav, deemon!” ütlesid nad ja pöördusid uute värvide otsimisel vanade – modaalsete pöördete ja liigutuste – poole. Nii tekkis uus moodus. Kaasaegses muusikas on ilmunud uued režiimid – näiteks bluus. Pealegi tekkis eriline žanr - modaalne jazz. Näiteks Miles Davis nimetas modaalset muusikat "hälbeks tavalisest seitsme noodi skaalast, kusjuures iga noot näib olevat fookusest väljas". Ja ta ütles, et "selles suunas liikudes jõuate lõpmatuseni." Asi on selles, et tonaalsed ja modaalsed põhimõtted ei välista üksteist. Ühes näidendis võivad nende omadused olla segased. Modaalsus on nagu teine ​​kiht, mis asetatakse meie harjumuspärasele „suurele/minoorsele“. Kusjuures erinevate modaalrežiimide kasutamine muudab muusika värvingut: näiteks früügia režiimi pöörded on sünged, sest selle skaala koosneb peamiselt madalamatest astmetest. Nende modaalsete funktsioonide tundmine aitab teil muusika kirjutamisel saavutada huvitava heli.

Värv, meeleolu, iseloom – need on harmoonia märgid, mida me kuuleme, kuid sageli ei teadvusta seda. Sageli tõmbavad lauludes meie tähelepanu just modaalsed fraasid – kuna need on ebatavalised. Klassikalise muusika alal treenitud kõrv tunneb ära selle igapäevaelust kõrvalekaldumise. Kõik see ja palju muud avaneb muusikakeelest aru saades.

Keskaja muusika on muusikakultuuri arenguperiood, mis hõlmab ajavahemikku ligikaudu 5. kuni 14. sajandini pKr.

Keskaeg on inimkonna ajaloo suur ajastu, feodaalsüsteemi domineerimise aeg.

Kultuuri perioodilisus:

Varakeskaeg – V – X sajand.

Küps keskaeg - XI - XIV sajand.

Aastal 395 jagunes Rooma impeerium kaheks osaks: lääne- ja idaosaks. Lääneosas, Rooma varemetel, asusid 5.-9.sajandil barbaririigid: ostrogootid, visigootid, frangid jne. 9. sajandil tekkis Karl Suure impeeriumi kokkuvarisemise tagajärjel kolm riiki. moodustati siin: Prantsusmaa, Saksamaa, Itaalia. Idaosa pealinn oli Konstantinoopol, mille asutas keiser Constantine Kreeka Bütsantsi koloonia kohale – sellest ka osariigi nimi.

Keskajal tekkis Euroopas uut tüüpi muusikakultuur - feodaal, mis ühendas professionaalse kunsti, amatöörmuusika ja folkloori. Kuna kirik domineerib kõigis vaimse elu valdkondades, on professionaalse muusikakunsti aluseks muusikute tegevus kirikutes ja kloostrites. Ilmalikku professionaalset kunsti esindasid esialgu vaid lauljad, kes lõid ja esitasid eepilisi jutte õukonnas, aadlimajades, sõdalaste seas jne (bardid, skaldid jne). Aja jooksul arenevad välja amatöörlikud ja poolprofessionaalsed rüütelliku musitseerimise vormid: Prantsusmaal - trubaduuride ja trouvère'ide kunst (Adam de la Halle, XIII sajand), Saksamaal - minnesingerid (Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII-XIII sajand) ja ka linna käsitöölised. Feodaallossides ja linnades viljeletakse igasuguseid laule, laulužanre ja -vorme (eepos, “koit”, rondo, le, virele, ballaadid, kanzonid, laudad jne).

Igapäevaellu on tulemas uued muusikariistad, sealhulgas idast tulnud (viiul, lauto jne) ning esile kerkivad ansamblid (ebastabiilse koosseisuga). Talupoegade seas õitseb rahvaluule. Seal on ka "rahvaprofessionaalid": jutuvestjad, rändavad sünteetilised kunstnikud (žonglöörid, miimid, minstrelid, shpilmanid, buffoonid). Muusika täidab taas peamiselt rakenduslikke ja vaimseid-praktilisi funktsioone. Loovus ilmneb ühtsuses sooritusega (tavaliselt ühes isikus).

Tasapisi, kuigi aeglaselt, rikastub muusika sisu, selle žanrid, vormid ja väljendusvahendid. Lääne-Euroopas 6.-7.saj. Tekkimas oli rangelt reguleeritud ühehäälse (monoodilise) kirikumuusika süsteem, mis põhineb diatoonilistel viisidel (gregooriuse koraal), mis ühendas retsiteerimise (psalmoodia) ja laulmise (hümnid). 1. ja 2. aastatuhande vahetusel hakkas tekkima polüfoonia. Kujunevad uued vokaal (koor) ja vokaal-instrumentaal (koor ja orel) žanrid: organum, motett, dirigent, seejärel missa. Prantsusmaal moodustati 12. sajandil Notre Dame'i katedraalis (Leonin, Perotin) esimene helilooja (loominguline) koolkond. Renessansi vahetusel (ars nova stiil Prantsusmaal ja Itaalias, XIV sajand) asendub professionaalses muusikas monofoonia polüfooniaga, muusika hakkab tasapisi vabanema puhtpraktilistest funktsioonidest (kiriklike riituste talitus), ilmalike žanrite tähtsus. , sealhulgas laulud, suureneb selles (Guillaume de Masho).

Keskaja materiaalseks aluseks olid feodaalsuhted. Keskaegne kultuur moodustatud maamõisa tingimustes. Edaspidi saab kultuuri sotsiaalseks aluseks linnakeskkond – linnakodanikud. Riikide tekkega kujunevad välja põhiklassid: vaimulikkond, aadel ja rahvas.

Keskaja kunst on kirikuga tihedalt seotud. Kristlik õpetus on filosoofia, eetika, esteetika ja kogu selle aja vaimse elu alus. Religioosse sümboolikaga täidetud kunst on suunatud maisest, mööduvast - vaimsest, igavesest.

Koos ametliku kirikukultuuriga (kõrg) eksisteeris ilmalik kultuur (alumine) - folkloor (madalamad ühiskonnakihid) ja rüütellik (õukondlik).

Peamised fookused professionaalne muusika varakeskajast - katedraalid, nende juurde kuuluvad laulukoolid, kloostrid - tolleaegsed ainsad hariduskeskused. Nad õppisid kreeka ja ladina keelt, aritmeetikat ja muusikat.

Keskajal oli Lääne-Euroopa kirikumuusika peamine keskus Rooma. 6. sajandi lõpus - 7. sajandi alguses. moodustub Lääne-Euroopa kirikumuusika põhivariant - gregooriuse koraal, mis sai nime reformi läbi viinud paavst Gregorius I järgi. kirikulaul, koos kogudes ja korraldades erinevaid kirikulaulu. Gregoriuse laul on monofooniline katoliku laul, mis ühendab endas sajanditevanuseid laulutraditsioone erinevatest Lähis-Ida ja Euroopa rahvad(süürlased, juudid, kreeklased, roomlased jne). See oli ühe meloodia sujuv monofooniline lahtirullumine, mis pidi kehastama üht tahet, koguduseliikmete tähelepanu suunamist vastavalt katoliikluse põhimõtetele. Muusika iseloom on range, isikupäratu. Koraali esitas koor (sellest ka nimi), mõned lõigud solisti esituses. Domineerib diatoonilistel režiimidel põhinev progressiivne liikumine. Gregoriuse laul võimaldas teha palju gradatsioone, ulatudes väga aeglasest kooripsalmoodiast kuni juubeldamiseni (silbi melismaatiline laulmine), mis nõudis esitamiseks virtuoosset vokaalset oskust.

Gregoriuse laul distantseerib kuulaja tegelikkusest, kutsub esile alandlikkuse ning viib mõtiskluseni ja müstilise irdumiseni. Seda mõju soodustab ka ladinakeelne tekst, mis on enamikule koguduseliikmetest arusaamatu. Laulmise rütmi määras tekst. See on ebamäärane, ebamäärane, mille määrab teksti ettelugemise aktsentide iseloom.

Erinevad gregooriuse laulu tüübid koondati katoliku kiriku põhiteenistusse - missale, mille käigus moodustati viis stabiilset osa:

Kyrie eleison (Issand halasta)

Gloria (hiilgus)

Credo (ma usun)

Sanctus (püha)

Agnus Dei (Jumala tall).

Aja jooksul hakkavad rahvamuusika elemendid imbuma gregooriuse laulu hümnide, sekventide ja troobide kaudu. Kui psalmodiate esitas professionaalne lauljate ja vaimulike koor, siis kirikulaulud esitasid algul koguduseliikmed. Need olid ametliku jumalateenistuse vahetükid (neil oli rahvamuusika jooni). Kuid peagi hakkasid missa hümnilised osad psalmodilisi osi välja tõrjuma, mis tõi kaasa polüfoonilise missa tekkimise.

Esimesed järjed olid tähtpäeva meloodia alltekstiks, et meloodia ühel kõlal oleks eraldi silp. Sarjast on saamas laialt levinud žanr (kõige populaarsemad on “Veni, sancte spiritus”, “ Dies irae", "Stabat mater"). “Dies irae” kasutasid Berlioz, Liszt, Tšaikovski, Rahmaninov (väga sageli surma sümbolina).

Esimesed polüfoonianäited pärinevad kloostritest – organum (liikumine paralleelsete kvintide või kvartidega), gimmel, fauburdon (paralleelsed kuutakordid), dirigent. Heliloojad: Leonin ja Perotin (12-13 sajand - Notre Dame'i katedraal).

Ilmaliku rahvamuusika kandjateks olid keskajal miimid, žonglöörid, minstrelid Prantsusmaal, spilmanid saksa kultuurimaades, hoglarid Hispaanias, pätid Venemaal. Need rändkunstnikud olid universaalsed meistrid: nad ühendasid laulu, tantsimise, erinevate pillide mängimise maagiaga, tsirkusekunst, nukuteater.

Ilmaliku kultuuri teine ​​pool oli rüütli- (õukondlik) kultuur (ilmalike feodaalide kultuur). Peaaegu kõik õilsad inimesed olid rüütlid – vaestest sõdalastest kuningateni. Kujundati spetsiaalne rüütlikoodeks, mille kohaselt pidi rüütel koos julguse ja vaprusega olema rafineeritud kombed, haritud, helde, suuremeelne ja teenima ustavalt Kaunist Daami. Kõik rüütlielu aspektid kajastusid trubaduuride (Provence – Lõuna-Prantsusmaa), trouvère’ide (Põhja-Prantsusmaa) ja minnesingeride (Saksamaa) muusikalises ja poeetilises kunstis. Trubaduurikunst seostub eelkõige armastuslaulusõnadega. Armastussõnade populaarseim žanr oli canzona (Minnesingerite hulgas - “Hommikulaulud” - albumid).

Trubaduuride kogemusi laialdaselt ära kasutades lõi Trouvères oma originaalžanrid: “kudumislaulud”, “Mailaulud”. Trubaduuride, trouvèrede ja minnesingeride muusikažanrite oluliseks valdkonnaks olid laulu- ja tantsužanrid: rondo, ballaad, virele (refräänivormid), aga ka kangelaseepos ( Prantsuse eepos"Rolandi laul", saksa keel - "Nibelungide laul"). Ristisõdijate laulud olid Minnesingerite seas laialt levinud.

Trubaduuride, trouvèrede ja minnesingeride kunsti iseloomulikud jooned:

Monofoonia on tagajärg meloodia lahutamatule seosele poeetilise tekstiga, mis tuleneb muusikalise ja poeetilise kunsti olemusest. Monofoonia vastas ka keskendumisele oma kogemuste individualiseeritud väljendamisele, isiklikule hinnangule väite sisule (sageli raamistati isiklike kogemuste väljendamist looduspiltide kujutamisega).

Peamiselt vokaalne esitus. Pillide roll polnud märkimisväärne: see taandus sissejuhatuste, vahepalade ja vokaalmeloodiat raamivate järellugude esitamisele.

Rüütellikust kunstist ei saa veel rääkida kui professionaalsest, kuid esimest korda loodi ilmaliku musitseerimise tingimustes võimas muusikaline ja poeetiline suund arenenud väljendusvahendite kompleksi ja suhteliselt täiusliku muusikalise kirjaga.

Üks neist olulisi saavutusi Küpsel keskajal, alates X-XI sajandist, arenesid linnad (burgeri kultuur). Linnakultuuri põhijooned olid kirikuvastasus, vabadust armastav orientatsioon, seosed folklooriga ning selle naeru- ja karnevali iseloom. Arenev gootika arhitektuuriline stiil. Kujunevad uued polüfoonilised žanrid: 13.–14.–16. - motett (prantsuse keelest - "sõna". Motetti iseloomustab häälte meloodiline erinevus, mis intoneerisid samaaegselt erinevaid tekste - sageli isegi erinevates keeltes), madrigal (itaalia keelest - "laul emakeeles", st itaalia keeles. Tekstid armastuslüüriline, pastoraalne), caccia (itaalia keelest - "hunt" - vokaalpala, mis põhineb jahti kujutaval tekstil).

Rändavad rahvamuusikud liiguvad rändava eluviisi juurest paiksele eluviisile, asustavad terveid linnakvartaleid ja moodustavad ainulaadseid "muusikute gilde". Alates 12. sajandist, vagandid ja goliardid, deklasseeritud inimesed alates erinevad klassid(kooliõpilased, põgenenud mungad, hulkuvad vaimulikud). Erinevalt kirjaoskamatutest žonglööridest - suulise pärimuse kunsti tüüpilistest esindajatest - olid vagandid ja goliardid kirjaoskajad: nad teadsid ladina keelt ja klassikalise värsireegleid, komponeerisid muusikat - laule (kujundite hulk on seotud kooliteadus ja üliõpilaselu) ja isegi keerulised esseed nagu dirigendid ja motettid.

Ülikoolid on muutunud oluliseks muusikakultuuri keskuseks. Muusika ehk täpsemalt muusikaline akustika koos astronoomia, matemaatika ja füüsikaga kuulus kvadriumi, s.o. neljast ülikoolides õpitavast distsipliinist koosnev tsükkel.

Nii olid keskaegses linnas erineva iseloomu ja sotsiaalse suunitlusega muusikakultuuri keskused: rahvamuusikute ühendused, õukonnamuusika, kloostri- ja katedraalimuusika ning ülikooli muusikapraktika.

Keskaja muusikateooria oli teoloogiaga tihedalt seotud. Vähestes meieni jõudnud muusikateoreetilistes käsitlustes käsitleti muusikat kui "kiriku käsilast". Varakeskaja silmapaistvatest traktaatidest torkavad silma 6 Augustinuse raamatut “Muusikast”, 5 Boethiuse raamatut “Muusika rajamisest” jne. Tore koht need traktaadid keskendusid abstraktsetele skolastilistele küsimustele, muusika kosmilise rolli õpetusele jne.

Keskaegse režiimide süsteemi töötasid välja kiriku professionaalse muusikakunsti esindajad - seepärast omistati keskaegsetele režiimidele nimetus "kirikurežiimid". Peamisteks viisideks kujunesid välja Joonia ja Lipari režiimid.

Keskaja muusikateooria esitas heksakordide õpetuse. Igas režiimis kasutati praktikas 6 sammu (näiteks: do, re, mi, fa, salt, la). Si siis välditi, sest koos F-ga moodustas see liikumise suurenenud neljandale, mida peeti väga dissonantseks ja mida piltlikult nimetati "kuradiks muusikas".

Mittevastastikune salvestamine oli laialdaselt kasutusel. Guido Aretinsky täiustas noodikirja süsteemi. Tema reformi olemus oli järgmine: nelja joone olemasolu, üksikute ridade kolmas suhe, võtmemärk (algselt tähestikuline) või joonte värvimine. Samuti võttis ta kasutusele silbimärgid režiimi esimese kuue astme jaoks: ut, re, mi, fa, sol, la.

Kasutusele võeti mensuraalne noodikiri, kus igale noodile määrati teatud rütmiline mõõt (ladina mensura – mõõt, mõõt). Kestuste nimetused: maxima, longa, brevis jne.

14. sajand on üleminekuperiood keskaja ja renessansi vahel. 14. sajandi Prantsusmaa ja Itaalia kunsti nimetati “Ars nova” (ladina keelest - uus kunst) ja Itaalias olid sellel kõik vararenessansi omadused. Põhijooned: keeldumine eranditult kirikumuusika žanrite kasutamisest ja pöördumine ilmalike vokaal-instrumentaalsete kammeržanride poole (ballaad, caccia, madrigal), lähenemine igapäevasele laulule ja erinevate muusikariistade kasutamine. Ars nova on vastand nn. ars antiqua (lat. ars antiqua – vana kunst), mis tähendab muusikalist kunsti enne 14. sajandi algust. Suurimad esindajadаrs nova olid Guillaume de Machaut (14. sajand, Prantsusmaa) ja Francesco Landino (14. sajand, Itaalia).

Seega esindab keskaja muusikakultuur hoolimata vahendite suhtelisest piiratusest enamat kõrge tase võrreldes muusikaga Vana maailm ja sisaldab eeldusi renessansiaegse muusikakunsti suurejooneliseks õitsenguks.

muusika keskaegne gregooriuse trubaduur

Muusika keskaegne ajastu - arendusperioodmuusikaline kultuur, mis hõlmab ajavahemikku alates ligikaudu V kuni XIV sajandil pKr .
Keskajal Euroopas tekkimas on uut tüüpi muusikakultuur - feodaalne , mis ühendab professionaalse kunsti, amatöörmuusika ja rahvaluule Sest kirik domineerib kõigis vaimse elu valdkondades, professionaalse muusikakunsti aluseks on muusikute tegevus aastal templid ja kloostrid . Ilmalikku professionaalset kunsti esindasid algselt ainult lauljad, kes lõid ja esitasid eepilisi jutte õukonnas, aadlimajades, sõdalaste seas jne. bardid, skaldid ja jne). Aja jooksul kujunevad välja amatöör- ja poolprofessionaalsed muusika mängimise vormid rüütellikkus: Prantsusmaal - trubaduuride ja trouvèrede kunst (Adam de la Halle, XIII sajand), Saksamaal - minnesingerid ( Wolfram von Eschenbach, Walter von der Vogelweide, XII - XIII sajand ), kui ka linna käsitöölised Feodaallossides ja linnades kasvatatakse igasuguseid perekondi, laulude žanrid ja vormid (eepos, “koit”, rondo, le, virele, ballaadid, kanzonid, laudad jne).
Igapäevaellu tulevad uuedMuusikariistad, sealhulgas need, kes tulid Ida (viiul, lauto jne), tekivad (ebastabiilsete kompositsioonide) ansamblid. Talupoegade seas õitseb rahvaluule. On ka "rahvaprofessionaale": jutuvestjad , reisivad süntesaatorid (žonglöörid, miimid, minstrelid, shpilmanid, buffoonid ). Muusika täidab taas peamiselt rakenduslikke ja vaimseid-praktilisi funktsioone. Loovus toimib koosesitus(tavaliselt üks inimene).
Nii muusika sisult kui ka vormilt domineerib kollektiivsus ; individuaalne printsiip on allutatud üldprintsiibile, eristumata sellest (meistermuusik on parim esindaja kogukonnad ). Kõiges valitseb range traditsioonilisus ja kanoonilisus . Konsolideerimine, säilitamine ja levitamine traditsioonid ja standardid.
Tasapisi, ehkki aeglaselt, rikastub muusika sisu, selležanrid, vormid , väljendusvahendid. IN Lääne-Euroopa 6. - 7. sajandist . tekkimas on rangelt reguleeritud süsteemühehäälne (monoodiline) ) kirikumuusika baasil diatoonilised režiimid ( Gregoriuse laul), ühendades retsiteerimise (psalmodia) ja laulmise (hümnid ). 1. ja 2. aastatuhande vahetusel, polüfoonia . Moodustuvad uued vokaal (koor ) ja vokaal-instrumentaal (koor ja orel) žanrid: organum, motett, dirigent, seejärel missa. Prantsusmaal 12. sajandil moodustub esimene helilooja (loomingu) kool kl Notre Dame'i katedraal(Leonin, Perotiin). Renessansi vahetusel (ars nova stiil Prantsusmaal ja Itaalias, 14. sajand) aastal professionaalne muusikamonofoonia tõrjutakse välja polüfoonia , hakkab muusika järk-järgult vabanema puhtpraktilistest funktsioonidest (kirikuteenistus rituaalid ), suurendab see tähendust ilmalik žanrid, sealhulgas laulud ( Guillaume de Machaut).

Taaselustamine.

Muusika perioodil XV-XVII sajandil.
Keskajal oli muusika kiriku eesõigus, mistõttu enamik muusikateoseid olid pühad, põhinedes kirikulaulul (gregooriuse koraal), mis on kuulunud religiooni juba kristluse algusest peale. 17. sajandi alguses kuulutati paavst Gregorius I otsesel osalusel kultuslikud viisid lõpuks pühakuks. Gregoriuse laulu esitasid professionaalsed lauljad. Pärast mitmehäälsuse arengut kirikumuusikas jäi gregooriuse laul mitmehäälsete religioossete teoste (missa, motetid jne) temaatiliseks aluseks.

Keskajale järgnes renessanss, mis oli muusikute jaoks avastamise, uuenduste ja uurimiste ajastu, kõigi kultuuriliste ja teaduslike eluvormide kihtide renessansi ajastu muusikast ja maalikunstist astronoomia ja matemaatikani.
Kuigi muusika jäi suures osas religioosseks, avas kiriku kontrolli nõrgenemine ühiskonna üle heliloojatele ja interpreetidele suurema vabaduse oma andeid väljendada.
Trükipressi leiutamisega sai võimalikuks nootide trükkimine ja levitamine ning sellest hetkest sai alguse see, mida me nimetame klassikaliseks muusikaks.
Sel perioodil ilmusid uued muusikariistad. Kõige populaarsemad olid pillid, mida muusikasõbrad said mängida lihtsalt ja lihtsalt, ilma erilisi oskusi nõudmata.
Just sel ajal ilmus viiul, viiuli eelkäija. Tänu frettidele (puidust ribad üle kaela) oli seda lihtne mängida ning selle heli oli vaikne, õrn ja kõlas hästi väikestes saalides.
Populaarsed olid ka puhkpillid – plokkflööt, flööt ja metsasarv. Kõige keerulisem muusika kirjutati vastloodud klavessiinile, virginelile (inglise klavessiin, mis eristub väiksusest) ja orelile. Samas ei unustanud muusikud ka lihtsamat muusikat, mis ei nõudnud kõrgeid esinemisoskusi. Samal ajal toimusid muudatused muusikalises kirjutamises: rasked puidust trükiklotsid asendati itaallase Ottaviano Petrucci leiutatud liikuvate metallitüüpidega. Avaldatud muusikateosed müüdi kiiresti läbi ja üha rohkem inimesi hakkas muusikaga tegelema.
Renessansi lõppu tähistas muusikaajaloo olulisim sündmus – ooperi sünd. Rühm humaniste, muusikuid ja luuletajaid kogunes Firenzesse nende juhi krahv Giovanni De Bardi (1534–1612) patrooni all. Rühma kutsuti "camerataks", selle põhiliikmed olid Giulio Caccini, Pietro Strozzi, Vincenzo Galilei (astronoom Galileo Galilei isa), Giloramo Mei, Emilio de Cavalieri ja Ottavio Rinuccini nooremas eas.
Rühma esimene dokumenteeritud koosolek toimus 1573. aastal ja kõige aktiivsemad tööaastad "Florentine Camerata "olid 1577 - 1582. Nad uskusid, et muusika on "riknenud" ja püüdsid naasta Vana-Kreeka vormi ja stiili juurde, uskudes, et muusikakunsti saab parandada ja vastavalt sellele paraneb ka ühiskond. Camerata kritiseeris olemasolevat muusikat selle ülemäärase polüfoonia kasutamise arvelt arusaadavuse arvelt ja teose poeetilise komponendi kadumise tõttu ning tegi ettepaneku luua uus muusikastiil, milles monodilises stiilis teksti saadaks instrumentaalmuusika. Nende katsete tulemusel loodi uuest vokaal-muusikalisest vormist - retsitatiivist, mida esmakordselt kasutas Emilio de Cavalieri, mis oli hiljem otseselt seotud ooperi arenguga.
Esimene ametlikult tunnustatudooper , kaasaegsetele standarditele vastav ooper "Daphne" (Daphne), esitleti esmakordselt 1598. "Daphne" autorid olid Jacopo Peri ja Jacopo Corsi, libreto Ottavio Rinuccini. See ooper pole säilinud. Esimene säilinud ooper on samade autorite "Eurydice" (1600) - Jacopo Peri ja Ottavio Rinuccini. See loominguline liit lõi ka palju teoseid, millest enamik on kadunud.

Varajane barokkmuusika (1600-1654)

Baroki- ja renessansiajastu konventsionaalseks üleminekupunktiks võib pidada itaalia helilooja Claudio Monteverdi (1567-1643) retsitatiivse stiili loomist ja itaalia ooperi järjekindlat arengut. Ooperietenduste algus Roomas ja eriti Veneetsias tähendas juba uue žanri tunnustamist ja levikut üle riigi. See kõik oli vaid osa suuremast protsessist, mis haaras kõiki kunste ning avaldus eriti selgelt arhitektuuris ja maalikunstis.
Renessansiajastu heliloojad pöörasid tähelepanu muusikateose iga osa läbitöötamisele, pööramata nende osade võrdlemisele peaaegu üldse tähelepanu. Eraldi võis iga osa kõlada suurepäraselt, kuid lisamise harmooniline tulemus oli pigem juhuse kui regulaarsuse küsimus. Figuurilise bassi ilmumine viitas olulisele muutusele muusikalises mõtlemises – nimelt oli harmoonia, mis on "osade kokku panemine üheks tervikuks", sama oluline kui meloodilised osad (polüfoonia) ise. Üha enam paistsid polüfoonia ja harmoonia sama eufoonilise muusika komponeerimise idee kahe küljena: komponeerimisel pöörati harmoonilistele jadadele dissonantsi loomisel sama tähelepanu kui tritoonidele. Harmooniline mõtlemine eksisteeris ka mõne eelmise ajastu helilooja, näiteks Carlo Gesualdo, seas, kuid barokiajastul sai see üldtunnustatud.
Ta sildistas need teoste osad, kus modaalsust ja tonaalsust ei saa selgelt eraldada segaduuriks või segamolliks (hiljem võttis ta nende mõistete kohta kasutusele vastavalt terminid “monaalduur” ja “monaal-moll”). Tabelis on näha, kuidas tonaalne harmoonia juba varabarokiajal tõrjub praktiliselt välja eelmise ajastu harmoonia.
Itaaliast saab uue stiili keskus. Kuigi paavstkond oli haaratud reformatsioonivastasesse võitlusesse, kuid omas sellest hoolimata tohutuid rahalisi ressursse, mida täiendasid Habsburgide sõjalised kampaaniad, otsis ta võimalusi katoliku usu levitamiseks kultuurilise mõju laiendamise kaudu. Arhitektuuri, kaunite kunstide ja muusika pompsuse, suursugususe ja keerukusega katoliiklus näis vaidlevat askeetliku protestantismiga. Rikkad Itaalia vabariigid ja vürstiriigid võistlesid aktiivselt ka kaunite kunstide vallas. Üks olulisi muusikakunsti keskusi oli Veneetsia, mis oli sel ajal nii ilmaliku kui ka kiriku patrooni all.
Varase baroki perioodi märkimisväärne tegelane, kelle positsioon oli katoliikluse poolel, vastandades protestantismi kasvavale ideoloogilisele, kultuurilisele ja sotsiaalsele mõjule, oli Giovanni Gabrieli. Tema tööd kuuluvad “kõrgrenessansi” stiili (renessansi õitseaeg). Mõned tema uuendused instrumentatsiooni vallas (oma, konkreetsete ülesannete andmine teatud instrumendile) viitavad aga selgelt sellele, et ta oli üks heliloojatest, kes mõjutas uue stiili tekkimist.
Üks kiriku poolt vaimuliku muusika kompositsioonile seatud nõudeid oli, et vokaaliga teoste tekstid oleksid loetavad. See eeldas polüfooniat eemaldumist muusikaliste tehnikate poole, kus sõnad tõusid esiplaanile. Vokaal muutus saatega võrreldes keerulisemaks ja helgemaks. Nii arenes homofoonia.
Monteverde Claudio(1567-1643), itaalia helilooja. Miski ei köitnud teda rohkem kui inimese sisemise, vaimse maailma paljastamine tema dramaatilistes kokkupõrgetes ja konfliktides välismaailmaga. Monteverdi on traagilist laadi konfliktdramaturgia tõeline rajaja. Ta on tõeline inimhingede laulja. Ta püüdles visalt muusika loomuliku väljendusrikkuse poole. "Inimkõne on harmoonia armuke, mitte selle teenija."
"Orpheus" (1607) - Ooperi muusika on keskendunud traagilise kangelase sisemaailma paljastamisele. Tema osa on ebatavaliselt mitmetahuline, sulandades kokku erinevad emotsionaalsed ja ekspressiivsed voolud ning žanriliinid. Ta kutsub entusiastlikult oma põlismetsasid ja rannikuid või leinab oma Eurydice kaotust kunstitute rahvalaulude järgi.

Küpse baroki muusika (1654-1707)

Kõrgeima võimu tsentraliseerimise perioodi Euroopas nimetatakse sageli absolutismiks. Absolutism saavutas oma haripunkti Prantsuse kuninga Louis XIV ajal. Kogu Euroopa jaoks oli Louisi õukond eeskujuks. Kaasa arvatud õukonnas esitatav muusika. Kammermuusika arengule andis tõuke muusikainstrumentide (eriti klahvpillide) suurenenud kättesaadavus.
Küps barokk erineb varabarokist uue stiili laialdase leviku ja muusikavormide suurenenud eraldatuse poolest, eriti ooperis. Nagu kirjanduses, on muusikateoste voogedastusvõimalus viinud suurema publikuni; intensiivistus vahetus muusikakultuuri keskuste vahel.
Louis XIV õukonna õukonnaheliloojate silmapaistev esindaja oli Giovanni Battista Lulli (1632-1687). Juba 21-aastaselt sai ta "instrumentaalmuusika õukonnahelilooja" tiitli. Lully loometöö oli algusest peale tihedalt seotud teatriga. Pärast õukonna kammermuusika organiseerimist ja “airs de cour’i” koostamist hakkas ta kirjutama balletimuusikat. Louis XIV ise tantsis ballettides, mis olid siis õukonnaaadli lemmikmeelelahutus. Lully oli suurepärane tantsija. Tal oli võimalus osaleda lavastustes, tantsides koos kuningaga. Ta on tuntud koostöö poolest Moliere'iga, kelle näidendite jaoks ta muusikat kirjutas. Kuid Lully töös oli põhiline ikkagi ooperite kirjutamine. Üllataval kombel lõi Lully täieliku prantsuse ooperitüübi; nn Prantsusmaal lüüriline tragöödia(prantsuse tragedie lyrique) ja saavutas kahtlemata loomingulise küpsuse juba esimestel tööaastatel aastal. ooperimaja. Lully kasutas sageli kontrasti orkestriosa majesteetliku kõla ning lihtsate retsitatiivide ja aariate vahel. Lully muusikakeel pole kuigi keeruline, kuid kindlasti uus: harmoonia selgus, rütmiline energia, vormijaotuse selgus, faktuuri puhtus räägivad homofoonilise mõtlemise põhimõtete võidukäigust. Paljuski aitas tema edule kaasa ka oskus valida orkestrisse muusikuid ja nendega töötamine (proove juhatas ta ise). Tema loomingu lahutamatuks elemendiks oli tähelepanu harmooniale ja soolopillile.
Inglismaal iseloomustas küpset barokki Henry Purcelli (1659-1695) geniaalne geenius. Ta suri noorelt, 36-aastaselt, olles kirjutanud suure hulga teoseid ja saanud oma elu jooksul laialt tuntuks. Purcell oli tuttav Corelli ja teiste itaalia barokiheliloojate loominguga. Tema patroonid ja kliendid olid aga teistsugused inimesed kui Itaalia ja Prantsuse ilmalik ja kiriklik aadel, nii et Purcelli kirjutised erinevad oluliselt Itaalia koolkonnast. Purcell töötas paljudes žanrites; lihtsatest vaimulikest hümnidest marsimuusikani, suureformaadilistest vokaalteostest lavamuusikani. Tema kataloogis on üle 800 teose. Purcellist sai üks esimesi klahvpillimuusika heliloojaid, kelle mõju ulatub tänapäevani.
Erinevalt ülaltoodud heliloojatest on Dietrich Buxtehude (1637-1707) ei olnud õukonna helilooja. Buxtehude töötas organistina algul Helsingborgis (1657-1658), seejärel Elsinores (1660-1668) ja seejärel, alates 1668. aastast, St. Maarja Lübeckis. Raha teenis ta mitte oma teoste avaldamisega, vaid neid esitades ning eelistas aadli patroonile kirikutekstidel põhineva muusika loomist ja oma oreliteoste esitamist. Kahjuks pole kõik selle helilooja teosed säilinud. Buxtehude muusika on suuresti üles ehitatud tema plaanide mastaabile, kujutlusvõime rikkusele ja vabadusele, kalduvusele paatosele, dramaatilisusele ja mõneti oratoorsele intonatsioonile. Tema looming avaldas tugevat mõju sellistele heliloojatele nagu J. S. Bach ja Telemann.

Hilisbarokkmuusika (1707-1760)

Täpne piir küpse ja hilisbaroki vahel on vaidluse küsimus; see jääb kuskil 1680. ja 1720. aasta vahele. Suur osa selle määratluse keerukusest on asjaolu, et a. erinevad riigid stiilid muutusid asünkroonselt; uuendused, mida ühes kohas juba reeglina aktsepteeriti, olid teises uued avastused
Eelmise perioodi avastatud vormid saavutasid küpsuse ja suure varieeruvuse; kontserdil, süidil, sonaadil, concerto grossol, oratooriumil, ooperil ja balletil ei olnud enam selgelt määratletud rahvuslikke tunnuseid. Kõikjal kinnistuvad üldtunnustatud teoste mustrid: korduv kaheosaline vorm (AABB), lihtne kolmeosaline vorm (ABC) ja rondo.
Antonio Vivaldi (1678-1741) – Itaalia helilooja, sündinud Veneetsias. 1703. aastal pühitseti ta katoliku preestriks. Just nendesse, tol ajal veel arenevatesse instrumentaalžanridesse (barokksonaat ja barokkkontsert) andis Vivaldi oma suurima panuse. Vivaldi lõi üle 500 kontserdi. Ta andis mõnele oma teosele ka programmilised pealkirjad, näiteks kuulsale "Aastaajad".
Domenico Scarlatti (1685-1757) oli oma aja üks juhtivaid klahvpilliheliloojaid ja interpreete. Kuid võib-olla oli kõige kuulsam õukonnahelilooja George Frideric Händel (1685-1759). Ta sündis Saksamaal, õppis kolm aastat Itaalias, kuid lahkus 1711. aastal Londonist, kus alustas oma säravat ja äriliselt edukat karjääri iseseisva ooperiheliloojana, täites aadli tellimusi. Väsimatu energiaga töötas Händel ümber teiste heliloojate materjale ja töötas pidevalt enda oma enda kompositsioonid. Näiteks on ta tuntud selle poolest, et ta on kuulsa oratooriumi "Messias" nii palju kordi ümber töötanud, et nüüd pole ühtegi versiooni, mida saaks nimetada "autentseks".
Pärast tema surma tunnistati teda Euroopa juhtivaks heliloojaks ja teda õppisid klassikalise ajastu muusikud. Händel segas oma muusikas improvisatsiooni ja kontrapunkti rikkalikke traditsioone. Muusikalise dekoratsiooni kunst saavutas tema töödes väga kõrge arengutaseme. Ta reisis üle Euroopa, et uurida teiste heliloojate muusikat ja seetõttu oli tal väga lai tutvusringkond teiste stiilide heliloojate seas.
Johann Sebastian Bach sündinud 21. märtsil 1685 Saksamaal Eisenachis. Oma elu jooksul komponeeris ta üle 1000 teose erinevates žanrites, välja arvatud ooper. Kuid oma elu jooksul ei saavutanud ta märkimisväärset edu. Mitu korda kolides asendas Bach üht mitte eriti kõrget ametikohta teise järel: Weimaris oli ta Weimari hertsogi Johann Ernsti õukonnamuusik, seejärel sai temast Püha kiriku oreli hooldaja. Bonifatius Arnstadtis võttis paar aastat hiljem vastu organisti koha Püha kirikus. Blasius Mühlhausenis, kus töötas vaid umbes aasta, misjärel naasis Weimari, kus asus õukonnaorganisti ja kontserdikorraldaja kohale. Ta jäi sellele ametikohale üheksa aastat. 1717. aastal palkas Anhalt-Kötheni hertsog Leopold Bachi bändimeistriks ning Bach hakkas elama ja töötama Köthenis. 1723. aastal kolis Bach Leipzigi, kuhu jäi kuni oma surmani 1750. aastal. Elu viimastel aastatel ja pärast Bachi surma hakkas tema kuulsus heliloojana langema: tema stiili peeti võrrelduna tärkava klassitsismiga vanamoodsaks. Teda tunti ja mäletati rohkem kui esitajat, õpetajat ja nooremate Bachide isa, eriti Carl Philipp Emmanueli, kelle muusika oli tuntum.
Alles Mendelssohni Püha Matteuse passiooni esitamine 79 aastat pärast J. S. Bachi surma äratas huvi tema loomingu vastu. Nüüd on J. S. Bach üks populaarsemaid heliloojaid
Klassitsism
Klassitsism on stiil ja suund 17. sajandi – 19. sajandi alguse kunstis.
See sõna pärineb ladina keelest classicus – eeskujulik. Klassitsism põhines usul eksistentsi ratsionaalsusesse, sellesse, et inimloomus on harmooniline. Klassikud nägid oma ideaali iidses kunstis, mida nad pidasid täiuslikkuse kõrgeimaks vormiks.
XVIII sajandil algas ühiskondliku teadvuse arengus uus etapp – valgustusajastu. Vana ühiskonnakord hävib; inimväärikuse, vabaduse ja õnne austamise ideed omandavad ülima tähtsuse; indiviid saavutab iseseisvuse ja küpsuse, kasutab oma intelligentsust ja kriitilist mõtlemist. Barokiajastu ideaalid oma pompse, pompse ja pidulikkusega asenduvad uue loomulikkusele ja lihtsusele rajatud elustiiliga. Saabub aeg Jean-Jacques Rousseau idealistlikeks vaadeteks, mis kutsuvad pöörduma tagasi looduse, loomuliku vooruse ja vabaduse juurde. Koos loodusega idealiseeritakse antiikajast, kuna usuti, et just antiikajal õnnestus inimestel ellu viia kõik inimlikud püüdlused. Muistset kunsti nimetatakse klassikaliseks, seda peetakse eeskujulikuks, kõige tõepärasemaks, täiuslikumaks, harmoonilisemaks ning erinevalt barokiajastu kunstist peetakse seda lihtsaks ja arusaadavaks. Fookuses koos muude oluliste aspektidega on haridus, lihtrahva positsioon ühiskonnakorralduses, geniaalsus kui inimese vara.

Mõistus valitseb ka kunstis. Tahtes rõhutada kunsti kõrget eesmärki, selle sotsiaalset ja kodanikurolli, kirjutas prantsuse filosoof ja koolitaja Denis Diderot: "Iga skulptuuri- või maaliteos peaks väljendama mõnda suurt elureeglit, peaks õpetama."

Teater oli ühtaegu elu õpik ja elu ise. Lisaks on teatris tegevus väga korrastatud ja mõõdetud; see jaguneb aktideks ja stseenideks, mis omakorda jagunevad tegelaste üksikuteks koopiateks, luues 18. sajandile nii kalli kunstiideaali, kus kõik on omal kohal ja allub loogilistele seadustele.
Klassitsismi muusika on ülimalt teatraalne, näib teatrikunsti kopeerivat, jäljendavat.
Klassikalise sonaadi ja sümfoonia jagamine suurteks osadeks - osadeks, millest igaühes on palju muusikalisi "sündmusi" - sarnaneb näidendi tegevusteks ja stseeniks jagamisega.
Muusikas klassikaline vanus Tihti on vihjatud süžee, teatud tegevus, mis rullub publiku ees lahti samamoodi nagu teatritegevus publiku ees.
Kuulajal tuleb lihtsalt oma kujutlusvõime sisse lülitada ja ära tunda klassikalise komöödia või tragöödia tegelased “muusikaliietes”.
Teatrikunst aitab selgitada ka 18. sajandil toimunud suuri muutusi muusika esituses. Varem oli põhiline muusika kõlamise koht tempel: selles asus inimene all, tohutus ruumis, kus muusika näis aitavat tal üles vaadata ja oma mõtteid Jumalale pühendada. Nüüd, 18. sajandil, kostab muusikat aristokraatlikus salongis, aadlimõisa ballisaalis või linnaväljakul. Valgustusajastu kuulaja näib suhtuvat muusikasse eeskätt ega koge enam seda mõnu ja kartlikkust, mida see kirikus kõlades temas inspireeris.
Muusikas pole enam oreli võimsat, pidulikku kõla ja koori roll on kahanenud. Klassikalise stiili muusika kõlab kergelt, selles on palju vähem helisid, justkui “kaaluks vähem” kui mineviku raske, mitmekihiline muusika. Oreli ja koori kõla asendus sümfooniaorkestri kõlaga; ülevad aariad andsid teed kergele, rütmilisele ja tantsulisele muusikale.
Tänu piiritule usule inimmõistuse võimetesse ja teadmiste jõusse hakati 18. sajandit nimetama mõistuse ajastuks või valgustusajastuks.
Klassitsismi õitseaeg algas XVIII sajandi 80ndatel. 1781. aastal lõi J. Haydn mitmeid uuenduslikke teoseid, sealhulgas Keelpillikvarteti op. 33; Toimub V. A. ooperi esietendus. Mozarti "Röövimine Seraliost"; Ilmub F. Schilleri draama "Röövlid" ja I. Kanti "Puhta mõistuse kriitika".

Klassikaperioodi eredamad esindajad on Viini klassikalise koolkonna heliloojad Joseph Haydn, Wolfgang Amadeus Mozart ja Ludwig van Beethoven. Nende kunst imetleb kompositsioonitehnika täiuslikkust, loovuse humanistlikku suunitlust ja W. A. ​​Mozarti muusikas eriti märgatavat soovi näidata muusika abil täiuslikku ilu.

Viini klassikalise koolkonna kontseptsioon tekkis varsti pärast L. Beethoveni surma. Klassikalist kunsti eristab õrn tasakaal tunnete ja mõistuse, vormi ja sisu vahel. Renessansiajastu muusika peegeldas oma ajastu vaimu ja hingust; barokiajastul oli muusikas eksponeerimise teemaks inimese seisund; Klassikaajastu muusika ülistab inimese tegusid ja tegusid, tema kogetavaid emotsioone ja tundeid, tähelepanelikku ja terviklikku inimmõistust.

Ludwig Van Beethoven (1770–1827)
Saksa heliloojat peetakse sageli kõigi aegade suurimaks heliloojaks.
Tema loomingut liigitatakse nii klassitsismi kui ka romantismi alla.
Erinevalt oma eelkäijast Mozartist oli Beethovenil komponeerimisega raskusi. Beethoveni märkmikud näitavad, kuidas järk-järgult, samm-sammult, tekib ebakindlatest visanditest suurejooneline kompositsioon, mida iseloomustab veenev ehitusloogika ja haruldane ilu. Just loogika on peamine Beethoveni suuruse allikas, tema võrreldamatu võime organiseerida vastandlikud elemendid monoliitseks tervikuks. Beethoven kustutab vormilõikude vahelt traditsioonilised tsesuurid, väldib sümmeetriat, liidab tsükli osi ning arendab temaatilistest ja rütmilistest motiividest välja laiendatud konstruktsioone, mis esmapilgul ei sisalda midagi huvitavat. Teisisõnu loob Beethoven muusikalist ruumi oma mõistuse jõuga, oma tahtega. Ta nägi ette ja lõi neid kunstilisi liikumisi, mis said 19. sajandi muusikakunstile määravaks.

Romantism.
hõlmab ligikaudu aastaid 1800-1910
Romantilised heliloojad püüdsid muusikaliste vahenditega väljendada inimese sisemaailma sügavust ja rikkust. Muusika muutub silmapaistvamaks ja individuaalsemaks. Arendatakse laulužanre, sealhulgas ballaade.
Romantismi peamised esindajad muusikas on: Austria - Franz Schubert ; Saksamaal - Ernest Theodor Hoffmann, Carl Maria Weber, Richard Wagner, Felix Mendelssohn, Robert Schumann, Ludwig Spohr; V
jne.................

Keskaja muusika

Muusikaline kultuur Keskaeg on äärmiselt mahukas ja mitmekülgne ajalooline nähtus, mis paikneb kronoloogiliselt antiikaja ja renessansi ajastute vahel. Seda on raske ette kujutada ühe perioodina, kuna erinevates riikides kulges kunsti areng oma erilisi radu.

Keskaja eripäraks, mis jättis jälje kõikidesse tolleaegsetesse inimelu sfääridesse, oli kiriku juhtiv roll poliitikas, eetikas, kunstis jne. Sellest saatusest ei pääsenud ka muusika: seda polnud veel. eraldatud religioonist ja tal oli peamiselt vaimne funktsioon. Selle sisu, kujundlikkus ja kogu selle esteetiline olemus kehastasid maise elu väärtuste eitamist surmajärgse tasu nimel, askeesi kuulutamist ja välistest hüvedest eraldumist. Rahvakunsti, millel oli jätkuvalt paganlike uskumuste jälg, ründas sageli katoliku kiriku “ametlik” kunst.

Esimest perioodi – varakeskaega – arvestatakse tavaliselt ajastust, mis järgnes vahetult pärast Rooma impeeriumi langemist, s.o 6. sajandist pKr. e. Sel ajal eksisteeris ja rändas Euroopa territooriumil ajaloolise arengu erinevatel etappidel palju hõime ja rahvaid. Selle perioodi säilinud muusikakunsti mälestusmärgid on aga ainult kristliku kiriku muusika (peamiselt hilisemas noodikirjas), pärides ühelt poolt Rooma impeeriumi kultuuri, teisalt aga idamaade muusikat. (Judea, Süüria, Armeenia, Egiptus). Eeldatakse, et kristliku laulu esinemistraditsioonid - antifoon (kahe koorirühma vastandus) ja responsorlus (soololaulmise ja koori "vastuste" vaheldumine) - kujunesid välja ida mudelite alusel.

8. sajandiks Euroopa riigid ah, järk-järgult kujuneb välja liturgilise laulu traditsioon, mille aluseks on gregooriuse laul – paavst Gregorius I süstematiseeritud monofooniliste koorilaulude kogum. Siin tuleks üksikasjalikumalt peatuda Gregory enda isiksusel, kes oma figuuri ajaloos olulisuse tõttu pälvis tiitli Suure.

Ta sündis 540. aastal Roomas aadlipäritolu perekonnas, millel ei olnud rahalisi raskusi. Pärast vanemate surma sai Gregory rikkaliku pärandi ja suutis oma perekodus asutada mitu kloostrit Sitsiilias ja ühe Roomas Caeliani mäel. Ta valis elukohaks viimase kloostri, mida kutsuti Püha Apostli Andrease kloostriks.

Aastal 577 pühitseti Gregorius diakoniks, aastal 585 valiti ta asutatud kloostri rektoriks, aastal 590 valiti ta Rooma senati, vaimulike ja rahva ühehäälse otsusega paavsti troonile, millel ta oli kuni oma surmani aastal. 604 .

Isegi oma eluajal tundis Gregory läänes suurt austust ja teda ei unustatud isegi pärast tema surma. Tema tehtud imedest on palju lugusid. Ta sai kuulsaks ka kirjanikuna: biograafid võrdsustavad ta selles osas suurte filosoofide ja tarkadega. Lisaks on Gregorius Suur kirikumuusika arengu üks olulisemaid tegelasi. Teda tunnustatakse amv-rosia viiside süsteemi laiendamise ja spetsiaalse laulukooli loomise eest, mida nimetatakse cantus gregorianuseks.

Gregory on kogunud erinevaid lugusid kristlikud kirikud, tehes neist hiljem kogumiku nimega “Antiphonary”, mis aheldati kristliku laulu näitena Rooma Püha Peetruse kiriku altari külge.

Paavst võttis kasutusele oktaavisüsteemi, et asendada kreeka tetraakordide süsteemi, ja nimetas toonide nimed, mis olid varem kreekakeelsed, ladina tähtedega A, B, C jne, kusjuures kaheksas toon sai taas esimese tooni nime. . Kogu Gregorius Suure skaala koosnes 14 toonist: A, B, c, d, e, f, g, a, b, c 1, d 1, e 1, f 1, g 1. Tähel B (b) oli kahekordne tähendus: B ümmargune (B rotundum) ja B ruut (B quadratum), st B tasane ja B bekar, olenevalt vajadusest.

Aga tuleme tagasi paavst Gregory juurde, kellest sai muuhulgas Rooma laulukooli rajaja, innukalt koolitust jälgis ja isegi ise õpetas, karistades õpilasi hooletuse ja laiskuse eest karmilt.

Tuleb märkida, et järk-järgult gregooriuse laul, mis koosneb kahte tüüpi lauludest - psalmoodidest (teksti mõõdetud retsiteerimine Pühakiri, peamiselt ühel helikõrgusel, mille juures on üks laulu noot teksti silbi kohta) ja juubelilaulud (sõna “halleluuja” silpide vabad laulud), tõrjusid kirikust välja ambrosiaalse laulu. See erines viimasest selle poolest, et oli sujuv ja tekstist sõltumatu. See omakorda võimaldas meloodial kulgeda loomulikult ja sujuvalt ning muusikaline rütm sai edaspidi iseseisvaks, mis oli muusikaajaloo olulisim sündmus.

Koorilaulu mõju koguduseliikmetele suurendas kirikute kõrgete võlvide akustiline võime, mis peegeldab heli ja loob jumaliku kohalolu efekti.

Järgnevatel sajanditel, koos Rooma kiriku mõju levikuga, võeti gregooriuse laul kasutusele (mõnikord ka sunniviisiliselt) peaaegu kõigi Euroopa riikide jumalateenistustel. Selle tulemusena ühendasid 11. sajandi lõpuks kogu katoliku kirikut ühised jumalateenistuse vormid.

Sel ajal arenes muusikateadus tihedas seoses kloostrikultuuriga. 8. – 9. sajandil kujunes gregooriuse laulu põhjal välja keskaja kirikuviiside süsteem. See süsteem on seotud ühehäälse muusikalise struktuuriga monodiaga ja esindab kaheksat diatoonilist skaalat (Doriani, Hüpodoriuse, Früügia, Hüpofrüügia, Lüüdi, Hüpolüdiuse, Miksolüüdia, Hüpomiksolüüdia), millest igaüht keskaja teoreetikud ja praktikud tajusid teatud väljendusvõimete kombinatsioon (esimene närvilisus - "osav", teine ​​- "tõsine", kolmas - "kiire" jne).

Samal perioodil hakkas kujunema noodikiri, mida algul esindasid nn neumad – ikoonid, mis näitasid selgelt meloodia liikumist üles või alla. Hiljem arenesid neumadest välja muusikalised märgid. Noodikirja reformi viis 11. sajandi teisel veerandil läbi 990. aastal sündinud itaalia muusik Guido D'Arezzo. Tema lapsepõlvest teatakse vähe. Saanud täisealiseks, sai Guidost munk Ravenna lähedal Pomposa benediktiini kloostris.

Guido D'Arezzo

Loodus varustas teda heldelt erinevate annetega, mis andis talle võimaluse oma kaaslasi õppimises hõlpsasti ületada. Viimased olid kadedad tema edu ja selle peale, kui hästi Guido end lauluõpetajana näitas. Kõik see tõi kaasa ümbritsevate teravalt negatiivse ja osaliselt isegi vaenuliku suhtumise Guidosse ning lõpuks oli ta sunnitud kolima teise kloostrisse - Arezzosse, mille nime järgi sai ta oma hüüdnime Aretino.

Niisiis oli Guido üks oma aja silmapaistvamaid muusikuid ja tema uuendused vaimuliku laulu õpetamise vallas andsid hiilgavaid tulemusi. Ta pööras tähelepanu noodikirjale ja leiutas neljarealise süsteemi, mille järgi määras täpselt pooltoonide asukoha (need sõltusid neist, jäädes gregooriuse režiimide astmete vahele). iseloomuomadusedüks või teine ​​režiim, samuti sellel režiimil põhinev meloodia).

Püüdes meloodiat võimalikult täpselt salvestada, mõtles Guido välja erinevaid reegleid, mille vormistas keerukaks ja keerukaks süsteemiks uute toonide nimedega: ut, re, mi, fa, sol, la. Vaatamata mitmesugustele raskustele, mida taolise süsteemi kasutamine põhjustas, kestis see väga kaua ja selle jälgi leidub 18. sajandi teoreetikutel.

Huvitav on see, et alguses kiusati Guido D’Arezzot oma uuenduste pärast taga. Aga kuna süsteem andekas muusik hõlbustas oluliselt meloodiate salvestamist ja lugemist, saatis paavst ta auavaldustega Pomposa kloostrisse, kus Guido D’Arezzo elas kuni oma surmani, see tähendab kuni 1050. aastani.

XI aastal – XII sajandil arenduses kunstikultuur Keskajal toimus pöördepunkt, mille põhjustasid uued sotsiaalajaloolised protsessid (linnade kasv, ristisõjad, uute ühiskonnakihtide, sh rüütelkonna teke, ilmaliku kultuuri esimeste keskuste teke jne). Kogu Euroopas levivad uued kultuurinähtused. Toimub keskaegse romaani ja gooti stiili kujunemine ja levik arhitektuuris, muusikas areneb polüfooniline kirjutamine ning kujunevad ilmalikud muusikalised ja poeetilised laulusõnad.

Selle perioodi muusikakunsti arengu põhijooneks oli gregooriuse laulul põhineva polüfoonia väljakujunemine ja arendamine: lauljad lisasid kiriku põhimeloodiale teise hääle. Kahehäälsete esimestes näidetes, mis on salvestatud 9.–11. sajandi noodidesse, liiguvad hääled paralleelselt ühes rütmis (kvartside, kvintide või oktavide intervallidega). Hiljem ilmnevad häälte mitteparalleelse liikumise mustrid (“Üks laulja juhatab põhimeloodiat, teine ​​rändab kunstiliselt läbi teiste helide,” kirjutab teoreetik Guido D’Arezzo). Seda tüüpi kahe- ja polüfooniat nimetatakse lisatud hääle nime järgi organumiks. Hiljem hakati lisatud häält kaunistama melismidega ja see hakkas rütmiliselt vabamalt liikuma.

Eriti aktiivselt toimus polüfoonia uute vormide areng Pariisis ja Limoges’is 12. – 13. sajandil. See periood sisenes muusikakultuuri ajalukku kui “Notre Dame’i ajastu” (maailmakuulsa arhitektuurimälestise nime järgi, kus tegutses laulev kabel). Autorite hulgas, kelle nimed on ajalugu säilitanud, on organumite ja teiste polüfooniliste teoste autorid Leonin ja Perotin. Leonin lõi iga-aastase kirikulauluringi jaoks mõeldud "Suure orgaaniliste raamatute". Perotini nimetus on seotud kolme- ja neljahäälsele üleminekuga, meloodiakirjutuse edasise rikastamisega. Tuleb märkida, et Notre Dame'i koolkonna tähendus ei ole märkimisväärne mitte ainult Prantsusmaa, vaid ka kogu tolleaegse Euroopa kunsti jaoks.

Ilmalike žanrite kujunemist sel perioodil valmistas ette rändrahvamuusikute - žonglööride, minstrelite ja shpilmanide - töö. Ametliku kiriku poolt tõrjutud ja isegi tagakiusatud rändmuusikud olid esimesed ilmaliku laulusõnade, aga ka puhtalt instrumentaalse traditsiooni kandjad (kasutasid erinevaid puhk- ja poogenpille, harfi jne).

Sel ajal olid kunstnikeks näitlejad, tsirkuseartistid, lauljad ja pillimängijad, kes olid üheks veeretatud. Nad rändasid linnast linna, esinedes pidustustel õukondades, lossides, laadaplatsidel jne. Žonglööride, shpilmanide ja minstrelitega liitusid ka vagandid ja koliardid – õnnetud õpilased ja põgenenud mungad, tänu kellele levis kirjaoskus. Järk-järgult tekkis neis ringkondades spetsialiseerumine, rändkunstnikud hakkasid moodustama gilde ja asuma linnadesse.

Samal perioodil tekkis ainulaadne “intellektuaalne” kiht – rüütelkond, mille hulgas (rahuajal) lahvatas ka huvi kunsti vastu. 12. sajandil tekkis Provence'is trubaduuride kunst, millest sai erilise loomingulise liikumise alus. Enamasti pärinesid trubaduurid kõrgeimast aadlist ja olid muusikaliselt kirjaoskajad. Nad lõid keerukaid muusikalisi ja poeetilisi teoseid, milles laulsid maiseid rõõme, ristisõdade kangelaslikkust jne.

Trubaduur oli ennekõike poeet, kes sageli laenas meloodiat igapäevaelust ja tõlgendas seda loominguliselt ümber. Mõnikord palkasid trubaduurid oma laulu instrumentaalsaadeteks minstreleid ja palkasid žonglööre esitama ja muusikat koostama. Trubaduuridest, kelle nimed on meieni jõudnud läbi sajandite loori, on Juafre Rudel, Bernard de Ventadorn, Bertrand de Born, Rambout de Vaqueiras jt.

Trubaduuride luule avaldas otsest mõju trubade loovuse kujunemisele, mis oli demokraatlikum, kuna enamik truuve pärines linnaelanikelt. Mõned trouvère'id lõid töid tellimuse alusel. Tuntuim neist oli Arrase päritolu Adam de la Halle, 13. sajandi teise poole prantsuse luuletaja, helilooja ja näitekirjanik.

Trubaduuride ja trouvèrede kunst levis üle kogu Euroopa. Tema mõjul kujunesid Saksamaal sajand hiljem (13. sajand) välja Minnesingeri koolkonna traditsioonid, mille esindajad, andekad muusikud ja heliloojad, teenisid peamiselt õukondades.

14. sajandit võib pidada omamoodi üleminekuks renessansi. See periood seoses prantsuse muusika"Аrs Nova" ("Uus kunst") on tavaks nimetada nime järgi teaduslik töö, mille lõi 1320. aasta paiku Pariisi teoreetik ja helilooja Philippe de Vitry.

Tuleb märkida, et sel ajal ilmuvad kunstis tegelikult põhimõtteliselt uued elemendid: näiteks kinnitatakse (sealhulgas teoreetilisel tasandil) rütmilise jaotuse ja häälestamise uued põhimõtted, uued modaalsüsteemid (eelkõige muudatused ja tonaalne gravitatsioon). - st "teravad" ja "lamedad"), uued žanrid, mis jõuavad professionaalsete oskuste uuele tasemele.

14. sajandi suurimate muusikute hulka tuleb lisaks enda tekstide põhjal motete loonud Philippe de Vitryle lisada ka Guillaume de Machaut, kes sündis 1300. aasta paiku Champagne’is Machaut’ linnas.

Guillaume de Machaut teenis omal ajal Philip Õiglase naise Joan of Navarra õukonnas, hiljem sai temast Böömimaa Luksemburgi kuninga Johannese isiklik sekretär ja elu lõpus oli ta Karl V õukonnas. Prantsusmaa. Tema kaasaegsed austasid tema erakordset muusikalist annet, tänu millele oli ta mitte ainult hiilgav esineja, vaid ka suurepärane helilooja, kes jättis maha tohutu hulga teoseid: tema motete, ballaade, rondosid, kaanoneid ja muid laule (laul ja tants) vormid on meieni jõudnud.

Guillaume de Machaut’ muusika eristub rafineeritud väljendusrikkuse, graatsilisuse poolest ning on teadlaste sõnul Ars Nova ajastu vaimu väljendaja. Helilooja põhiteene seisneb selles, et ta kirjutas Karl V troonile tõusmise puhul ajaloo esimese missa.

Raamatust Pariis [juhend] autor autor teadmata

Cluny vannid ja keskaja muuseum Varemed ja keskaegne müür Saint-Germaini ja Saint-Micheli puiesteede ristumiskohas – Burgundia võimsaima Cluny kloostri abtide endine elukoht, mis ehitati Gallo-Rooma vannid (avalikud vannid) 2. sajandil pKr. e. IN

Raamatust Pariis. Giid autor Eckerlin Peter

Keskaja jäljed Mööda kitsast tänavat Rue du Pr?v?t võite leida end elava Marais' ühest vaiksemast paigast. Rue Figuieri lõpus asub Hotel de Sens (69), üks viimaseid säilinud keskaegseid paleesid. Palee ehitati umbes 1500. aastal Sensi peapiiskopile

Stockholmi raamatust. Giid autor Kremer Birgit

Helgeandsholmeni saar ja keskaja muuseum Kui nüüd suunduda lossist põhja poole, siis üle väikese Stallbroni silla satute Helgeandsholmenile (8) ehk Püha Vaimu saarele, millel kõrguvad võimsad hooned. kuninglikust pangast ja

Raamatust Keskaegne Prantsusmaa autor Polo de Beaulieu Marie-Anne

Raamatust Kõik Roomast autor Khoroševski Andrei Jurjevitš

Raamatust Kõik Pariisist autor Belochkina Julia Vadimovna

Raamatust I Explore the World. Suurepärased reisid autor Markin Vjatšeslav Aleksejevitš

Raamatust Encyclopedia of Symbolism: Painting, Graphics and Sculpture autor Cassou Jean K

Rooma keskajal „Kallid roomlased, te olete lugupeetud patriitsid ja teid, keda saatus on määranud kutsuda plebsideks! Meil on au teile teatada, et teie elus on toimunud suured muutused. Impeeriumi ajad on möödas, antiikaeg on minevik! Ees

Raamatust Millal saab aplodeerida? Juhend armastajatele klassikaline muusika autor Hope Daniel

Pariis varakeskajal Rooma impeeriumi kultuurilise järjepidevuse üheks olulisemaks mehhanismiks oli kirik, mis säilitas sama organisatsiooni, valitsemise, ladina keel side, aga ka sidemed Roomaga. Clovis oli Frangi kuningriigi rajaja.

Raamatust 200 kuulsat mürgitamist autor Antsõškin Igor

Keskajal, aastatuhandel ilma avastusteta Geograafia araabia keeles Läbimurre Hiinast läände Itaallased kuldhordis Polo vendade teekond tagasi itta"Suur-khaani romanss"Meremehed fjordidestJääriik ja roheline riik Viis sajandit tagasi

Raamatust Populaarne muusikaajalugu autor Gorbatšova Jekaterina Gennadievna

Sümbolistlik muusika: sümbolistlik muusika? “Wagneri juhtum” Kui sümbolistliku muusika olemasolu tõsiasja on raske ilma tõenditeta aktsepteerida, siis on võimatu eitada, et mõned heliloojad äratasid kirjandusliku sümboolika esindajate vastu erilist imetlust. Suurim

Raamatust Kodumuuseum autor Parch Susanna

UUS MUUSIKA ON ERINEV MUUSIKA Ma kahtlesin, kas need kolm teavad mu repertuaari või et sellised nimed nagu Adès, Turnage, Takemitsu, Kurtag, Lindberg või Müller-Wieland neile midagi tähendavad. Aga ma siiski loetlesin neid, 20. ja 21. sajandi heliloojaid, kes kirjutavad kaasaegset muusikat. Peal

Autori raamatust

KESKJAAST TÄNAPÄEVANI “Apteeker: valage see pulber mis tahes vedelikku ja jooge see kõik ära. Kui teil on jõudu rohkem kui kakskümmend inimest, surete kohe." V. Shakespeare. "Romeo ja Julia". POOLA SIHT JA MÜRGIKAARIS Legendaarne 8. sajandi Poola kuningas Leszek pärandas pärast seda.

Autori raamatust

KESKAJAST TÄNAPÄEVANI Balezin S. Aafrika suurte järvede ääres. – M.: Nauka, 1989. -208 lk Bogdanov A. Alandlikkus Joachimi järgi // Teadus ja religioon. -1995. – nr 7. Suur Nõukogude Entsüklopeedia: T. 40. – M.: Gosnauchizdat, 1955. – 760 lk Borisov Yu. Louis XIV diplomaatia. – M.: Rahvusvaheline.

Autori raamatust

Antiigi, keskaja ja renessansi muusikakultuur Antiikaja muusika Euroopa muusikakultuuri varaseimaks ajalooliseks arenguetapiks peetakse antiikmuusikat, mille traditsioonid pärinevad Lähis-Ida iidsematest kultuuridest.