Pierwszy rosyjski kompozytor operowy. Opera rosyjska. Łucja z Lammermoor. G. Donizettiego

Treść artykułu

ROSYJSKA OPERA. Rosyjska szkoła operowa – obok włoskiej, niemieckiej, francuskiej – ma znaczenie globalne; Dotyczy to przede wszystkim szeregu oper powstałych w drugiej połowie XIX wieku, a także kilku dzieł XX wieku. Jedna z najpopularniejszych oper na światowej scenie końca XX wieku. - Borys Godunow MP Musorgski, często też Dama pikowa PI Czajkowski (rzadko inne jego opery, głównie Eugeniusz Oniegin); cieszy się wielką sławą Książę Igor A.P. Borodin; 15 oper N.A. Rimskiego-Korsakowa regularnie pojawia się Złoty Kogucik. Wśród oper XX wieku. największy repertuar Anioł Ognia SS Prokofiew i Lady Makbet z rejonu mceńskiego D.D. Szostakowicz. Oczywiście nie wyczerpuje to bogactwa narodowej szkoły operowej.

Pojawienie się opery w Rosji (XVIII wiek).

Opera była jednym z pierwszych gatunków zachodnioeuropejskich, które zakorzeniły się na ziemi rosyjskiej. Już w latach 30. XVIII w. powstała włoska opera dworska, dla której pisali zagraniczni muzycy pracujący w Rosji w drugiej połowie wieku, pojawiły się publiczne przedstawienia operowe; opery wystawiane są także w teatrach fortecznych. Rozważana jest pierwsza rosyjska opera Melnik - czarownik, zwodziciel i swat Michaił Matwiejewicz Sokołowski do tekstu A. O. Ablesimowa (1779) to codzienna komedia z numerami muzycznymi o charakterze pieśniowym, która położyła podwaliny pod szereg popularnych dzieł tego gatunku - wczesną operę komiczną. Wśród nich wyróżniają się opery Wasilija Aleksiejewicza Paszkiewicza (ok. 1742–1797) ( Skąpy, 1782; Sankt Petersburg Gostiny Dvor, 1792; Kłopoty z wagonu, 1779) i Evstigney Ipatovich Fomin (1761-1800) ( Woźnicy na bazie, 1787; Amerykanie, 1788). W gatunku opera seria do francuskich librett napisano dwa utwory największego kompozytora tego okresu, Dmitrija Stiepanowicza Bortniańskiego (1751–1825): Sokół(1786) i Rywal Syn, czyli Współczesna Stratonics(1787); istnieją ciekawe eksperymenty w gatunkach melodramatu i muzyki na przedstawienie dramatyczne.

Opera przed Glinką (XIX w.).

W następnym stuleciu popularność gatunku operowego w Rosji rośnie jeszcze bardziej. Opera była szczytem aspiracji XIX-wiecznych kompozytorów rosyjskich, a nawet ci z nich, którzy nie pozostawili ani jednego dzieła w tym gatunku (np. M.A. Bałakiriew, A.K. Lyadov), przez wiele lat zastanawiali się nad pewnymi projektami operowymi. Przyczyny tego są jasne: po pierwsze opera, jak zauważył Czajkowski, była gatunkiem, który umożliwiał „mówienie językiem mas”; po drugie, opera umożliwiła artystyczne naświetlenie głównych problemów ideologicznych, historycznych, psychologicznych i innych, które zaprzątały umysły Rosjan w XIX wieku; Wreszcie w młodej kulturze zawodowej istniało silne zainteresowanie gatunkami, które obejmowały obok muzyki słowo, ruch sceniczny i malarstwo. Ponadto rozwinęła się już pewna tradycja - spuścizna pozostawiona w gatunku muzycznym i teatralnym XVIII wieku.

W pierwszych dekadach XIX wieku obumarły teatry dworskie i prywatne, monopol koncentrował się w rękach państwa. Życie muzyczne i teatralne obu stolic było bardzo żywe: pierwsza ćwierć wieku była rozkwitem rosyjskiego baletu; w XIX wieku w Petersburgu działały cztery grupy teatralne - rosyjska, francuska, niemiecka i włoska, z których pierwsze trzy wystawiały zarówno dramat, jak i operę, ostatnia - tylko operę; kilka zespołów pracowało także w Moskwie. Najbardziej stabilne okazało się przedsiębiorstwo włoskie – już na początku lat 70. XIX wieku młody Czajkowski, działający na polu krytycznym, musiał walczyć o przyzwoitą pozycję dla moskiewskiej opery rosyjskiej w porównaniu z operą włoską; Raek Musorgski, w którego jednym z odcinków wyśmiewa się pasję petersburskiej publiczności i krytyków do słynnych włoskich śpiewaków, powstał także na przełomie lat 70. XIX wieku.

Boildieu i Cavos.

Wśród zaproszonych w tym okresie do Petersburga kompozytorów zagranicznych wyróżniają się nazwiska słynnego francuskiego pisarza Adriena Boildieu ( cm. BUALDIEU, FRANCOIS ADRIENE) i włoskiego Caterino Cavos (1775-1840) , który w 1803 roku został dyrygentem oper rosyjskich i włoskich, w latach 1834-1840 kierował tylko operą rosyjską (i w tym charakterze przyczynił się do produkcji Życie dla króla Glinka, choć jeszcze w 1815 roku na tej samej fabule skomponował własną operę, która odniosła spory sukces), był inspektorem i dyrektorem wszystkich orkiestr teatrów cesarskich, dużo pisał o wątkach rosyjskich - jak bajki ( Książę Niewidzialności oraz Ilya bohater do libretta I.A. Kryłowa, Swietłana do libretta W.A. Żukowskiego i innych) oraz patriotyczne ( Iwan Susanin do libretta A.A. Szachowskiego, poeta kozacki do libretta tego samego autora). Najpopularniejsza opera I ćwierćwiecza, najpopularniejsza opera I ćwierćwiecza Lesta, czyli syrena naddnieprzańska Kavos i Stepan Ivanovich Davydov (1777-1825). W 1803 r. w Petersburgu wystawiono wiedeński Singspiel. syrena Dunaju Ferdinand Cauer (1751-1831) z dodatkowymi numerami muzycznymi Davydova - w tłumaczeniu Syrena Dniepru; w 1804 r. w Petersburgu pojawiła się druga część tego samego singspielu z wprowadzonymi numerami Kavos; następnie zostały skomponowane - przez samego Dawidowa - rosyjskie sequele. Mieszanka fantastycznych, realnych i błazennych planów długo utrzymywała się w rosyjskim teatrze muzycznym (w muzyce zachodnioeuropejskiej analogiami mogą być wczesnoromantyczne opery K.M. Webera - darmowa strzelanka oraz Oberon, należący do tego samego typu bajkowego singspiel).

Jako druga wiodąca linia twórczości operowej w pierwszych dekadach XIX wieku. wyróżnia się komedia domowa z życia „ludowego” – także gatunek znany od ubiegłego wieku. Obejmuje na przykład opery jednoaktowe Yam lub stacja pocztowa(1805), Spotkania, czyli konsekwencja Yam (1808), Devishnik, czyli ślub Filatkina(1809) Aleksieja Nikołajewicza Titowa (1769–1827) do libretta A.Ya. Opera przez długi czas utrzymywała się w repertuarze. Starożytny czas Bożego Narodzenia Czech Franz Blima do tekstu historyka A.F. Malinowskiego opartego na obrzędzie ludowym; opery „pieśniowe” Daniila Nikiticha Kaszyna (1770–1841) odniosły sukces Natalia, córka bojara(1803) na podstawie powieści N.M. Karamzina, poprawione przez S.N.Glinkę i Olga Piękna(1809) do libretta tego samego autora. Linia ta rozkwitła szczególnie podczas wojny 1812 r. Spektakle muzyczne i patriotyczne, komponowane w pośpiechu i łączące bardzo prostą, „aktualną” podstawę fabuły z tańcem, śpiewem i rozmowami (nazwy są typowe: Milicja, czyli Miłość do Ojczyzny, Kozak w Londynie, Wakacje w obozie wojsk alianckich na Montmartre, Ochotnik kozacki i pruski w Niemczech, Powrót milicji), zapoczątkowało dywersyfikację jako szczególny gatunek muzyczny i teatralny.

Wierstowski.

Największym rosyjskim kompozytorem operowym przed Glinką był AN Wierstowski (1799–1862) ( cm. WIERSTOWSKI, Aleksiej Nikołajewicz). Chronologicznie epoka Wierstowskiego zbiega się z erą Glinki: choć pierwsza opera moskiewskiego kompozytora jest Pan Twardowski(1828) pojawił się wcześniej Życie dla króla, najbardziej popularne Grób Askolda- w tym samym roku co opera Glinki i ostatnia opera Wierstowskiego, Piorun(1857), po śmierci Glinki. Wielki (choć w większości czysto moskiewski) sukces oper Wierstowskiego i „przetrwanie” najbardziej udanych z nich - Grób Askolda- ze względu na atrakcyjność dla współczesnych fabuł zbudowanych na motywach „najstarszych legend rosyjsko-słowiańskich” (oczywiście interpretowanych bardzo warunkowo) oraz muzyki, w której strukturze intonacyjnej narodowej rosyjskiej, zachodniosłowiańskiej i mołdawsko-cygańskiej codzienne intonacje są zróżnicowane. Jest oczywiste, że Wierstowski nie opanował wielkiej formy operowej: w prawie wszystkich jego operach muzyczne „cyfry” przeplatają się z długimi scenami konwersacyjnymi (próby kompozytora pisania recytatywów w jego późniejszych utworach niczego nie zmieniają), fragmenty orkiestrowe są zwykle nieciekawe i mało malownicze, jednak opery tego kompozytora, słowami współczesnego, „brzmiały znajomo”, „cudownie ojczyźnie”. „Szlachetne uczucie miłości do ojczyzny” rozbudzone przez te „legendarne” opery można porównać z wrażeniami publiczności z powieści Zagoskina, stałego librecisty kompozytora.

Glinka.

Chociaż muzyka epoki sprzed Glinki została już dostatecznie szczegółowo przestudiowana, pojawienie się Michaiła Iwanowicza Glinki (1804–1857) nigdy nie przestaje wydawać się cudem. Podstawowe cechy jego daru to głęboki intelektualizm i subtelny artyzm. Glinka szybko wpadła na pomysł napisania „wielkiej rosyjskiej opery”, czyli dzieła wzniosłego, tragicznego gatunku. Początkowo (w 1834 r.) wątek wyczynu Iwana Susanina, wskazany kompozytorowi przez W.A. Żukowskiego, przybrał formę oratorium scenicznego złożonego z trzech obrazów: wieś Susanin, starcie z Polakami, triumf. Jednak wtedy Życie dla króla(1836) stał się prawdziwą operą z potężnym początkiem chóralnym, co odpowiadało tradycji kultury narodowej i w dużej mierze wyznaczało przyszłą drogę opery rosyjskiej. Glinka jako pierwsza z rosyjskich autorów rozwiązała problem scenicznej mowy muzycznej, a jeśli chodzi o muzyczne „cyfry”, to one, pisane w tradycyjnych formach solowych, zespołowych, chóralnych, okazały się być wypełnione tak nową treścią intonacyjną, że kojarzą się z Pokonano modele włoskie lub inne. Poza tym w Życie dla króla przezwyciężono stylistyczną różnorodność poprzedniej opery rosyjskiej, kiedy sceny rodzajowe pisano „po rosyjsku”, arie liryczne „po włosku”, a momenty dramatyczne „po francusku” lub „po niemiecku”. Jednak wielu rosyjskich muzyków następnych pokoleń, oddających hołd temu heroicznemu dramatowi, wolało drugą operę Glinki - Rusłan i Ludmiła(według Puszkina, 1842), widząc w tej pracy zupełnie nowy kierunek (kontynuowali ją N.A. Rimsky-Korsakov i A.P. Borodin). Zadania opery Rusłana- zupełnie inne niż w twórczości Puszkina: pierwsze odtworzenie w muzyce starożytnego ducha rosyjskiego; „autentyczny” Wschód w jego różnych postaciach – „ospały” i „wojowniczy”; fantasy (Naina, Zamek Czernomor) jest całkowicie oryginalny iw niczym nie ustępuje fantazji najbardziej zaawansowanych współczesnych Glinki - Berlioza i Wagnera.

Dargomyżski.

Aleksander Siergiejewicz Dargomyżski (1813–1869) rozpoczął karierę kompozytora operowego dość młodo, w drugiej połowie lat 30. XIX wieku, kiedy to zainspirowany premierą Życie dla króla zaczął pisać muzykę do francuskiego libretta V. Hugo Esmeralda.

Fabuła kolejnej opery powstała jeszcze przed spektaklem Esmeralda(1841) i był to Puszkina Syrena, który jednak pojawił się na scenie dopiero w 1856 roku. Syreny również okazał się bliski współczesnemu życiu muzycznemu. W przeciwieństwie do wirtuozowskiej instrumentacji Glinki orkiestra Dargomyżskiego to skromne, piękne chóry ludowe Syreny mają dość tradycyjny charakter, a główna treść dramatyczna koncentruje się w partiach solowych, a zwłaszcza we wspaniałych zespołach, a w kolorystyce melodycznej właściwe elementy rosyjskie łączą się ze słowiańsko – małoruskim i polskim. Ostatnia opera Dargomyzhsky'ego, kamienny gość(według Puszkina, 1869, wystawiona w 1872), całkowicie nowatorskie, wręcz eksperymentalne dzieło z gatunku „opery konwersacyjnej” (dialog operowy). Kompozytor poradził sobie tutaj bez rozbudowanych form wokalnych, takich jak aria (wyjątkiem są tylko dwie pieśni Laury), bez orkiestry symfonicznej, w wyniku czego powstał utwór niezwykle wyrafinowany, w którym najkrótsza fraza melodyczna lub nawet jedna konsonans nabierają wielkiej i niezależnej ekspresji.

Sierow.

Później niż Dargomyzhsky, ale wcześniej niż Kuchkists i Czajkowski, Aleksander Nikołajewicz Sierow (1820–1871) dał się poznać w gatunku operowym. Jego pierwsza opera Judyta(1863), ukazał się, gdy autor miał już ponad czterdzieści lat (wcześniej Sierow zyskał spory rozgłos jako krytyk muzyczny, ale jako kompozytor nie stworzył niczego niezwykłego). Sztuka P. Giacomettiego (napisana specjalnie dla słynnej tragicznej aktorki Adelaide Ristori, która w tej roli zrobiła furorę w Petersburgu i Moskwie) o biblijnej opowieści o bohaterce ratującej swój lud z niewoli, w pełni korespondowała ze stanem podniecenia społeczeństwa rosyjskiego przełomu lat 60. XIX wieku. Atrakcyjny był także barwny kontrast między surową Judeą a zanurzoną w luksusie Asyrią. Judyta należy do gatunku „wielkiej opery” typu Meyerbeer, co było nowością również na rosyjskiej scenie; ma mocny początek oratoryjny (szczegółowe sceny chóralne, najbardziej zgodne z duchem legendy biblijnej i utrzymane w klasycznym stylu oratoryjnym typu Haendla), a jednocześnie teatralno-dekoracyjny (urozmaicenie tańcami). Musorgski dzwonił Judyta pierwsza po Glinki „poważnie zinterpretowana” opera na rosyjskiej scenie. Zachęcony ciepłym przyjęciem Sierow natychmiast zabrał się do pracy nad nową operą, teraz na rosyjskiej fabule historycznej, - Rogned. „Libretto historyczne” według kroniki wywołało wiele oskarżeń o niewiarygodność, przeinaczanie faktów, „stemplowanie”, fałszywość rzekomo potocznego języka itp.; muzyka, mimo masy „miejsc wspólnych”, zawierała spektakularne fragmenty (wśród których pierwsze miejsce zajmuje oczywiście ballada Varangian z Rognedy – wciąż znajduje się w repertuarze koncertowym). Po Rognedy(1865) Sierow dokonał bardzo ostrego zwrotu, zwracając się do dramatu współczesnego życia - sztuki A.N. Ostrovsky'ego Nie żyj tak, jak chcesz stając się tym samym pierwszym kompozytorem, który odważył się napisać „operę z nowoczesności” - Siła wroga (1871).

„Potężna gromada”.

Pojawienie się najnowszych oper Dargomyżskiego i Sierow tylko nieznacznie wyprzedza czas realizacji pierwszych oper kompozytorów Potężnej garści. Opera Kuczkistowska ma pewne „ogólne” cechy, które przejawiają się u tak różnych artystów, jak Musorgski, Rimski-Korsakow i Borodin: preferencja dla motywów rosyjskich, zwłaszcza historycznych i baśniowo-mitologicznych; wielka dbałość nie tylko o „rzetelne” rozwinięcie fabuły, ale także o fonetykę i semantykę słowa, w ogóle o linię wokalną, która zawsze jest na pierwszym planie, nawet w przypadku bardzo rozbudowanej orkiestry; bardzo znacząca rola scen chóralnych (najczęściej „ludowych”); Dramaturgia muzyczna typu „na wskroś”, a nie „numerowana”.

Musorgski.

Opery, podobnie jak inne gatunki związane z intonacją wokalną, stanowią główną część spuścizny Modesta Pietrowicza Musorgskiego (1839–1881): jako młody człowiek rozpoczął swoją podróż w muzyce od planu operowego (niezrealizowanej opery). Gan Islandczyk według V. Hugo) i zmarł, pozostawiając dwie opery niedokończone - Chovanshchina oraz Jarmark Soroczyński(pierwsza została całkowicie wykończona w clavier, ale prawie bez instrumentacji; w drugiej skomponowano główne sceny).

Pierwszym ważnym dziełem młodego Musorgskiego w drugiej połowie lat 60. XIX wieku była opera Salambo(według G. Flauberta, 1866; pozostała niedokończona; w późniejszym dokumencie autobiograficznym utwór określany jest nie jako „opera”, ale jako „sceny” i w tym właśnie charakterze jest dziś wykonywany). Powstał tu całkowicie oryginalny obraz Wschodu – nie tyle egzotyczny „kartagiński”, ile rosyjsko-biblijny, mający paralele w malarstwie („szkice biblijne” Aleksandra Iwanowa) i poezji (np. Aleksiej Chomiakow). Przeciwny kierunek „antyromantyczny” reprezentuje druga niedokończona wczesna opera Musorgskiego – Małżeństwo(według Gogola, 1868). To, zgodnie z definicją autora, „badanie do badania komorowego” kontynuuje linię kamienny gość Dargomyzhsky, ale maksymalnie ją wyostrza, wybierając prozę zamiast poezji, fabuła jest całkowicie „prawdziwa”, a ponadto „nowoczesna”, rozszerzając tym samym do skali gatunku operowego te eksperymenty „romansu”, które Dargomyzhsky podjął ( Doradca tytularny, Robak itd.) i samego Musorgskiego.

Borys Godunow

(I wydanie - 1868-1869; II wydanie - 1872, wystawienie w 1874) ma podtytuł "według Puszkina i Karamzina", oparty jest na tragedii Puszkina, ale ze znacznymi wstawkami kompozytora. Już w pierwszej, bardziej kameralnej wersji opery, skupiono się na dramacie osobowości jako dramacie „zbrodni i kary” ( Borys Godunow- współczesny Zbrodnie i kary F. M. Dostojewski) Musorgski odszedł bardzo daleko od wszelkich kanonów operowych - zarówno pod względem intensywności dramaturgii i ostrości języka, jak i interpretacji fabuły historycznej. Praca nad drugą edycją Borys Godunow, który zawierał zarówno nieco bardziej tradycyjny „akt polski”, jak i zupełnie niezwykłą w operze scenę powstania ludowego („Pod Kromami”), Musorgski mógł już mieć na myśli dalszy rozwój Czasu Kłopotów precedens - powstanie Razina, zamieszki Streltsy, rozłam, Pugaczwszczyna, tj. możliwe i tylko częściowo ucieleśnione wątki ich przyszłych oper - muzyczno-historyczna kronika Rosji. Z tego programu przeprowadzono tylko dramat rozłamu - Chovanshchina, do którego Musorgski rozpoczął zaraz po zakończeniu drugiej edycji Borys Godunow, nawet jednocześnie z jego zakończeniem; jednocześnie w dokumentach pojawia się idea „dramatu muzycznego z udziałem Kozaków Wołgi”, a później Musorgski zaznacza swoje nagrania pieśni ludowych „Na ostatnią operę Pugaczewszczyna».

Borys Godunow, zwłaszcza w pierwszym wydaniu, reprezentuje typ opery z pełnym rozwinięciem akcji muzycznej, gdzie ukończone fragmenty pojawiają się tylko wtedy, gdy są uwarunkowane sytuacją sceniczną (chór pochwalny, lament księżnej, polonez na balu w pałacu itp.). W Chovanshchina Musorgski postawił sobie za zadanie stworzenie, jego słowami, melodii „sensownej/uzasadnionej”, a pieśń stała się jej podstawą, tj. nie instrumentalny (jak w arii klasycznej), ale stroficzna, swobodnie zmienna struktura - w "czystej" formie lub w połączeniu z elementem recytatywnym. Ta okoliczność w dużej mierze zdeterminowała formę opery, która przy zachowaniu ciągłości i płynności akcji zawierała znacznie bardziej „dopełnione”, „zaokrąglone” liczby – i chóralne ( Chovanshchina w znacznie większym stopniu niż Borys Godunow, opera chóralna - „ludowy dramat muzyczny”) oraz solo.

w odróżnieniu Borys Godunow, który przez kilka lat występował na scenie Teatru Maryjskiego i został opublikowany za życia autora, Chovanshchina po raz pierwszy wystawiony w redakcji Rimskiego-Korsakowa półtorej dekady po śmierci autora, pod koniec lat 90. wystawiony w Moskiewskiej Prywatnej Operze Rosyjskiej przez S.I. w Teatrze Maryjskim Chovanshchina dzięki staraniom tego samego Chaliapina pojawił się w 1911 r. niemal równocześnie z przedstawieniami opery w Paryżu i Londynie przez przedsiębiorstwo Diagilewa (trzy lata wcześniej paryski spektakl Diagilewa odniósł sensacyjny sukces). Borys Godunow). W XX wieku wielokrotnie podejmowano próby wskrzeszenia i dokończenia małżeństwo oraz Jarmark Soroczyński w różnych wydaniach; dla drugiego z nich odniesieniem była rekonstrukcja V.Ya.Shebalin.

Rimski-Korsakow.

Spuścizna Nikołaja Andriejewicza Rimskiego-Korsakowa (1844–1908) reprezentuje wiele głównych gatunków muzycznych, ale jego największe osiągnięcia związane są, podobnie jak Musorgskiego, z operą. Przebiega ona przez całe życie kompozytora: od 1868 roku początek powstania pierwszej opery ( Pskowianka), do 1907 roku ukończono ostatnią, XV operę ( Złoty Kogucik). Rimski-Korsakow szczególnie intensywnie pracował w tym gatunku od połowy lat 90. XIX wieku: przez następne półtorej dekady stworzył 11 oper. Do połowy lat 90. w Teatrze Maryjskim odbywały się wszystkie premiery oper Rimskiego-Korsakowa; Później, od połowy lat 90., współpraca kompozytora z Moskiewską Prywatną Operą Rosyjską S.I. Mamontowa, gdzie powstała większość późnych oper Korsakowa, począwszy od Sadko. Współpraca ta odegrała szczególną rolę w tworzeniu nowego rodzaju decyzji projektowej i reżyserskiej spektaklu muzycznego (a także w twórczym rozwoju takich artystów z kręgu mamuta jak K.A. Korovin, V.M. Vasnetsov, M.A. Vrubel).

Działalność redakcyjna Rimskiego-Korsakowa jest absolutnie wyjątkowa: dzięki niemu po raz pierwszy Chovanshchina oraz Książę Igor, który pozostał niedokończony po śmierci Musorgskiego i Borodina (wersja opery Borodino powstała wspólnie z A.K. Glazunovem); on oprzyrządował kamienny gość Dargomyzhsky (i dwukrotnie: na premierę w 1870 i ponownie w latach 1897-1902) i wydane małżeństwo Musorgski; w swoim wydaniu zyskał światową sławę Borys Godunow Musorgski (i chociaż wersja autora jest coraz bardziej preferowana, wersja Korsakowa nadal działa w wielu teatrach); wreszcie Rimski-Korsakow (wraz z Bałakiriewem, Liadowem i Głazunowem) dwukrotnie przygotowywał do publikacji partytury operowe Glinki. Tym samym w odniesieniu do gatunku operowego (jak w wielu innych aspektach) twórczość Rimskiego-Korsakowa stanowi swoisty rdzeń rosyjskiej muzyki klasycznej, łącząc dwudziestowieczną epokę Glinki i Dargomyżskiego.

Wśród 15 oper Rimskiego-Korsakowa nie ma gatunków tego samego typu; nawet jego baśniowe opery różnią się od siebie pod wieloma względami: Królowa Śniegu(1882) - „wiosenna opowieść”, Opowieść o carze Saltanie(1900) - "tylko bajka", Kościej Nieśmiertelny(1902) - „Opowieść jesienna”, Złoty Kogucik(1907) - "fikcja na twarzach". Ta lista może być długa: Pskowianka(1873) - kronika operowa, Mlada(1892) - opera-balet, Wigilia(1895) - według definicji autora "opowieści kolędowej", Sadko(1897) - opera epicka, Mozart i Salieri(1898) - kameralne "sceny dramatyczne", Legenda o niewidzialnym mieście Kiteż i dziewicy Fevronia(1904) - bajka operowa (lub "dramat liturgiczny"). Bardziej tradycyjne typy operowe obejmują komedię liryczną. Majowa noc(wg Gogola, 1880), dramat liryczny o rosyjskiej fabule historycznej królewska panna młoda(według L.A. May 1899; i prolog do tej opery) Boyarina Vera Szeloga, 1898) oraz dwie mniej znane (i mniej udane) opery z przełomu XIX i XX wieku. - Pan gubernator(1904) o motywach polskich i Serwilia(1902) na podstawie sztuki z maja, której akcja toczy się w I wieku n.e. Rzym.

W istocie Rimski-Korsakow zreformował gatunek operowy na skalę własnej twórczości i bez głoszenia teoretycznych haseł. Reforma ta wiązała się z oparciem się na utrwalonych już wzorcach szkoły rosyjskiej (wł Rusłana i Ludmiła Glinki i estetyczne zasady kuczkizmu), sztukę ludową w jej najróżniejszych przejawach i najstarsze formy ludzkiego myślenia – mit, epopeję, bajkę (ta ostatnia okoliczność niewątpliwie zbliża rosyjskiego kompozytora do jego starszego współczesnego – Ryszarda Wagnera, choć do głównych parametrów własnej koncepcji Rimski-Korsakow doszedł do koncepcji opery sam, zanim zapoznał się z tetralogią i późniejszymi operami Wagnera). Typowa cecha „mitologicznych” oper Rimskiego-Korsakowa związanych ze słowiańskim kultem słonecznym ( Majowa noc, Wigilia, Mlada opery baśniowe), jest „wieloświatem”: akcja toczy się w dwóch lub więcej „światach” (ludziach, żywiołach i ich personifikacjach, pogańskich bóstwach), a każdy „świat” mówi własnym językiem, który odpowiada samoocenie Rimskiego-Korsakowa jako kompozytora „obiektywnego” magazynu. Na opery okresu środkowego od Majowa noc zanim Noce przed Bożym Narodzeniem, nasycenie akcji muzycznej scenami rytualnymi i rytualnymi (związanymi ze świętami starożytnego kalendarza chłopskiego - ogólnie cały rok pogański znajduje odzwierciedlenie w operach Rimskiego-Korsakowa); w późniejszych utworach rytualizm „statut” (w tym prawosławie, a często synteza „starej” i „nowej” wiary ludowej) pojawia się w bardziej pośredniej i wyrafinowanej formie. Choć opery kompozytora były regularnie wykonywane w XIX wieku, prawdziwe uznanie zyskały dopiero na przełomie XIX i XX wieku. a później, w Srebrnym Wieku, do którego ten mistrz był najbardziej dostrojony.

Borodin.

Zamiar Książę Igor Aleksander Porfiriewicz Borodin (1833–1877) należy do tej samej epoki, co plany Borys Godunow, Chovanshchina oraz Pskowici, tj. do końca lat 60. - początku lat 70., jednak ze względu na różne okoliczności opera nie została całkowicie ukończona nawet do czasu śmierci autora w 1886 r. i jej premiery (zrewidowanej przez Rimskiego-Korsakowa i Głazunowa) odbyła się prawie jednocześnie z Dama pikowa Czajkowski (1890). Charakterystyczne jest to, że w przeciwieństwie do współczesnych, którzy o historyczne wątki operowe zwrócili się ku dramatycznym wydarzeniom panowania Iwana Groźnego, Borysa Godunowa i Piotra Wielkiego, Borodin wziął za podstawę najstarszy zabytek epicki - Słowo o pułku Igora. Jako wybitny przyrodnik zastosował naukowe podejście do libretta opery, podejmując się interpretacji trudnych miejsc w zabytku, badając epokę akcji, zbierając informacje o starożytnych ludach koczowniczych wymienionych w Słowo. Borodin miał wyważony i realistyczny pogląd na problem formy operowej i nie dążył do jej całkowitego przekształcenia. W efekcie powstało dzieło nie tylko piękne ogólnie i w szczegółach, ale z jednej strony smukłe i wyważone, az drugiej niezwykle oryginalne. W muzyce rosyjskiej XIX wieku. trudno o bardziej „autentyczną” reprodukcję folkloru chłopskiego niż w chórze Poselyan czy Lamencie Jarosławny. Chóralny prolog do opery, w której „skazka” intonuje starożytne rosyjskie sceny Glinki Rusłana, podobny do średniowiecznego fresku. Motywy orientalne Książę Igor(„sekcja połowiecka”) pod względem siły i autentyczności „stepowej” kolorystyki nie mają sobie równych w sztuce światowej (ostatnie badania pokazały, jak wrażliwy okazał się Borodin na wschodni folklor, nawet z punktu widzenia etnografii muzycznej). I ta autentyczność łączy się w najbardziej naturalny sposób z użyciem dość tradycyjnych form dużej arii - cech bohatera (Igor, Konczak, Jarosławna, Władimir Galitsky, Konczakowna), duetu (Władimir i Konczakowna, Igor i Jarosławna). ) i innych, a także z elementami wprowadzonymi do stylu Borodina z muzyki zachodnioeuropejskiej (na przykład „Schumanisms”, przynajmniej w tej samej arii Jarosławnej).

Cui.

W recenzji opery kuczkistowskiej należy wspomnieć także o nazwisku Cezara Antonowicza Cui (1835–1918) jako autora prawie dwudziestu oper o różnorodnej tematyce (od Więzień rasy kaukaskiej na podstawie wiersza Puszkina i Angelo przez Hugo wcześniej Mademoiselle Fifi wg G. de Maupassanta), które pojawiały się i były wystawiane na scenie przez pół wieku. Do tej pory wszystkie opery Cui są mocno zapomniane, ale należy zrobić wyjątek dla jego pierwszego dojrzałego dzieła w tym gatunku - William Ratcliff według G. Heinego. Ratcliff stała się pierwszą operą kręgu Bałakiriewa, która zobaczyła scenę (1869), i tutaj po raz pierwszy urzeczywistniło się marzenie nowej generacji dramatu operowego.

Czajkowski.

Podobnie jak Rimski-Korsakow i Musorgski, Piotr Iljicz Czajkowski (1840-1893) przez całe życie odczuwał silny pociąg do gatunku opery (a także, w przeciwieństwie do Kuchkistów, do baletu): jego pierwsza opera, Gubernator(według A.N. Ostrovsky'ego, 1869) odnosi się do samego początku niezależnej działalności twórczej; premiera ostatniego Iolanthe, miało miejsce niecały rok przed nagłą śmiercią kompozytora.

Opery Czajkowskiego pisane są na różne tematy - historyczne ( Opricznik, 1872; Pokojówka Orleańska, 1879; Mazepa, 1883), komiks ( Kowal Vakula, 1874 i druga autorska wersja tej opery - Czerewiczki, 1885), liryczny ( Eugeniusz Oniegin, 1878; Jolanta, 1891), liryczno-tragiczny ( Czarodziejka, 1887; Dama pikowa, 1890) i zgodnie z tematem mają inny wygląd. Jednak w rozumieniu Czajkowskiego wszystkie wybrane przez niego wątki nabrały osobistego, psychologicznego zabarwienia. Stosunkowo mało interesował go lokalny kolor, przedstawienie miejsca i czasu akcji – Czajkowski wszedł do historii sztuki rosyjskiej przede wszystkim jako twórca lirycznego dramatu muzycznego. Czajkowski, podobnie jak Kuczkiści, nie miał jednej, uniwersalnej koncepcji operowej i swobodnie posługiwał się wszystkimi znanymi formami. Chociaż styl kamienny gość zawsze wydawał mu się „nadmierny”, nieco pod wpływem idei dialogu operowego, co znalazło odzwierciedlenie w preferowaniu dramaturgii muzycznej typu przelotnego, ciągłego i melodyjnej mowy śpiewnej zamiast „formalnego” recytatywu (tu Czajkowski, pochodził jednak nie tylko od Dargomyżskiego, ale jeszcze bardziej od Glinki, zwłaszcza od głęboko przez niego czczonego Życie dla króla). Jednocześnie Czajkowskiego w znacznie większym stopniu niż dla Petersburgerów (z wyjątkiem Borodina) charakteryzuje połączenie ciągłości działania muzycznego z klarownością i rozbiorem wewnętrznych form każdej sceny – nie porzucić tradycyjne arie, duety i inne rzeczy, po mistrzowsku posiada formę złożonego „finałowego” zespołu (co znalazło odzwierciedlenie w pasji Czajkowskiego do sztuki Mozarta w ogóle, a jego oper w szczególności). Nie akceptując wagnerowskich fabuł i zatrzymując się ze zdumieniem przed wagnerowska formą operową, która wydawała mu się absurdalna, Czajkowski zbliża się jednak do niemieckiego kompozytora w interpretacji orkiestry operowej: partia instrumentalna przesycona jest silnym, efektownym rozwinięciem symfonicznym ( w tym sensie szczególnie godne uwagi są późne opery, przede wszystkim Dama pikowa).

W ostatniej dekadzie życia Czajkowski cieszył się sławą największego rosyjskiego kompozytora operowego, niektóre z jego oper wystawiano w zagranicznych teatrach; Zwycięskie premiery miały też późniejsze balety Czajkowskiego. Jednak sukcesy w teatrze muzycznym nie przyszły kompozytorowi od razu i później niż w gatunkach instrumentalnych. Konwencjonalnie w dziedzictwie muzycznym i teatralnym Czajkowskiego można wyróżnić trzy okresy: wczesny, Moskwa (1868–1877) - Gubernator, Opricznik, Kowal Vakula, Eugeniusz Oniegin oraz jezioro łabędzie; średnie, do końca lat 80. - trzy wielkie tragiczne opery: Pokojówka Orleańska, Mazepa oraz Czarodziejka(a także modyfikacja Kowal Vakula w Czerewiczki, co znacząco zmieniło wygląd tej wczesnej opery); późno - Dama pikowa, Jolanta(jedyna „mała” jednoaktowa opera kameralna Czajkowskiego) i balety Śpiąca Królewna oraz Orzechówka. Pierwszemu prawdziwemu, dużemu sukcesowi towarzyszyła moskiewska premiera Eugeniusz Oniegin przez studentów konserwatorium w marcu 1879 r. petersburska premiera tej opery w 1884 r. stała się jednym ze szczytów drogi twórczej kompozytora i początkiem kolosalnej popularności tego dzieła. Drugim i jeszcze wyższym szczytem była premiera Dama pikowa w 1890 roku.

Antona Rubinsteina.

Wśród zjawisk, które nie mieściły się w głównych kierunkach rozwoju rosyjskiego teatru muzycznego w XIX wieku, wymienić można opery Antoniego Grigorievicha Rubinsteina (1829–1894): 13 oper właściwych i 5 oper-oratoriów sakralnych. Najlepsze z utworów muzycznych i teatralnych kompozytora związane są z tematem „wschodnim”: monumentalno-dekoracyjna opera oratoryjna Machabeusze(1874, wystawiony w 1875), liryczny Demon(1871, wydany w 1875) i Szulamit (1883). Demon(według Lermontowa) jest absolutnym szczytem operowego dziedzictwa Rubinsteina i jedną z najlepszych rosyjskich i najpopularniejszych oper lirycznych.

Blaramberg i Napravnik.

Wśród innych autorów oper z tej samej epoki wyróżniają się moskiewski kompozytor Paweł Iwanowicz Blaramberg (1841–1907) i petersburski kompozytor Eduard Frantsevich Napravnik (1839–1916), słynny i niezastąpiony dyrygent rosyjskiej opery w Teatrze Maryjskim przez pół wieku. Blaramberg był samoukiem i starał się kierować nakazami środowiska Bałakiriewa, przynajmniej w doborze tematów, głównie rosyjskich (największy sukces odniósł jego melodramat historyczny). Tuszincy z Czasu Kłopotów, 1895). W przeciwieństwie do Blaramberga Napravnik był wysokiej klasy profesjonalistą i niewątpliwie opanował technikę komponowania; jego pierwsza opera Niżny Nowogród na temat narodowo-patriotyczny (1868) pojawił się na scenie nieco wcześniej niż pierwsze historyczne opery kuczkistowskie - Borys Godunow oraz Pskowici a przed premierami cieszyły się pewnym powodzeniem; kolejna opera Napravnika, Harolda(1885), powstała pod wyraźnym wpływem Wagnera, będąc jednocześnie najbardziej udaną i wciąż spotykaną sporadycznie opera tego autora w repertuarze teatralnym Dubrowski(wg Puszkina, 1894) inspiruje się twórczością Czajkowskiego, ulubionego rosyjskiego kompozytora Napravnika (dyrygował szeregiem prawykonań oper i symfonii Czajkowskiego).

Tanejew.

Pod koniec XIX wieku narodziła się jedyna opera (opera-trylogia) Siergieja Iwanowicza Taniejewa (1856–1915) oreste(na działce Ajschylosa, 1895). Libretto opery na ogół odbiega daleko od antycznego źródła, w nietypowym dla starożytności sensie „psychologizmu”, w romantycznej interpretacji centralnego kobiecego wizerunku. Niemniej jednak główne cechy stylu tej opery nawiązują do tradycji klasycystycznej, w szczególności do lirycznych tragedii muzycznych Glucka. Surowy, powściągliwy ton twórczości Tanejewa, powstałej u progu nowego stulecia, przybliża go do późniejszych przejawów neoklasycznego kierunku (np. do opery-oratorium Król Edyp IF Strawiński).

Przełom XIX–XX w.

W ostatniej dekadzie i połowie XIX wieku. oraz w pierwszych dekadach następnego stulecia, tj. w okresie po śmierci Musorgskiego, Borodina, Czajkowskiego (a jednocześnie w okresie rozkwitu twórczości operowej Rimskiego-Korsakowa) pojawiło się wielu nowych kompozytorów operowych, głównie w Moskwie: M. M. Ippolitow-Iwanow (1859– 1935) ( Litość według legendy biblijnej, 1887; Azja według Turgieniewa, 1900; Zdrada, 1910; Ole z Nordlandu; 1916), AS Arensky (1861-1906) ( Śpij nad Wołgą według Ostrowskiego, 1888; Rafał, 1894; Nal i Damayanti, 1903), VI Rebikow (1866-1920) ( W burzy, 1893; drzewko świąteczne, 1900 i in.), S.V. Rachmaninow (1873–1943) ( Aleko według Puszkina, 1892; Skąpy rycerz według Puszkina i Francesca da Rimini według Dantego, 1904), AT Grechaninov (1864-1956) ( Nikitich, 1901; Siostra Beatrycze według M. Maeterlincka, 1910); spróbuj swoich sił w gatunku operowym także Vas.S. Kalinnikov (1866-1900/1901) (prolog operowy W 1812 r, 1899) i AD Kastalsky (1856-1926) ( Clara Milic według Turgieniewa, 1907). Twórczość tych autorów była często związana z działalnością moskiewskich prywatnych przedsiębiorstw – najpierw Moskiewskiej Prywatnej Opery Rosyjskiej S. Mamontowa, a następnie Opery S. I. Zimina; nowe opery należały głównie do gatunku kameralno-lirycznego (niektóre z nich są jednoaktowe). Niektóre z wymienionych powyżej dzieł sąsiadują z tradycją kuczkistowską (na przykład epos Nikitich Greczaninow, do pewnego stopnia również Litość Ippolitova-Ivanov, naznaczona oryginalnością orientalnego smaku, i opera Kastalskiego, w której muzyczne szkice życia codziennego odnoszą największe sukcesy), ale w jeszcze większym stopniu autorzy nowej generacji byli pod wpływem lirycznego stylu operowego Czajkowskiego (Arenski, Rebikow, pierwsza opera Rachmaninowa), a także nowe trendy w ówczesnej operze europejskiej.

Pierwsza opera Strawińskiego Słowik(według baśni H.K. Andersena, 1914) powstała na zlecenie przedsiębiorstwa Diagilewa i jest stylistycznie związana z estetyką Świata Sztuki, a także z nowym typem dramatu muzycznego, który pojawił się w Peleas i Melisanda C. Debussy'ego. Jego druga opera Maura(na Dom w Kołomnej Puszkina, 1922) to z jednej strony dowcipna muzyczna anegdota (lub parodia), a z drugiej stylizacja rosyjskiego romansu miejskiego epoki Puszkina. trzecia opera, Król Edyp(1927) jest bowiem nie tyle operą, ile neoklasycznym oratorium scenicznym (choć posługuje się tu zasadami kompozycji i stylu wokalnym włoskiej opery seria). Ostatnia opera kompozytora Przygody Rake'a, powstał znacznie później (1951) i nie ma nic wspólnego z fenomenem opery rosyjskiej.

Szostakowicz.

Trudny los spotkał również dwie opery Dymitra Dymitra Szostakowicza (1906–1975), napisane przez niego na przełomie lat 20. i 30.: Nos(według Gogola, 1929) i Lady Makbet z rejonu mceńskiego(wg Leskowa, 1932, wyd. 2 1962). Nos bardzo jasne i ostre dzieło z końca XX wieku. cieszył się dużą popularnością w Rosji i na Zachodzie, stylistycznie kojarzył się z teatrem ekspresjonistycznym i opiera się na najbardziej dobitnej zasadzie parodii, sięgając po destrukcyjną i okrutną satyrę. Pierwsza edycja Lady Makbet była w pewnym sensie kontynuacją stylu nos, a główna bohaterka tej opery budziła skojarzenia z takimi postaciami jak Maria in Wozzecke A. Berga, a nawet Salome w operze o tym samym tytule R. Straussa. Jak wiadomo, jest Lady Makbet, który odniósł znaczący sukces na premierze, stał się „przedmiotem” artykułu programowego gazety „Prawda” Zamieszanie zamiast muzyki(1934), co miało ogromny wpływ zarówno na losy Szostakowicza, jak i na sytuację w muzyce radzieckiej tego czasu. W drugim, znacznie późniejszym wydaniu opery autor dokonał znaczących złagodzeń – zarówno dramatycznych, jak i muzyczno-stylistycznych, w wyniku których dzieło przybrało formę nieco zbliżoną do klasycznej dla rosyjskiego teatru operowego, ale zagubiony w swojej integralności.

Ogólnie rzecz biorąc, problem opery był dość dotkliwy przez cały sowiecki okres rosyjskiej kultury muzycznej. Ponieważ gatunek ten uznawany był za jeden z najbardziej „demokratycznych” i jednocześnie najbardziej „ideologicznych”, władze kierujące sztuką zachęcały zwykle kompozytorów do pracy w tej dziedzinie, ale jednocześnie ściśle ją kontrolowały. W latach dwudziestych i na początku trzydziestych kultura operowa w Rosji była w znakomitym stanie: w Moskwie i Leningradzie pojawiły się wspaniałe produkcje klasycznego repertuaru, szeroko wystawiano najnowsze dzieła zachodnie; Eksperymenty w dziedzinie teatru muzycznego przeprowadzali najwięksi reżyserzy, poczynając od K.S. Stanisławskiego i V.E. Czas na eksperymenty w operze skończył się na początku lat 30. (zwykle obok produkcji oper Prokofiewa i Szostakowicza opery oparte na „rewolucyjnych” wątkach L.K. Knippera (1898–1974), V.V. (1889–1955), A.F. Pashchenko (1883–1972) i inni, teraz wszyscy popadli w zapomnienie). W połowie lat 30. do głosu doszła koncepcja tzw. „opery pieśni” jako „dostępnej dla ludu”: jej standardem był Cichy Don(według M. Szołochowa, 1935) II Dzierżyński (1909–1978); do tej samej odmiany należą popularne w swoim czasie opery T.N.Chrennikowa (ur. 1913) W burzę(1939) i DB Kabalevsky (1904-1987) Rodzina Tarasa(1950). Prawda, mniej lub bardziej udane „normalne” opery pojawiły się w tym samym okresie, na przykład Poskromienie złośnicy(1957) W.Ja.Szebalin (1902-1963), dekabryści(1953) Yu.A Shaporina (1887-1966). Od lat 60. nastąpił okres pewnego ożywienia w operze; ten czas charakteryzuje się pojawieniem się różnego rodzaju „hybrydowych” gatunków (opera-balet, opera-oratorium itp.); gatunki opery kameralnej, a zwłaszcza monoopery, zapomniane w poprzednich dekadach, są szeroko rozwinięte. W latach 60.-1990 wielu autorów zwróciło się do opery, także utalentowanych (wśród kompozytorów aktywnie działających w teatrze muzycznym można wymienić R.K. Szczedrina (ur. 1932), A.P. Petrov (ur. 1930), S.M. Słonimski (ur. 1932), ciekawe opery stworzyli N. N. Karetnikov (1930–1994) i E. V. Denisov (1929–1996), opery Yu. ), G. I. Banshchikov (ur. 1943) i inni. gatunek ten jako wiodący w rosyjskiej kulturze muzycznej nie został przywrócony, a dzieła współczesne (zarówno krajowe, jak i zagraniczne) pojawiają się na plakatach wielkich oper tylko sporadycznie.Wyjątkiem są małe trupy z różnych miast, które szybko wystawiają nowe opery , które jednak rzadko pozostają w repertuarze na długo.

Rosyjska szkoła kompozytorska, której tradycje kontynuowała szkoła sowiecka i dzisiejsza rosyjska, rozpoczęła się w XIX wieku od kompozytorów, którzy łączyli europejską sztukę muzyczną z rosyjskimi melodiami ludowymi, łącząc europejską formę z rosyjskim duchem.

O każdej z tych sławnych osób można powiedzieć wiele, wszystkie nie mają prostych, a czasem tragicznych losów, ale w tej recenzji postaraliśmy się tylko pokrótce opisać życie i twórczość kompozytorów.

1. Michaił Iwanowicz Glinka

(1804-1857)

Michaił Iwanowicz Glinka podczas komponowania opery Rusłan i Ludmiła. 1887, artysta Ilya Efimovich Repin

„Aby tworzyć piękno, trzeba być czystym w duszy”.

Michaił Iwanowicz Glinka jest twórcą rosyjskiej muzyki klasycznej i pierwszym krajowym kompozytorem klasycznym, który osiągnął światową sławę. Jego utwory, oparte na wielowiekowych tradycjach rosyjskiej muzyki ludowej, były nowym słowem w sztuce muzycznej naszego kraju.

Urodzony w obwodzie smoleńskim, wykształcony w Petersburgu. Kształtowanie się światopoglądu i głównej idei pracy Michaiła Glinki ułatwiła bezpośrednia komunikacja z takimi osobistościami jak A.S. Puszkin, W.A. Zhukovsky, A.S. Griboyedov, A.A. Delvig. Impulsu twórczego do jego twórczości dodała wieloletnia podróż do Europy na początku lat 30. XIX wieku oraz spotkania z czołowymi kompozytorami tamtych czasów - V. Bellinim, G. Donizettim, F. Mendelssohnem, a później z G. Berliozem, J. Meyerbeera.

Sukces odniósł MI Glinka w 1836 r., po wystawieniu entuzjastycznie przyjętej przez wszystkich opery „Iwan Susanin” („Życie dla cara”), po raz pierwszy w muzyce światowej, rosyjskiej sztuce chóralnej i europejskiej praktyce symfoniczno-operowej. organicznie połączone, pojawił się też bohater podobny do Susanin, którego wizerunek podsumowuje najlepsze cechy charakteru narodowego.

VF Odoevsky opisał operę jako „nowy element w sztuce i rozpoczyna się nowy okres w jej historii – okres muzyki rosyjskiej”.

Druga opera - epos „Rusłan i Ludmiła” (1842), nad którym dzieło toczyło się na tle śmierci Puszkina i w trudnych warunkach życia kompozytora, ze względu na głęboko nowatorski charakter dzieła, było niejednoznaczne odebrany przez publiczność i władze, a M.I. Glinka przyniósł ciężkie doświadczenia. Potem dużo podróżował, mieszkając na przemian w Rosji i za granicą, nie przestając komponować. W jego spuściźnie pozostały romanse, dzieła symfoniczne i kameralne. W latach 90. „Pieśń patriotyczna” Michaiła Glinki była oficjalnym hymnem Federacji Rosyjskiej.

Cytat o MI Glinki:„Cała rosyjska szkoła symfoniczna, podobnie jak cały dąb w żołędzie, zawarta jest w symfonicznej fantazji „Kamarinskaya”. PI Czajkowski

Interesujący fakt: Michaił Iwanowicz Glinka nie wyróżniał się dobrym zdrowiem, mimo to był bardzo wyluzowany i bardzo dobrze znał geografię, być może gdyby nie został kompozytorem, zostałby podróżnikiem. Znał sześć języków obcych, w tym perski.

2. Aleksander Porfiriewicz Borodin

(1833-1887)

Aleksander Porfiriewicz Borodin, jeden z czołowych kompozytorów rosyjskich drugiej połowy XIX wieku, oprócz talentu kompozytorskiego, był chemikiem, lekarzem, pedagogiem, krytykiem i miał talent literacki.

Urodzony w Petersburgu, od dzieciństwa wszyscy wokół niego zwracali uwagę na jego niezwykłą aktywność, zapał i zdolności w różnych kierunkach, przede wszystkim w muzyce i chemii.

A.P. Borodin jest rosyjskim kompozytorem samorodnym, nie miał profesjonalnych nauczycieli muzyki, wszystkie jego osiągnięcia w muzyce wynikają z samodzielnej pracy nad opanowaniem techniki komponowania.

Na powstanie A.P. Borodina wpłynęła praca M.I. Glinka (jak i wszyscy kompozytorzy rosyjscy XIX wieku) oraz dwa wydarzenia dały impuls do gęstego zatrudnienia kompozytorskiego na początku lat 60. XIX wieku - po pierwsze znajomość i małżeństwo z utalentowaną pianistką E.S. Protopopovą, a po drugie spotkanie z M.A. Bałakiriewa i dołączenie do twórczej społeczności rosyjskich kompozytorów, znanej jako „Potężna garść”.

Pod koniec lat 70. i 80. XIX wieku A.P. Borodin dużo podróżował i koncertował po Europie i Ameryce, spotykał się z czołowymi kompozytorami swoich czasów, jego sława rosła, stał się jednym z najbardziej znanych i popularnych kompozytorów rosyjskich w Europie pod koniec XIX wieku wiek wiek.

Centralne miejsce w twórczości A.P. Borodina zajmuje opera „Książę Igor” (1869-1890), która jest przykładem narodowej heroicznej epopei w muzyce i której on sam nie zdążył dokończyć (ukończył ją jego przyjaciele A.A. Glazunov i N.A. Rimsky-Korsakov). W „Księciu Igorze” na tle majestatycznych obrazów wydarzeń historycznych odzwierciedlona została główna idea całego dzieła kompozytora - odwaga, spokojna wielkość, duchowa szlachetność najlepszych Rosjan i potężna siła całego narodu rosyjskiego, przejawiającego się w obronie ojczyzny.

Pomimo tego, że A.P. Borodin pozostawił po sobie stosunkowo niewiele utworów, jego twórczość jest bardzo zróżnicowana i uważany jest za jednego z ojców rosyjskiej muzyki symfonicznej, który wpłynął na wiele pokoleń kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Cytat o A.P. Borodinie:„Talent Borodina jest równie potężny i niesamowity zarówno w symfonii, jak iw operze oraz w romansie. Jej główne cechy to gigantyczna siła i rozmach, kolosalny zakres, szybkość i żywiołowość połączone z niesamowitą pasją, czułością i pięknem. WW Stasow

Interesujący fakt: Reakcja chemiczna soli srebra kwasów karboksylowych z halogenami, w wyniku której powstają węglowodory podstawione halogenami, została nazwana na cześć Borodina, którą jako pierwszy zbadał w 1861 roku.

3. Modest Pietrowicz Musorgski

(1839-1881)

„Dźwięki ludzkiej mowy, jako zewnętrzne przejawy myśli i uczuć, muszą, bez przesady i gwałtu, stać się prawdziwą, dokładną muzyką, ale artystyczną, wysoce artystyczną”.

Modest Pietrowicz Musorgski to jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XIX wieku, członek Potężnej Garści. Innowacyjna praca Musorgskiego znacznie wyprzedziła swój czas.

Urodzony w prowincji Psków. Jak wielu utalentowanych ludzi, od dzieciństwa wykazywał talent muzyczny, studiował w Petersburgu, zgodnie z rodzinną tradycją był wojskowym. Decydującym wydarzeniem, które zdecydowało, że Musorgski urodził się nie do służby wojskowej, ale do muzyki, było jego spotkanie z MA Bałakiriewem i dołączenie do Potężnej Garści.

Musorgski jest świetny, ponieważ w swoich wspaniałych dziełach – operach „Borys Godunow” i „Chowanszczina” – uchwycił w muzyce dramatyczne kamienie milowe rosyjskiej historii z radykalną nowością, której przed nim nie znała muzyka rosyjska, ukazując w nich połączenie mszy sceny ludowe i różnorodne bogactwo gatunkowe, niepowtarzalny charakter narodu rosyjskiego. Opery te, w licznych wydaniach zarówno autora, jak i innych kompozytorów, należą do najpopularniejszych oper rosyjskich na świecie.

Innym wybitnym dziełem Musorgskiego jest cykl utworów fortepianowych „Obrazki z wystawy”, barwne i pomysłowe miniatury przesycone są rosyjskim refrenem i wiarą prawosławną.

W życiu Musorgskiego było wszystko - zarówno wielkość, jak i tragedia, ale zawsze wyróżniał się prawdziwą duchową czystością i bezinteresownością.

Jego ostatnie lata były trudne - niespokojne życie, nieuznawanie twórczości, samotność, uzależnienie od alkoholu, to wszystko przesądziło o jego przedwczesnej śmierci w wieku 42 lat, pozostawił po sobie stosunkowo niewiele kompozycji, z których część została dokończona przez innych kompozytorów.

Specyficzna melodia i nowatorska harmonia Musorgskiego antycypowała pewne cechy rozwoju muzycznego XX wieku i odegrała ważną rolę w rozwoju stylów wielu światowych kompozytorów.

Cytat o MP Musorgskim:„Oryginalnie rosyjskie dźwięki we wszystkim, co zrobił Musorgski” N. K. Roerich

Interesujący fakt: Pod koniec życia Musorgski pod naciskiem „przyjaciół” Stasowa i Rimskiego-Korsakowa zrzekł się praw autorskich do swoich dzieł i przedstawił je Tertijowi Filippowowi.

4. Piotr Iljicz Czajkowski

(1840-1893)

„Jestem artystą, który może i musi przynosić honor Ojczyźnie. Czuję w sobie wielką artystyczną siłę, nie zrobiłem jeszcze ani jednej dziesiątej tego, co mogę zrobić. I chcę to zrobić z całej siły mojej duszy.”

Piotr Iljicz Czajkowski, być może największy rosyjski kompozytor XIX wieku, wzniósł rosyjską sztukę muzyczną na niespotykane dotąd wyżyny. Jest jednym z najważniejszych kompozytorów światowej muzyki klasycznej.

Pochodzący z prowincji Vyatka, chociaż jego ojcowskie korzenie sięgają Ukrainy, Czajkowski wykazywał zdolności muzyczne od dzieciństwa, ale jego pierwsza edukacja i praca była w dziedzinie prawa.

Czajkowski jest jednym z pierwszych rosyjskich kompozytorów „profesjonalnych” – studiował teorię muzyki i kompozycję w nowym Konserwatorium Petersburskim.

Czajkowski uchodził za kompozytora „zachodniego”, w przeciwieństwie do ludowych postaci „Potężnej garści”, z którymi miał dobre stosunki twórcze i przyjacielskie, jednak jego twórczość jest nie mniej przesiąknięta rosyjskim duchem, udało mu się w wyjątkowy sposób połączyć zachodnia spuścizna symfoniczna Mozarta, Beethovena i Schumanna z tradycjami rosyjskimi odziedziczonymi po Michaiła Glinki.

Kompozytor prowadził aktywne życie – był nauczycielem, dyrygentem, krytykiem, osobą publiczną, pracował w dwóch stolicach, koncertował w Europie i Ameryce.

Czajkowski był osobą dość niestabilną emocjonalnie, entuzjazm, przygnębienie, apatię, drażliwość, gwałtowną złość - wszystkie te nastroje zmieniały się w nim dość często, będąc osobą bardzo towarzyską, zawsze dążył do samotności.

Wyróżnienie tego, co najlepsze z twórczości Czajkowskiego, jest trudnym zadaniem, ma on kilka utworów o jednakowej wielkości w prawie wszystkich gatunkach muzycznych - operze, balecie, symfonii, muzyce kameralnej. A treść muzyki Czajkowskiego jest uniwersalna: z niepowtarzalną melodyką obejmuje obrazy życia i śmierci, miłości, natury, dzieciństwa, dzieła literatury rosyjskiej i światowej odsłaniają się w niej w nowy sposób, odbijają się w niej głębokie procesy życia duchowego.

Cytat kompozytora:„Życie ma urok tylko wtedy, gdy składa się na przemian radości i smutków, walki dobra ze złem, światła i cienia, jednym słowem różnorodności w jedności”.

„Wielki talent wymaga ciężkiej pracy”.

Cytat kompozytora: „Jestem gotowy dzień i noc, aby stać jako strażnik honorowy na werandzie domu, w którym mieszka Piotr Iljicz - do tego stopnia go szanuję” A.P. Czechow

Interesujący fakt: Uniwersytet Cambridge zaocznie i bez obrony rozprawy przyznał Czajkowskiemu tytuł doktora muzyki, a paryska Akademia Sztuk Pięknych wybrała go na członka-korespondenta.

5. Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow

(1844-1908)

Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow to utalentowany rosyjski kompozytor, jedna z najważniejszych postaci w tworzeniu bezcennego krajowego dziedzictwa muzycznego. Jego osobliwy świat i kult odwiecznego wszechogarniającego piękna wszechświata, podziw dla cudu istnienia, jedności z naturą nie mają w historii muzyki odpowiedników.

Urodzony w prowincji nowogrodzkiej, zgodnie z rodzinną tradycją, został oficerem marynarki wojennej, na okręcie wojennym podróżował po wielu krajach Europy i dwóch Amerykach. Wykształcenie muzyczne otrzymał najpierw od matki, a następnie pobierał prywatne lekcje u pianisty F. Canille'a. I znowu, dzięki M.A. Balakirevowi, organizatorowi Potężnej garści, który wprowadził Rimskiego-Korsakowa do społeczności muzycznej i wpłynął na jego twórczość, świat nie stracił utalentowanego kompozytora.

Centralne miejsce w dziedzictwie Rimskiego-Korsakowa zajmują opery – 15 utworów demonstruje różnorodność gatunkową, stylistyczną, dramatyczną, kompozytorską, ale ma szczególny styl – z całym bogactwem komponentu orkiestrowego, melodyczne linie wokalne są główne.

Twórczość kompozytora wyróżniają się na dwa główne kierunki: pierwszy to historia Rosji, drugi to świat baśni i epopei, za co otrzymał przydomek „gawędziarz”.

Oprócz bezpośredniej niezależnej działalności twórczej N.A. Rimski-Korsakow znany jest jako publicysta, kompilator zbiorów pieśni ludowych, którymi wykazywał duże zainteresowanie, a także jako finalista dzieł swoich przyjaciół – Dargomyżskiego, Musorgskiego i Borodina. Rimski-Korsakow był założycielem szkoły kompozytorskiej, jako pedagog i kierownik Konserwatorium Petersburskiego wyprodukował około dwustu kompozytorów, dyrygentów, muzykologów, m.in. Prokofiewa i Strawińskiego.

Cytat kompozytora:„Rimski-Korsakow był bardzo rosyjskim człowiekiem i bardzo rosyjskim kompozytorem. Uważam, że tę jego pierwotną rosyjską esencję, jego głęboką tradycję folklorystyczno-rosyjską, należy dziś szczególnie docenić. Mścisław Rostropowicz

Fakt o kompozytorze: Nikołaj Andriejewicz rozpoczął swoją pierwszą lekcję kontrapunktu w ten sposób:

Teraz będę dużo mówić, a ty będziesz bardzo uważnie słuchać. Wtedy będę mniej mówił, a ty będziesz słuchał i myślał, a w końcu w ogóle się nie odzywam, a ty będziesz myślał własną głową i pracował samodzielnie, bo moje zadanie jako nauczyciela jest dla ciebie niepotrzebne.. .

Światowa muzyka klasyczna jest nie do pomyślenia bez dzieł rosyjskich kompozytorów. Rosja, wspaniały kraj z utalentowanymi ludźmi i własnym dziedzictwem kulturowym, zawsze była jedną z czołowych lokomotyw światowego postępu i sztuki, w tym muzyki. Rosyjska szkoła kompozytorska, której tradycje kontynuowała szkoła sowiecka i dzisiejsza rosyjska, rozpoczęła się w XIX wieku od kompozytorów, którzy łączyli europejską sztukę muzyczną z rosyjskimi melodiami ludowymi, łącząc europejską formę z rosyjskim duchem.

O każdej z tych sławnych osób można powiedzieć wiele, wszystkie nie mają prostych, a czasem tragicznych losów, ale w tej recenzji postaraliśmy się tylko pokrótce opisać życie i twórczość kompozytorów.

1.Michaił Iwanowicz GLINKA (1804—1857)

Michaił Iwanowicz Glinka jest twórcą rosyjskiej muzyki klasycznej i pierwszym krajowym kompozytorem klasycznym, który osiągnął światową sławę. Jego utwory, oparte na wielowiekowych tradycjach rosyjskiej muzyki ludowej, były nowym słowem w sztuce muzycznej naszego kraju.
Urodzony w obwodzie smoleńskim, wykształcony w Petersburgu. Kształtowanie się światopoglądu i głównej idei pracy Michaiła Glinki ułatwiła bezpośrednia komunikacja z takimi osobistościami jak A.S. Puszkin, W.A. Zhukovsky, A.S. Griboyedov, A.A. Delvig. Impulsu twórczego do jego twórczości dodała wieloletnia podróż do Europy na początku lat 30. XIX wieku oraz spotkania z czołowymi kompozytorami tamtych czasów - V. Bellinim, G. Donizettim, F. Mendelssohnem, a później z G. Berliozem, J. Meyerbeera. Sukces przyniósł MI Glinka po wystawieniu opery „Iwan Susanin” („Życie dla cara”) (1836), która została entuzjastycznie przyjęta przez wszystkich, po raz pierwszy w muzyce światowej, rosyjskiej sztuce chóralnej i europejskiej symfoniczno-operowej Organicznie połączono praktykę i pojawił się bohater podobny do Susanin, którego wizerunek podsumowuje najlepsze cechy charakteru narodowego. VF Odoevsky opisał operę jako „nowy element w sztuce i rozpoczyna się nowy okres w jej historii – okres muzyki rosyjskiej”.
Druga opera - epos „Rusłan i Ludmiła” (1842), nad którym dzieło toczyło się na tle śmierci Puszkina i w trudnych warunkach życia kompozytora, ze względu na głęboko nowatorski charakter dzieła, było niejednoznaczne przyjęta przez publiczność i władze i wzbudziła w M.I. Glinkę nieprzyjemne uczucia. Potem dużo podróżował, mieszkając na przemian w Rosji i za granicą, nie przestając komponować. W jego spuściźnie pozostały romanse, dzieła symfoniczne i kameralne. W latach 90. „Pieśń patriotyczna” Michaiła Glinki była oficjalnym hymnem Federacji Rosyjskiej.

Cytat M.I. Glinki: „Aby tworzyć piękno, trzeba być czystym w duszy”.

Cytat o MI Glinki: „Cała rosyjska szkoła symfoniczna, podobnie jak cały dąb w żołędzie, zawarta jest w symfonicznej fantazji „Kamarinskaya”. PI Czajkowski

Ciekawostka: Michaił Iwanowicz Glinka nie różnił się dobrym zdrowiem, mimo to był bardzo wyluzowany i bardzo dobrze znał geografię, być może gdyby nie został kompozytorem, zostałby podróżnikiem. Znał sześć języków obcych, w tym perski.

2. Aleksander Porfiriewicz BORODIŃ (1833—1887)

Aleksander Porfiriewicz Borodin, jeden z czołowych kompozytorów rosyjskich drugiej połowy XIX wieku, oprócz talentu kompozytorskiego, był chemikiem, lekarzem, pedagogiem, krytykiem i miał talent literacki.
Urodzony w Petersburgu, od dzieciństwa wszyscy wokół niego zwracali uwagę na jego niezwykłą aktywność, zapał i zdolności w różnych kierunkach, przede wszystkim w muzyce i chemii. A.P. Borodin jest rosyjskim kompozytorem samorodnym, nie miał profesjonalnych nauczycieli muzyki, wszystkie jego osiągnięcia w muzyce wynikają z samodzielnej pracy nad opanowaniem techniki komponowania. Na powstanie A.P. Borodina wpłynęła praca M.I. Glinka (a także wszyscy rosyjscy kompozytorzy XIX wieku) oraz dwa wydarzenia dały impuls do gęstej okupacji kompozycji na początku lat 60. XIX wieku - po pierwsze znajomość i małżeństwo z utalentowaną pianistką E.S. Protopopovą, a po drugie spotkanie z M.A. Bałakiriewa i dołączenie do twórczej społeczności rosyjskich kompozytorów, znanej jako „Potężna garść”. Pod koniec lat 70. i 80. XIX wieku A.P. Borodin dużo podróżował i koncertował po Europie i Ameryce, spotykał się z czołowymi kompozytorami swoich czasów, jego sława rosła, stał się jednym z najbardziej znanych i popularnych kompozytorów rosyjskich w Europie pod koniec XIX wieku wiek wiek.
Centralne miejsce w twórczości A.P. Borodina zajmuje opera „Książę Igor” (1869-1890), która jest przykładem narodowego heroicznego eposu w muzyce i której on sam nie miał czasu dokończyć (ukończył ją jego przyjaciele A.A. Glazunov i N.A. Rimsky-Korsakov). W „Księciu Igorze” na tle majestatycznych obrazów wydarzeń historycznych odzwierciedlona została główna idea całego dzieła kompozytora - odwaga, spokojna wielkość, duchowa szlachetność najlepszych Rosjan i potężna siła cały naród rosyjski, manifestujący się w obronie ojczyzny. Pomimo tego, że A.P. Borodin pozostawił po sobie stosunkowo niewiele utworów, jego twórczość jest bardzo zróżnicowana i uważany jest za jednego z ojców rosyjskiej muzyki symfonicznej, który wpłynął na wiele pokoleń kompozytorów rosyjskich i zagranicznych.

Cytat o A.P. Borodinie: „Talent Borodina jest równie potężny i niesamowity zarówno w symfonii, jak iw operze oraz w romansie. Jego główne cechy to gigantyczna siła i rozmach, kolosalny zakres, szybkość i żywiołowość, połączone z niesamowitą pasją, czułością i pięknem”. WW Stasow

Ciekawostka: reakcja chemiczna soli srebra kwasów karboksylowych z halogenami, w wyniku której powstają węglowodory podstawione halogenami, którą po raz pierwszy zbadał w 1861 roku, nosi imię Borodina.

3. Modest Pietrowicz MUSSORGSKI (1839—1881)

Modest Pietrowicz Musorgski - jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XIX wieku, członek „Potężnej garści”. Innowacyjna praca Musorgskiego znacznie wyprzedziła swój czas.
Urodzony w prowincji Psków. Jak wielu utalentowanych ludzi, od dzieciństwa wykazywał talent muzyczny, studiował w Petersburgu, zgodnie z rodzinną tradycją był wojskowym. Decydującym wydarzeniem, które zdecydowało, że Musorgski urodził się nie do służby wojskowej, ale do muzyki, było jego spotkanie z MA Bałakiriewem i dołączenie do „Potężnej garści”. Musorgski jest świetny, ponieważ w swoich wspaniałych dziełach – operach „Borys Godunow” i „Chowanszczina” – uchwycił w muzyce dramatyczne kamienie milowe rosyjskiej historii z radykalną nowością, której przed nim nie znała muzyka rosyjska, ukazując w nich połączenie mszy sceny ludowe i różnorodne bogactwo gatunkowe, niepowtarzalny charakter narodu rosyjskiego. Opery te, w licznych wydaniach zarówno autora, jak i innych kompozytorów, należą do najpopularniejszych oper rosyjskich na świecie. Innym wybitnym dziełem Musorgskiego jest cykl utworów fortepianowych „Obrazki z wystawy”, barwne i pomysłowe miniatury przesycone są rosyjskim refrenem i wiarą prawosławną.

W życiu Musorgskiego było wszystko - zarówno wielkość, jak i tragedia, ale zawsze wyróżniał się prawdziwą duchową czystością i bezinteresownością. Jego ostatnie lata były trudne - życiowy nieład, nierozpoznawanie twórczości, samotność, uzależnienie od alkoholu, to wszystko przesądziło o jego przedwczesnej śmierci w wieku 42 lat, pozostawił po sobie stosunkowo niewiele kompozycji, z których część została dokończona przez innych kompozytorów. Specyficzna melodia i nowatorska harmonia Musorgskiego antycypowała pewne cechy rozwoju muzycznego XX wieku i odegrała ważną rolę w rozwoju stylów wielu światowych kompozytorów.

Cytat z M.P. Musorgskiego: „Dźwięki ludzkiej mowy, jako zewnętrzne przejawy myśli i uczuć, muszą bez przesady i gwałtu stać się prawdziwą, dokładną muzyką, ale artystyczną, wysoce artystyczną”.

Cytat o MP Musorgskim: „Aborygeńskie dźwięki rosyjskie we wszystkim, co robił Musorgski” NK Roerich

Ciekawostka: pod koniec życia Musorgski pod naciskiem „przyjaciół” Stasowa i Rimskiego-Korsakowa zrzekł się praw autorskich do swoich dzieł i przekazał je Tertijowi Filippowowi

4. Piotr Iljicz Czajkowski (1840—1893)

Piotr Iljicz Czajkowski, być może największy rosyjski kompozytor XIX wieku, wzniósł rosyjską sztukę muzyczną na niespotykane dotąd wyżyny. Jest jednym z najważniejszych kompozytorów światowej muzyki klasycznej.
Pochodzący z prowincji Wiatka, choć jego ojcowskie korzenie sięgają Ukrainy, Czajkowski wykazywał zdolności muzyczne od dzieciństwa, ale jego pierwsza edukacja i praca była w dziedzinie prawa. Czajkowski jest jednym z pierwszych rosyjskich kompozytorów „profesjonalnych” – studiował teorię muzyki i kompozycję w nowym Konserwatorium Petersburskim. Czajkowski był uważany za kompozytora „zachodniego”, w przeciwieństwie do ludowych postaci „Potężnej garści”, z którymi miał dobre stosunki twórcze i przyjacielskie, jednak jego twórczość jest nie mniej przesiąknięta rosyjskim duchem, udało mu się w wyjątkowy sposób połączyć zachodnie dziedzictwo symfoniczne Mozarta, Beethovena i Schumanna z rosyjskimi tradycjami odziedziczonymi po Michaiłu Glinki.
Kompozytor prowadził aktywne życie – był nauczycielem, dyrygentem, krytykiem, osobą publiczną, pracował w dwóch stolicach, podróżował po Europie i Ameryce. Czajkowski był osobą dość niestabilną emocjonalnie, entuzjazm, przygnębienie, apatię, drażliwość, gwałtowną złość - wszystkie te nastroje zmieniały się w nim dość często, będąc osobą bardzo towarzyską, zawsze dążył do samotności.
Wyróżnienie tego, co najlepsze z twórczości Czajkowskiego, jest trudnym zadaniem, ma on kilka utworów o jednakowej wielkości w prawie wszystkich gatunkach muzycznych - operze, balecie, symfonii, muzyce kameralnej. Treść muzyki Czajkowskiego jest uniwersalna: z niepowtarzalną melodyką ogarnia obrazy życia i śmierci, miłości, natury, dzieciństwa, w nowy sposób odsłania dzieła literatury rosyjskiej i światowej, odzwierciedla głębokie procesy życia duchowego.

Cytat kompozytora:
„Jestem artystą, który może i musi przynosić honor swojej Ojczyźnie. Czuję w sobie wielką artystyczną siłę, nie zrobiłem jeszcze nawet dziesiątej części tego, co mogę. I chcę to zrobić z całych sił. dusza."
„Życie ma urok tylko wtedy, gdy składa się na przemian radości i smutków, walki dobra i zła, światła i cienia, jednym słowem, różnorodności w jedności”.
„Wielki talent wymaga ciężkiej pracy”.

Cytat o kompozytorze: "Jestem gotów dzień i noc stanąć na straży honorowej na ganku domu, w którym mieszka Piotr Iljicz - do tego stopnia go szanuję" A.P. Czechow

Ciekawostka: Uniwersytet Cambridge zaocznie i bez obrony rozprawy przyznał Czajkowskiemu tytuł doktora muzyki, a paryska Akademia Sztuk Pięknych wybrała go na członka-korespondenta.

5. Nikołaj Andriejewicz RIMSKY-KORSAKOV (1844—1908)

Nikołaj Andriejewicz Rimski-Korsakow to utalentowany rosyjski kompozytor, jedna z najważniejszych postaci w tworzeniu bezcennego krajowego dziedzictwa muzycznego. Jego osobliwy świat i kult odwiecznego wszechogarniającego piękna wszechświata, podziw dla cudu istnienia, jedności z naturą nie mają w historii muzyki odpowiedników.
Urodzony w prowincji nowogrodzkiej, zgodnie z rodzinną tradycją, został oficerem marynarki wojennej, na okręcie wojennym podróżował po wielu krajach Europy i dwóch Amerykach. Wykształcenie muzyczne otrzymał najpierw od matki, a następnie pobierał prywatne lekcje u pianisty F. Canille'a. I znowu, dzięki M.A. Balakirevowi, organizatorowi Potężnej garści, który wprowadził Rimskiego-Korsakowa do muzycznej społeczności i wpłynął na jego twórczość, świat nie stracił utalentowanego kompozytora.
Centralne miejsce w dziedzictwie Rimskiego-Korsakowa zajmują opery - 15 utworów demonstrujących różnorodne gatunkowe, stylistyczne, dramatyczne, kompozytorskie decyzje kompozytora, jednak posiadające szczególny styl - z całym bogactwem komponentu orkiestrowego, melodyczne linie wokalne są główne. Twórczość kompozytora wyróżniają się na dwa główne kierunki: pierwszy to historia Rosji, drugi to świat baśni i epopei, za co otrzymał przydomek „gawędziarz”.
Oprócz bezpośredniej niezależnej działalności twórczej N.A. Rimski-Korsakow znany jest jako publicysta, kompilator zbiorów pieśni ludowych, którymi wykazywał duże zainteresowanie, a także jako finalista dzieł swoich przyjaciół – Dargomyżskiego, Musorgskiego i Borodina. Rimski-Korsakow był założycielem szkoły kompozytorskiej, jako pedagog i kierownik Konserwatorium Petersburskiego wyprodukował około dwustu kompozytorów, dyrygentów, muzykologów, m.in. Prokofiewa i Strawińskiego.

Cytat o kompozytorze: "Rimski-Korsakow był bardzo rosyjskim człowiekiem i bardzo rosyjskim kompozytorem. Uważam, że tę pierwotną rosyjską istotę, jego głęboką tradycję folklorystyczno-rosyjską, należy dziś szczególnie docenić." Mścisław Rostropowicz

Twórczość kompozytorów rosyjskich końca XIX - pierwszej połowy XX wieku jest holistyczną kontynuacją tradycji szkoły rosyjskiej. Jednocześnie nazwano koncepcję podejścia do „narodowej” przynależności tej lub innej muzyki, praktycznie nie ma bezpośredniego cytowania melodii ludowych, ale pozostała rosyjska podstawa intonacyjna, rosyjska dusza.

6. Aleksander Nikołajewicz SKRYABIN (1872 - 1915)

Aleksander Nikołajewicz Skriabin to rosyjski kompozytor i pianista, jedna z najjaśniejszych osobowości rosyjskiej i światowej kultury muzycznej. Oryginalne i głęboko poetyckie dzieło Skriabina wyróżniało się innowacyjnością nawet na tle narodzin wielu nowych nurtów w sztuce, związanych ze zmianami w życiu publicznym przełomu XIX i XX wieku.
Urodzony w Moskwie, jego matka zmarła wcześnie, jego ojciec nie mógł zwracać uwagi na syna, ponieważ był ambasadorem w Persji. Skriabin był wychowywany przez ciotkę i dziadka, od dzieciństwa wykazywał zdolności muzyczne. Początkowo uczył się w korpusie kadetów, brał prywatne lekcje gry na fortepianie, po ukończeniu korpusu wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, jego kolegą z klasy był S.V. Rachmaninow. Po ukończeniu konserwatorium Skriabin poświęcił się całkowicie muzyce – jako koncertowy pianista-kompozytor jeździł po Europie i Rosji, spędzając większość czasu za granicą.
Szczytem twórczości Skriabina były lata 1903-1908, kiedy powstały III Symfonia („Poemat Boski”), symfoniczny „Poemat ekstazy”, wiersze fortepianowe „Tragiczne” i „szatańskie”, IV i V sonata oraz inne utwory. wydany. „Wiersz ekstazy”, składający się z kilku tematów-obrazów, skoncentrował twórcze pomysły Sryabina i jest jego jasnym arcydziełem. Harmonijnie połączył zamiłowanie kompozytora do potęgi wielkiej orkiestry i lirycznego, zwiewnego brzmienia instrumentów solowych. Kolosalna energia witalna, ognista pasja, moc silnej woli zawarte w „Poemacie ekstazy” robi na słuchaczu nieodparte wrażenie i do dziś zachowuje siłę swojego oddziaływania.
Kolejnym arcydziełem Skriabina jest „Prometeusz” („Poemat ognia”), w którym autor całkowicie zaktualizował swój język harmoniczny, odchodząc od tradycyjnego systemu tonalnego i po raz pierwszy w historii utworowi temu miał towarzyszyć kolor muzyka, ale premiera, ze względów technicznych, nie przeszła żadnych efektów świetlnych.
Ostatnią niedokończoną „Tajemnicą” była idea Skriabina, marzyciela, romantyka, filozofa, aby przemówić do całej ludzkości i zainspirować go do stworzenia nowego fantastycznego porządku świata, zjednoczenia Ducha Uniwersalnego z Materią.

Cytat A.N. Scriabina: „Powiem im (ludziom), że… nie oczekują od życia niczego poza tym, co mogą stworzyć dla siebie… Powiem im, że nie ma się czym opłakiwać o tym, że nie ma straty "Aby nie bali się rozpaczy, która jako jedyna może dać początek prawdziwemu triumfowi. Silny i potężny jest ten, kto przeżył rozpacz i ją pokonał."

Cytat o A.N. Skriabinie: „Praca Skriabina była jego czasem, wyrażona w dźwiękach. Ale kiedy chwilowe, przemijające znajduje swój wyraz w twórczości wielkiego artysty, nabiera trwałego znaczenia i staje się trwałe”. G. W. Plechanow

7. Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow (1873 - 1943)

Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow to największy światowy kompozytor początku XX wieku, utalentowany pianista i dyrygent. Twórczy obraz Rachmaninowa jako kompozytora określany jest często przydomkiem „najbardziej rosyjski kompozytor”, podkreślając w tym krótkim sformułowaniu jego zasługi w jednoczeniu tradycji muzycznych moskiewskiej i petersburskiej szkoły kompozytorskiej oraz w tworzeniu własnego, niepowtarzalnego stylu, który wyróżnia się w odosobnieniu w światowej kulturze muzycznej.
Urodzony w prowincji nowogrodzkiej, od czwartego roku życia rozpoczął naukę muzyki pod kierunkiem matki. Studiował w Konserwatorium Petersburskim, po 3 latach studiów przeniósł się do Konserwatorium Moskiewskiego i ukończył je z dużym złotym medalem. Szybko dał się poznać jako dyrygent i pianista, komponujący muzykę. Katastrofalna premiera przełomowej Pierwszej Symfonii (1897) w Petersburgu spowodowała kryzys twórczy kompozytora, z którego na początku XX wieku wyszedł Rachmaninow w stylu łączącym rosyjskie pieśni kościelne, zanikający europejski romantyzm, współczesny impresjonizm i neoklasycyzm, a wszystko to przesycone złożona symbolika. W tym okresie twórczym narodziły się jego najlepsze dzieła, m.in. 2 i 3 koncerty fortepianowe, II Symfonia oraz jego ulubione dzieło – poemat „Dzwony” na chór, solistów i orkiestrę.
W 1917 r. Rachmaninow i jego rodzina zostali zmuszeni do opuszczenia naszego kraju i osiedlenia się w Stanach Zjednoczonych. Przez prawie dziesięć lat po swoim odejściu nie komponował niczego, ale intensywnie koncertował w Ameryce i Europie i był uznawany za jednego z najwybitniejszych pianistów epoki i największego dyrygenta. Mimo całej burzliwej działalności Rachmaninow pozostał osobą bezbronną i niepewną, dążąc do samotności, a nawet samotności, unikając natrętnej uwagi opinii publicznej. Szczerze kochał i tęsknił za swoją ojczyzną, zastanawiając się, czy popełnił błąd, opuszczając ją. Był stale zainteresowany wszystkimi wydarzeniami odbywającymi się w Rosji, czytał książki, gazety i czasopisma, pomagał finansowo. Efektem jego twórczej drogi stały się jego ostatnie kompozycje – III Symfonia (1937) i „Tańce symfoniczne” (1940), absorbujące wszystko, co najlepsze w jego niepowtarzalnym stylu i żałobnym poczuciu nieodwracalnej straty i tęsknoty za domem.

Cytat S.V. Rachmaninowa:
„Czuję się jak duch wędrujący samotnie w obcym mu świecie”.
„Najwyższą jakością każdej sztuki jest jej szczerość”.
„Wielcy kompozytorzy zawsze i przede wszystkim zwracali uwagę na melodię jako na przewodnią zasadę w muzyce. Melodia to muzyka, główna podstawa wszelkiej muzyki… Pomysłowość melodyczna, w najwyższym tego słowa znaczeniu, jest głównym celem życiowym kompozytora. ... Z tego powodu wielcy kompozytorzy przeszłości okazywali tak duże zainteresowanie melodiami ludowymi swoich krajów.

Cytat o S.V. Rachmaninowie:
„Rachmaninow był zrobiony ze stali i złota: Stal w jego rękach, złoto w jego sercu. Nie mogę o nim myśleć bez łez. Nie tylko skłoniłem się przed wielkim artystą, ale kochałem w nim mężczyznę”. I. Hoffmana
"Muzyką Rachmaninowa jest Ocean. Jego fale - muzykalne - zaczynają się tak daleko poza horyzont i unoszą cię tak wysoko i tak powoli opadają... że czujesz tę Moc i Oddech." A. Konczałowski

Ciekawostka: podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Rachmaninow dał kilka koncertów charytatywnych, z których zebrane pieniądze przesłał na fundusz Armii Czerwonej na walkę z nazistowskimi najeźdźcami.

8. Igor Fiodorowicz STRAWIŃSKI (1882-1971)

Igor Fiodorowicz Strawiński to jeden z najbardziej wpływowych kompozytorów światowych XX wieku, lider neoklasycyzmu. Strawiński stał się „lustrem” ery muzycznej, jego twórczość odzwierciedla wielość stylów, nieustannie się przecinających i trudnych do sklasyfikowania. Swobodnie łączy gatunki, formy, style, wybierając je z wielowiekowej muzycznej historii i podporządkowując własnym regułom.
Urodzony pod Petersburgiem, studiował na Wydziale Prawa Uniwersytetu w Petersburgu, samodzielnie studiował dyscypliny muzyczne, pobierał prywatne lekcje u N. A. Rimskiego-Korsakowa, była to jedyna szkoła kompozytorska Strawińskiego, dzięki której opanował do perfekcji technikę kompozytorską. Zaczął komponować zawodowo stosunkowo późno, ale awans był szybki - seria trzech baletów: Ognisty ptak (1910), Pietruszka (1911) i Święto wiosny (1913) od razu sprowadziła go do grona kompozytorów pierwszej wielkości. .
W 1914 opuścił Rosję, jak się okazało prawie na zawsze (w 1962 odbyły się wycieczki po ZSRR). Strawiński jest kosmopolitą, który musiał zmienić kilka krajów - Rosję, Szwajcarię, Francję, i ostatecznie zamieszkał w USA. Jego twórczość dzieli się na trzy okresy - „rosyjski”, „neoklasyczny”, amerykański „produkcja seryjna”, okresy są podzielone nie według czasu życia w różnych krajach, ale według „pisma ręcznego” autora.
Strawiński był bardzo wykształconą, towarzyską osobą ze wspaniałym poczuciem humoru. W kręgu jego znajomych i korespondentów byli muzycy, poeci, artyści, naukowcy, biznesmeni, mężowie stanu.
Ostatnie najwyższe osiągnięcie Strawińskiego – „Requiem” (Pieśni dla umarłych) (1966) pochłonęło i połączyło dotychczasowe doświadczenia artystyczne kompozytora, stając się prawdziwą apoteozą dzieła mistrza.
W twórczości Stawińskiego wyróżnia się jedna wyjątkowa cecha - „wyjątkowość”, nie bez powodu nazywano go „kompozytorem tysiąca i jednego stylu”, ciągła zmiana gatunku, stylu, kierunku fabuły – każde z jego dzieł jest wyjątkowe , ale ciągle wracał do projektów, w których widoczne jest rosyjskie pochodzenie, słyszał rosyjskie korzenie.

Cytat I.F. Strawińskiego: „Mówię po rosyjsku przez całe życie, mam rosyjski styl. Może w mojej muzyce nie jest to od razu widoczne, ale jest w niej nieodłączne, tkwi w jej ukrytej naturze”

Cytat o I.F. Strawińskim: „Strawiński jest prawdziwie rosyjskim kompozytorem… Rosyjski duch jest niezniszczalny w sercu tego naprawdę wielkiego, wieloaspektowego talentu, zrodzonego z rosyjskiej ziemi i żywotnie z nią związanego…” D. Szostakowicz

Ciekawostka (rower):
W Nowym Jorku Strawiński wziął taksówkę i ze zdziwieniem przeczytał jego nazwisko na znaku.
- Nie jesteś krewnym kompozytora? zapytał kierowcę.
- Czy jest kompozytor o takim nazwisku? - kierowca był zaskoczony. - Słyszę to po raz pierwszy. Jednak Strawiński to nazwisko właściciela taksówki. Nie mam nic wspólnego z muzyką - nazywam się Rossini...

9. Siergiej Siergiejewicz PROKOFIEW (1891—1953)

Sergei Sergeevich Prokofiev - jeden z najwybitniejszych rosyjskich kompozytorów XX wieku, pianista, dyrygent.
Urodzony w regionie Doniecka, od dzieciństwa dołączył do muzyki. Prokofiewa można uznać za jednego z nielicznych (jeśli nie jedynych) rosyjskich muzycznych „cudownych dzieci”, od 5 roku życia zajmował się komponowaniem, w wieku 9 lat napisał dwie opery (oczywiście te utwory są jeszcze niedojrzałe, ale okazują chęć tworzenia), w wieku 13 lat zdał egzaminy w Konserwatorium w Petersburgu, wśród jego nauczycieli był N.A. Rimsky-Korsakov. Początek jego kariery zawodowej wywołał burzę krytyki i niezrozumienia jego indywidualnego, fundamentalnie antyromantycznego i skrajnie modernistycznego stylu, paradoks polega na tym, że łamiąc akademickie kanony, struktura jego kompozycji pozostała wierna klasycznym zasadom, a następnie stała się powstrzymującą siłę modernistycznego, całkowicie zaprzeczającego sceptycyzmowi. Od samego początku swojej kariery Prokofiew dużo koncertował i koncertował. W 1918 odbył zagraniczne tournée, m.in. odwiedził ZSRR, by w końcu wrócić do ojczyzny w 1936 roku.
Kraj się zmienił, a „wolna” twórczość Prokofiewa została zmuszona do ustąpienia realiom nowych żądań. Talent Prokofiewa rozkwitł z nową energią - pisze opery, balety, muzykę do filmów - muzyka ostra, silna, niezwykle trafna, z nowymi obrazami i ideami, położyła podwaliny pod sowiecką muzykę klasyczną i operę. W 1948 r. prawie jednocześnie miały miejsce trzy tragiczne wydarzenia: pod zarzutem szpiegostwa aresztowano jego pierwszą żonę Hiszpankę i zesłano ją do obozów; wydano dekret Polibiura KC WKP(b), w którym Prokofiew, Szostakowicz i inni zostali zaatakowani i oskarżeni o „formalizm” i niebezpieczeństwa związane z ich muzyką; nastąpiło gwałtowne pogorszenie stanu zdrowia kompozytora, wycofał się do kraju i praktycznie go nie opuścił, ale nadal komponował.
Jednymi z najjaśniejszych dzieł okresu sowieckiego były opery „Wojna i pokój”, „Opowieść o prawdziwym człowieku”; balety „Romeo i Julia”, „Kopciuszek”, które stały się nowym standardem światowej muzyki baletowej; oratorium „Na straży świata”; muzyka do filmów „Aleksander Newski” i „Iwan Groźny”; symfonie nr 5,6,7; praca na fortepianie.
Twórczość Prokofiewa uderza wszechstronnością i rozmachem tematycznym, oryginalność jego muzycznego myślenia, świeżość i oryginalność ukształtowały całą epokę w światowej kulturze muzycznej XX wieku i wywarły silny wpływ na wielu kompozytorów sowieckich i zagranicznych.

Cytat SS Prokofiewa:
"Czy artysta może odejść od życia?... Jestem przekonany, że kompozytor, podobnie jak poeta, rzeźbiarz, malarz, jest powołany do służby człowiekowi i ludowi... Przede wszystkim musi być obywatelem jego sztuka, śpiewa o ludzkim życiu i prowadzi człowieka do jaśniejszej przyszłości...
„Jestem manifestacją życia, która daje mi siłę do przeciwstawiania się wszystkim nieduchowym”

Cytat o S.S. Prokofiewie: „...wszystkie aspekty jego muzyki są piękne. Ale jest tu jedna rzecz zupełnie niezwykła. Podobno wszyscy mamy jakieś porażki, wątpliwości, po prostu zły nastrój. I w takich momentach, nawet jeśli Nie gram i nie słucham Prokofiewa, tylko pomyśl o nim, dostaję niesamowity zastrzyk energii, czuję wielką chęć do życia, działania” E. Kissin

Ciekawostka: Prokofiew bardzo lubił szachy i wzbogacił grę swoimi pomysłami i osiągnięciami, w tym wymyślonymi przez siebie „dziewiątkami” – planszą 24x24 z umieszczonymi na niej dziewięcioma zestawami pionków.

10. Dmitrij Dmitriewicz SZOSTAKowicz (1906 - 1975)

Dmitrij Dmitriewicz Szostakowicz jest jednym z najbardziej znaczących i wykonywanych kompozytorów na świecie, jego wpływ na współczesną muzykę klasyczną jest niezmierzony. Jego kreacje są prawdziwym wyrazem wewnętrznego dramatu człowieka i kroniką trudnych wydarzeń XX wieku, gdzie to, co głęboko osobiste, splata się z tragedią człowieka i ludzkości, z losami jego ojczyzny.
Urodzony w Petersburgu pierwsze lekcje muzyki pobierał od matki, ukończył Konserwatorium Petersburskie, po wstąpieniu do którego rektor Aleksander Głazunow porównał go z Mozartem – zachwycił wszystkich doskonałą pamięcią muzyczną, bystrym słuchem i talentem kompozytorskim . Już na początku lat dwudziestych, pod koniec konserwatorium, Szostakowicz miał bagaż własnych utworów i stał się jednym z najlepszych kompozytorów w kraju. Światowa sława przyniosła Szostakowiczowi wygraną w I Międzynarodowym Konkursie Chopinowskim w 1927 roku.
Do pewnego okresu, a mianowicie przed realizacją opery „Lady Makbet z mceńskiego powiatu”, Szostakowicz pracował jako niezależny artysta - „awangarda”, eksperymentując ze stylami i gatunkami. Ostre potępienie tej opery w 1936 roku i represje z 1937 roku zapoczątkowały późniejszą wewnętrzną walkę Szostakowicza o chęć wyrażenia swoich poglądów własnymi środkami w obliczu narzucanych przez państwo trendów w sztuce. W jego życiu polityka i twórczość bardzo się splatają, był chwalony przez władze i przez nie prześladowany, piastował wysokie stanowiska i był z nich usuwany, został nagrodzony i był na skraju aresztowania siebie i swoich bliskich.
Miękki, inteligentny, delikatny człowiek, swoją formę wyrażania zasad twórczych odnalazł w symfoniach, w których mógł jak najbardziej otwarcie opowiedzieć prawdę o czasie. Spośród wszystkich obszernych dzieł Szostakowicza we wszystkich gatunkach, to symfonie (15 utworów) zajmują centralne miejsce, najbardziej dramatyczne są symfonie 5,7,8,10,15, które stały się szczytem sowieckiej muzyki symfonicznej. Zupełnie inny Szostakowicz otwiera się w muzyce kameralnej.
Mimo, że sam Szostakowicz był kompozytorem „domowym” i praktycznie nie wyjeżdżał za granicę, jego muzyka, w istocie humanistyczna i prawdziwie artystyczna w formie, szybko i szeroko rozpowszechniła się na całym świecie, wykonywana przez najlepszych dyrygentów. Ogrom talentu Szostakowicza jest tak ogromny, że pełne zrozumienie tego wyjątkowego fenomenu sztuki światowej ma dopiero nadejść.

Cytat D.D. Szostakowicza: „Prawdziwa muzyka jest w stanie wyrazić tylko ludzkie uczucia, tylko zaawansowane ludzkie idee”.

9 grudnia 1836 (27 listopada, stary styl) odbyła się premiera opery Michaiła Iwanowicza Glinki Życie za cara na scenie petersburskiego Teatru Bolszoj, która zapoczątkowała nową erę w rosyjskiej muzyce operowej .

Dzięki tej operze rozpoczęła się pionierska ścieżka pierwszego rosyjskiego kompozytora klasycznego, wypychając go na światowy poziom. Porozmawiamy o najważniejszych muzycznych odkryciach Glinki.

Pierwsza Opera Narodowa

M. I. Glinka w pełni zrealizował swój prawdziwy cel podczas podróży po Europie. To właśnie z dala od ojczyzny kompozytor postanowił stworzyć prawdziwą rosyjską operę i zaczął szukać dla niej odpowiedniej fabuły. Za radą Żukowskiego Glinka zdecydował się na patriotyczną opowieść - legendę o wyczynie Iwana Susanina, który oddał życie w imię ratowania ojczyzny.

Po raz pierwszy w światowej muzyce operowej pojawił się taki bohater - prostego pochodzenia i posiadający najlepsze cechy charakteru narodowego. Po raz pierwszy w dziele muzycznym tej wielkości zabrzmiały najbogatsze tradycje narodowego folkloru, rosyjskie pisanie piosenek. Publiczność przyjęła operę z przytupem, do kompozytora przybyło uznanie i sława. W liście do matki Glinka pisał:

„Ubiegłej nocy moje pragnienia w końcu się spełniły, a moja długa praca została ukoronowana najbardziej błyskotliwym sukcesem. Publiczność przyjęła moją operę z niezwykłym entuzjazmem, aktorzy z zapałem stracili panowanie nad sobą… suweren-cesarz… dziękował i długo rozmawiał…”.

Opera została wysoko oceniona przez krytyków i osobistości kultury. Odoevsky nazwał to „początkiem nowego elementu w sztuce - okresu muzyki rosyjskiej”.

Bajkowa epopeja pojawia się w muzyce

W 1837 Glinka rozpoczęła pracę nad nową operą, tym razem zwracając się do wiersza A. S. Puszkina Rusłan i Ludmiła. Pomysł na umieszczenie baśniowej epopei w muzyce przyszedł do Glinki jeszcze za życia poety, który miał mu pomóc przy libretto, ale śmierć Puszkina pokrzyżowała te plany.

Prapremiera opery odbyła się w 1842 r. - 9 grudnia, dokładnie sześć lat po Susanin, ale niestety nie przyniosła równie głośnego sukcesu. Społeczeństwo arystokratyczne, na czele z rodziną cesarską, spotkało się z produkcją z wrogością. Krytycy, a nawet zwolennicy Glinki zareagowali na operę niejednoznacznie.

„Pod koniec aktu V rodzina cesarska opuściła teatr. Gdy kurtyna została opuszczona, zaczęli do mnie dzwonić, ale klaskali bardzo nieprzyjaźnie, tymczasem gorliwie syczali, i to głównie ze sceny i orkiestry”

- wspominał kompozytor.

Powodem tej reakcji była innowacja Glinki, z którą podszedł do stworzenia Rusłana i Ludmiły. Kompozytor połączył w tym utworze zupełnie inne motywy i obrazy, które wcześniej wydawały się rosyjskiemu słuchaczowi nie do pogodzenia - liryczne, epickie, folklorystyczne, orientalne i fantastyczne. Ponadto Glinka pozostawiła znaną widzowi formę włoskiej i francuskiej szkoły operowej.

Ta późniejsza bajeczna epopeja została wzmocniona w pracach Rimskiego-Korsakowa, Czajkowskiego, Borodina. Ale w tym czasie publiczność po prostu nie była gotowa na tego rodzaju rewolucję w muzyce operowej. Opera Glinki od dawna nie była uważana za dzieło sceniczne. Jeden z jej obrońców, krytyk V. Stasov, nazwał ją nawet „męczennicą naszych czasów”.

Początki rosyjskiej muzyki symfonicznej

Po niepowodzeniu Rusłana i Ludmiły Glinka wyjechał za granicę, gdzie dalej tworzył. W 1848 roku pojawiła się słynna „Kamarinskaya” - fantazja na temat dwóch rosyjskich pieśni - ślubu i tańca. Rosyjska muzyka symfoniczna wywodzi się z Kamarinskaya. Jak wspominał kompozytor, napisał go bardzo szybko, dlatego nazwał to fantazją.

„Mogę zapewnić, że komponując ten utwór kierowałem się jedynym wewnętrznym odczuciem muzycznym, nie zastanawiając się nad tym, co dzieje się na weselach, jak chodzą nasi prawosławni”

Glinka powiedziała później. Ciekawe, że „eksperci” bliscy cesarzowej Aleksandry Fiodorownej wyjaśnili jej, że w jednym miejscu pracy wyraźnie słychać, jak „pijany mężczyzna puka do drzwi chaty”.

Tak więc, poprzez dwie najpopularniejsze rosyjskie piosenki, Glinka zatwierdziła nowy rodzaj muzyki symfonicznej i położył podwaliny pod jej dalszy rozwój. Czajkowski komentował pracę w następujący sposób:

„Cała rosyjska szkoła symfoniczna, jak cały dąb w żołądku, zawarta jest w symfonicznej fantazji „Kamarinskaya”.

Rzadki dziś teatr obywa się bez rosyjskiego repertuaru: wystawia klasyczne opery Piotra Czajkowskiego i Nikołaja Rimskiego-Korsakowa, Modesta Musorgskiego i Igora Strawińskiego, Siergieja Prokofiewa i Dymitra Szostakowicza. Portal Kultura.RF badał plakaty z różnych lat w poszukiwaniu ulubionych przez Zachód dzieł domowych, od XIX wieku po współczesność.

19 wiek

W 1844 r. dyrektor Nadwornej Kaplicy Śpiewającej w Petersburgu, kompozytor Aleksiej Lwów, wystawił w Teatrze Królewskim w Dreźnie operę Bianca i Gualtiero. Dziesięć lat później w Weimarze wystawiono operę Antona Rubinsteina Łowcy syberyjscy pod dyrekcją słynnego kompozytora i pianisty Franciszka Liszta. Były to pierwsze opery, które zdobyły uznanie za granicą. To prawda, dziś Rubinstein znany jest z innej opery – „Demon”, a Lwów – jako autor hymnu „God Save the Car!”.

Pod koniec XIX wieku muzyka rosyjska była wykonywana niemal we wszystkich głównych salach Europy i USA – jej twarzą na Zachodzie stali się Michaił Glinka, Anton Rubinstein i Piotr Czajkowski. Europejska publiczność obejrzała „Życie za cara” Glinki i „Rusłana i Ludmiły” odpowiednio w latach 1866 i 1867 – spektakle odbyły się w Pradze. W tym samym miejscu w latach 80. i 90. XIX wieku odbyły się europejskie premiery oper Piotra Czajkowskiego Dziewica orleańska, Eugeniusz Oniegin i Dama pikowa.

„Glinka, podobnie jak Bortniansky, studiowała u Basurmanów… ale tylko w formie. Wewnętrzny duch jego twórczości, treść jego muzyki jest całkowicie oryginalna. Glinka pisała iście rosyjskie opery i stworzyła zupełnie nową, jeśli nie szkołę, to przynajmniej szkołę muzyczną, do której należę i jestem potomkiem Glinki.

Piotr Czajkowski. Z listu do wydawcy Petera Jurgensona

W 1887 roku w Nowym Jorku wystawiono opera Antona Rubinsteina Nero. A rok później, mimo tradycji tłumaczenia libretta, w Londynie wykonali w oryginale jego własnego „Demona”.

1900-1930

5 marca 1910 w nowojorskiej Metropolitan Opera po raz pierwszy w Ameryce zaprezentowano „Damę pikową” Czajkowskiego – w języku niemieckim. Prawykonanie poprowadził austriacki kompozytor Gustav Mahler, a główne partie wykonały ówczesne gwiazdy - Leo Ślezak i Emmy Destinn. W 1913 r. w Metropolitan wystawiono opera Modesta Musorgskiego „Borys Godunow”, aw 1917 r. - „Książę Igor” Aleksandra Borodina. W 1920 roku nowojorska publiczność otrzymała "Eugeniusza Oniegina" - w języku włoskim oraz z włoskimi gwiazdami Claudia Muzio i Giuseppe De Luca. Europejska publiczność obejrzała także Śnieżną Pannę Nikołaja Rimskiego-Korsakowa oraz operę komiczną Sorochinsky Fair Musorgskiego.

W tym samym czasie muzyka rosyjska podbiła młody, ale już znany w Europie Festiwal Salzburski: w 1928 r. do miasta Mozarta przybyła delegacja z Leningradu. Śpiewak operowy Nikołaj Czesnokow wykonał rolę Pancrasia we współczesnej operze komicznej Salamanca Cave austriackiego kompozytora Bernharda Paumgartnera. Libretto do opery w języku rosyjskim napisał sowiecki reżyser i tenor Emmanuil Kaplan. Śpiewał także rolę Kaszczeja w Kashchei the Immortal Rimskiego-Korsakowa i wystawił Kamiennego gościa Aleksandra Dargomyżskiego. Rolę Kashcheevny na Festiwalu w Salzburgu w 1928 roku wykonała przyszła gwiazda Akademickiego Teatru Opery i Baletu (dziś Maryjski) Sofia Preobrazhenskaya.

1930-1990

Mimo wojen światowych i żelaznej kurtyny balety i muzyka rosyjskich kompozytorów nadal pojawiały się na zagranicznych scenach przez cały XX wiek. Ale z operami było inaczej: od lat 30. do 90. praktycznie nie grały one w europejskich teatrach – wystawiały tylko popularne spektakle. Na przykład Borys Godunow został wystawiony w Salzburgu, wystawiony przez szefa festiwalu Herberta von Karajana: opera trwała trzy lata z rzędu - od 1965 do 1967. W partii tytułowej zabłysnął bułgarski bas Nikolay Gyaurov, tenor Teatru Bolszoj Aleksiej Maslennikov wcielił się w rolę Pretendenta – Grigorija Otrepyeva. W 1971 roku ukazało się nagranie „Borysa Godunowa” pod batutą austriackiego dyrygenta z Maslennikowem jako Jurodiwy i Galiną Wiszniewską jako Mariną Mniszek. Kolejny raz na Festiwalu w Salzburgu operę rosyjską zaprezentowano dopiero w 1994 roku - i znowu był to Borys Godunow.

Częściej niż inne podczas zimnej wojny główny teatr Ameryki, Metropolitan Opera, zwracał się ku dziedzictwu rosyjskiemu. Kilkakrotnie otwierał sezon rosyjskimi nazwiskami: w 1943 i 1977 – „Borys Godunow”, w 1957 i 2013 – „Eugeniusz Oniegin”. W 1950 roku wystawiono tu Khovanshchina Modesta Musorgskiego, choć w języku angielskim. Scenografię do spektaklu stworzył słynny rosyjski artysta emigracyjny Mstislav Dobuzhinsky.

Teatr chciał wystawiać opery w oryginalnym języku, ale na Zachodzie nie było wysokiej klasy śpiewaków rosyjskojęzycznych, a jednorazowe wizyty solistów Teatru Bolszoj nie zmieniły ogólnego obrazu.

„Język rosyjski stanowi szczególny problem, ponieważ rosyjskie głosy różnią się od włoskiego, francuskiego czy niemieckiego. Rosyjski śpiew ma charakterystyczną barwę, która rozbrzmiewa w klatce piersiowej, prawidłowo wykonywany brzmi jak z trzewi ziemi.

Steve'a Coena. Krytyk kultury

A jednak w 1972 roku Dama pikowa zabrzmiała z oryginalnym librettem. W spektakl zaangażowani byli szwedzki tenor o rosyjskich korzeniach Nikołaj Gedda i bułgarska sopranistka Raina Kabaivanska. Pierwszym korepetytorem języka rosyjskiego w Metropolitan Opera był były śpiewak Georgy Chechanovsky. Śledził wymowę, wokale i scenografię.

W 1974 roku Borys Godunow został zwolniony po rosyjsku. Choreografem poloneza do polskiego aktu był pochodzący z Petersburga twórca baletu amerykańskiego, choreograf George Balanchine. Od 1977 roku w Metropolitan śpiewa Eugeniusz Oniegin po rosyjsku, w 1979 główne role w tym przedstawieniu wykonali soliści Teatru Bolszoj Makvala Kasrashvili i Jurij Mazurok. W 1985 roku Chovanshchina wróciła na scenę w oryginalnym języku.

nowy czas

Po 1991 roku Hazardzista Siergieja Prokofiewa, Złoty Kogucik i Mozart i Salieri Nikołaja Rimskiego-Korsakowa, Aleko, Skąpy rycerz i Francesca da Rimini Siergieja Rachmaninowa, Czarodziejka » Piotr Czajkowski.

Repertuar Metropolitan Opera został również uzupełniony o nowe tytuły: opery Lady Makbet mceńskiego powiatu i Nos Szostakowicza, Hazardzista i wojna i pokój Prokofiewa, Mazeppa i Jolanta Czajkowskiego. Praktycznie we wszystkich „rosyjskich” premierach uczestniczyli główny dyrygent Teatru Maryjskiego Walery Giergiew oraz soliści z Petersburga.

W 2002 roku Teatr Maryjski i Metropolitan Opera stworzyły wspólną produkcję Wojny i pokoju w reżyserii Andrieja Konczałowskiego. Następnie publiczność i krytycy byli pod wielkim wrażeniem młodej Anny Netrebko w roli Natashy Rostowej. Rolę Andrieja Bołkońskiego wykonał Dmitrij Hvorostovsky. W 2014 roku, po raz pierwszy od nowojorskiej premiery w 1917 roku, wystawiono tu operę Książę Igor Borodina. Reżyserem został Dmitrij Czerniakow, a partię tytułową wykonał bas Teatru Maryjskiego Ildar Abdrazakow.

W ciągu ostatnich 20 lat na Festiwalu w Salzburgu zaprezentowano także wiele oper rosyjskich: Borysa Godunowa i Chowanszczynę Musorgskiego, Eugeniusza Oniegina, Damę pikową i Mazepę Czajkowskiego, Wojnę i pokój Prokofiewa, Słowik Strawińskiego. Latem 2017 roku po raz pierwszy pokazano w Salzburgu opera Dymitra Szostakowicza Lady Makbet mceńskiego powiatu, a w sierpniu 2018 roku po raz drugi w historii festiwalu zostanie wystawiona Dama pikowa. W tym sezonie Wiedeńska Opera Państwowa daje Chowanszczynę, Eugeniusza Oniegina i Hazardzistę.

Spektakle rosyjskie wystawiane są także w Paryskiej Operze Narodowej. Wiosną 2017 roku rosyjski reżyser Dmitrij Czerniakow otworzył dla Paryżan rzadko wystawianą w Europie Śnieżną Pannę Rimskiego-Korsakowa, a rok wcześniej spektakl Czerniakowa do muzyki Czajkowskiego, operę Jolanta i balet Dziadek do orzechów wieczór, stał się tu punktem kulminacyjnym sezonu, premiera w 1892 roku.

W czerwcu 2018 roku Opera Paryska zaprezentuje nową interpretację „Borysa Godunowa” w reżyserii słynnego belgijskiego reżysera Ivo van Hove, a w sezonie 2019/20 premierę „Księcia Igora” zaprezentuje Australijczyk Barry Kosky .