Wprowadzenie do fotografii abstrakcyjnej. Nie ma uniwersalnych modeli świata

Fotografia abstrakcyjna opiera się na oryginalnym postrzeganiu kształtu, koloru i linii fotografowanych obiektów, odmiennym od zwykłego postrzegania rzeczywistości. Często zdjęcia wykonane w tym gatunku fotografii wyglądają zupełnie niezrozumiale i nie każda osoba jest w stanie poprawnie zrozumieć i docenić abstrakcyjne fotografie. Tu nasuwa się uzasadnione pytanie – po co w ogóle zawracać sobie głowę tym kierunkiem fotografii, skoro istnieje wiele innych popularnych gatunków, takich jak fotografia portretowa czy krajobrazowa?

Po pierwsze, fotografia abstrakcyjna pozwala eksperymentować z niesamowitymi abstrakcyjnymi kompozycjami i formami, aby przedstawić własną wizję otaczających obiektów na zdjęciach, wykorzystując jedynie bogatą wyobraźnię. Po drugie, jeśli musisz podróżować za własne pieniądze i kupować drogi sprzęt fotograficzny, aby fotografować piękne krajobrazy, to fotografia abstrakcyjna jest znacznie bardziej dostępna i może ją uprawiać prawie każdy.

Pojęcie fotografii abstrakcyjnej

Jest wiele definicji fotografii abstrakcyjnej, a jednocześnie żadnej jasnej, konkretnej, bo trudno opisać coś abstrakcyjnego w pigułce. Na przykład Webster's Dictionary definiuje sztukę abstrakcyjną jako mającą „jedynie wewnętrzną formę i niewielkie lub żadne podobieństwo do rzeczywistości lub jakiejkolwiek treści narracyjnej”.

Zdjęcie: williamcho / Foter.com / CC BY-NC-SA

Z kolei Herbert Read w swojej pracy „Sztuka nowoczesna” z połowy XX wieku pisze, że abstrakcja to „wszystkie te dzieła sztuki, które nawet jeśli wychodzą od wyobrażenia artysty o jakimkolwiek obiekcie świata zewnętrznego, później nabierają niezależnej i samowystarczalnej wartości estetycznej, która nie jest oparta na żadnej obiektywnej rzeczywistości.

Tak czy inaczej, fotografia abstrakcyjna oznacza odejście od dokładnej reprodukcji rzeczywistości. Abstrakcyjny fotograf nie pracuje z rozpoznawalnymi przedmiotami czy tematami, ale z ich obrazami, które są oddane w obrazie za pomocą subtelnej gry kształtów, kolorów i linii.

Fotografia abstrakcyjna obejmuje szeroką gamę technik i technik. Obejmuje to wielokrotną ekspozycję, technikę klisz, fotomontaż i inne obszary, które pozwalają tworzyć nieprzewidywalne kompozycje abstrakcyjne i obrazy „poza tematem”. Niewątpliwie fotografia abstrakcyjna ma coś wspólnego z malarstwem i twórczością tak uznanych mistrzów jak Wassily Kandinsky czy Kazimierz Malewicz.

Obrazy abstrakcyjne wiążą się z odejściem od rzeczywistości i rozpoznawalnością obiektów, kiedy całą uwagę fotografa czy artysty poświęca się detalowi, fakturze i kolorowi. Aby zmienić znajomy obraz otaczających obiektów, możesz użyć fotografii zbliżeniowej, nietypowych kątów, oryginalnych efektów świetlnych, manipulacji światłem lub środkami chemicznymi. Choć w fotografii abstrakcyjnej można stosować różne techniki i nie ma fabuły ani ustalonych reguł, to jednak charakterystyczną cechą fotografii wykonanych w tym gatunku jest obecność głównej idei, znaczenia czy tajemnicy.

Jedną z zalet fotografii abstrakcyjnej jest to, że aby wykonać ciekawe i wyraziste zdjęcia, wystarczy mieć do dyspozycji niemal każdy aparat cyfrowy. Nie trzeba wydawać dużych pieniędzy na zakup drogiego sprzętu i optyki, wystarczy tu zwykła „mydelniczka”. Każdy nowoczesny aparat cyfrowy otwiera szerokie możliwości twórczego eksperymentowania i tworzenia niesamowitych abstrakcyjnych kompozycji generowanych przez wyobraźnię.

Dzięki obiektywowi zmiennoogniskowemu staranny dobór obiektów i zbliżenia mogą tworzyć interesujące, abstrakcyjne ujęcia. W końcu przy dużym wzroście nawet zwykłe artykuły gospodarstwa domowego mogą przybrać zupełnie nieoczekiwane formy i nabrać nowego znaczenia. W fotografii abstrakcyjnej, w razie potrzeby, można używać zarówno teleobiektywów, jak i optyki szerokokątnej. Najważniejsza jest tylko umiejętność dostrzeżenia nietypowego kształtu lub faktury otaczających obiektów, abstrahując od ich zwykłego wyglądu lub funkcji, jaką pełnią.

Podstawowe zasady

Nie ma twardych i szybkich zasad ani szczegółowych wytycznych dotyczących fotografii abstrakcyjnej. Dzięki różnym technikom i technikom fotograf uzyskuje możliwość swobody wypowiedzi i wszelkich eksperymentów. To prawda, tutaj musisz zrozumieć, że interpretacja abstrakcyjnych obrazów jest sprawą niezwykle subiektywną, a osoby na zdjęciu mogą zobaczyć coś zupełnie innego niż to, co chciałeś im pokazać.

Pomimo różnorodności stosowanych technik i technik, w fotografii abstrakcyjnej masz do czynienia z formą, linią, kolorem i kompozycją. Jeśli zdecydujesz się na poważnie zająć się fotografią abstrakcyjną, musisz nauczyć się uruchamiać wyobraźnię i znajdować wokół siebie te rzeczy, które pod obiektywem aparatu mogą przybrać nietypowy kształt lub wzór. Dziwne krzywe i wzory, kolorowe plamy, odblaski na wodzie – tym wszystkim zajmuje się abstrakcyjny fotograf.

Ciekawe ujęcia abstrakcyjne można uzyskać niemal wszędzie, niezależnie od tego, czy fotografujesz w naturze, czy w mieście. Robienie zdjęć makro daje dobre rezultaty – istnieje wiele obiektów, które tracą swoje zwykłe kontury i przybierają niecodzienny wygląd podczas wykonywania zdjęć makro. Budowanie kompozycji w fotografii abstrakcyjnej najlepiej zacząć od dobrego ukształtowania tematu lub tematu. Spróbuj przyjrzeć się bliżej otaczającym Cię obiektom, wśród nich możesz znaleźć wiele ciekawych rzeczy.

Najważniejsze, że kształt przedmiotu wywołuje w Tobie pewną emocję, ponieważ jedną z głównych zasad fotografii abstrakcyjnej jest: „poczuj to – zrób to”. Możesz użyć obiektywu szerokokątnego, aby uzyskać inną perspektywę, a tym samym zmienić znajomy wygląd obiektu.

Przy tworzeniu kompozycji obrazu w fotografii abstrakcyjnej często używa się linii, które zmuszają osobę do analizy obrazu. Pozwalają kontrolować ruch oczu widza, skupiając jego uwagę na określonych szczegółach, obrazach lub ładunku semantycznym. Na przykład możesz skierować linię do wizualnego środka zdjęcia, gdzie znajduje się interesujący obiekt, aby przybliżyć widzowi główne znaczenie obrazu. Możesz też po prostu narysować linie w poprzek kadru, aby widz mógł swobodnie podróżować po obrazie bez zatrzymywania się w centrum wizualnym.

Oczywiście najpotężniejszym narzędziem w fotografii abstrakcyjnej jest kolor. To kolor pobudza ludzki system nerwowy i pozwala oderwać się od tradycyjnego logicznego myślenia. Tworząc abstrakcyjny obraz fotograficzny, masz praktycznie nieograniczone możliwości wyboru kolorów. Twoje zdjęcie może być jasne, kontrastowe lub monochromatyczne, w zależności od pomysłu i własnej wizji.

Nawiasem mówiąc, ujęcia monochromatyczne doskonale nadają się do fotografii abstrakcyjnej, ponieważ pozwalają podkreślić kształt i fakturę fotografowanych obiektów. Jednocześnie dzięki zwiększonemu kontrastowi można zwrócić uwagę widza na dość prosty kompozycyjnie kadr. Jedną z powszechnych technik w fotografii abstrakcyjnej jest podświetlanie, na przykład jasnego obiektu na białym tle. Zawsze możesz bardziej nasycić kolorystykę obrazu lub zmienić go według własnego uznania za pomocą edytora graficznego.

Oprócz umiejętności uruchomienia wyobraźni i zobaczenia czegoś niezwykłego w znanych rzeczach, potrzebna będzie umiejętność odpowiedniego skomponowania każdego kadru. Nawet jeśli na obrazie zostanie uchwycone coś nie do końca jasnego, ale jednocześnie obraz ma poprawnie zbudowaną kompozycję, to z pewnością zainteresuje widza i wywoła pozytywne emocje.

Fotografia abstrakcyjna wymaga przestrzegania zasad ekspozycji, dlatego ten gatunek fotografii jest bardziej odpowiedni niż jakikolwiek inny dla początkujących miłośników fotografii. Za pomocą fotografii abstrakcyjnej można bowiem nauczyć się podstaw kompozycji, aby następnie zastosować je w innych gatunkach. Pamiętaj, jak ważne jest stworzenie ciekawej kompozycji w kadrze, aby zdjęcie wyglądało lepiej i wyraźniej wyrażało Twój pomysł lub twórczą wizję.

Działki pod kątem ciekawych rozwiązań kompozycyjnych można znaleźć dosłownie na każdym kroku, od fotografowania drobnych detali roślin czy kamieni po nietypowe perspektywy współczesnej zabudowy miejskiej. Aby dowiedzieć się, jak odnajdywać takie tematy i budować właściwe rozwiązania kompozycyjne, zapoznaj się z pracami znanych artystów abstrakcyjnych i fotografów zajmujących się tym gatunkiem. Później może Ci się przydać w innych dziedzinach fotografii. Oczywiście nie zapomnij o własnych eksperymentach z pewnymi technikami kompozytorskimi. Sekret fotografii abstrakcyjnej jest tak naprawdę prosty - swoimi obrazami fotograficznymi trzeba wywołać w widzu silne emocje.

Aby Twoje zdjęcie było nieco bardziej abstrakcyjne, nie jest grzechem korzystanie z narzędzi edytora graficznego. Możesz nadać swoim zdjęciom niezwykły i oryginalny wygląd, przycinając, selektywnie rozmywając niektóre obszary obrazu, dodając kolorowe poświaty lub dostosowując kontrast.

Ale bądź ostrożny. Istnieje cienka granica między abstrakcyjną sztuką fotograficzną a niechlujnym zastosowaniem różnych efektów wizualnych lub filtrów. Nie idź za daleko z edycją zdjęć. Przetwarzanie cyfrowe powinno być stosowane wyłącznie w celu poprawienia atmosfery i kompozycji ujęcia. Podstawą takiej obróbki cyfrowej powinien zawsze być dobry abstrakcyjny obraz fotograficzny o ciekawej i dobrze zbudowanej kompozycji. Zmieniając złe zdjęcie za pomocą narzędzi Photoshopa i różnych efektów w dobre, nadal ci się nie uda.

Fotografia abstrakcyjna wydaje się być czymś nieuchwytnym i trudnym do opisania określonym terminem. Być może stało się tak z powodu abstrakcyjnego charakteru idei „abstrakcji” i błędnych wyobrażeń na temat tego typu fotografii, które się zakorzeniły.

Wielu opisało ten temat ze swojego subiektywnego punktu widzenia, a w tym artykule postaram się przedstawić moją strukturę do pracy z fotografią abstrakcyjną. Nie będzie to ani dobre, ani złe, ale można je zastosować do twojej pracy, procesu myślowego i kreatywnych pomysłów.

Czym jest abstrakcja? Na podstawie tego zagadnienia można wywołać całą dyskusję. Fotografowie są na zawsze przywiązani do fotografowanych obiektów. Nierozerwalny związek z „rzeczywistością” stwarza iluzję, że zawsze widzimy przed sobą fotografię. coś a to czasami nadaje ton obrazowi lub całkowicie go psuje. Takie spojrzenie na fotografię polega na widzeniu obiektu w otaczającym ich świecie, polegającym na ich wspólnym połączeniu.

Najogólniej mówiąc, abstrakcja to proces, w trakcie którego informacje są starannie usuwane, pozostawiając jedynie zarysy i osłabiając relację obiekt-fotografia. Na przykład weź kartkę papieru i długopis, rozsuń palce i zakreśl ją.

Teraz masz tylko kontur, model dłoni bez tekstury skóry, koloru, głębi kształtu itp. Ona nawet nie ma odcisków! Tak działa abstrakcja, odrzucamy część informacji i zostawiamy tylko to, czego potrzebujemy. Kontur pokazany na powyższym zrzucie ekranu niekoniecznie jest moją ręką. W ten sposób połączenie między obiektem a obrazem zostaje utracone.

Abstrakcyjne idee są bardziej uogólnione niż ich oryginalne tematy. Na przykład pojęcie „jedzenie” jest bardziej abstrakcyjne niż „owoc”, a „jabłko” jest już specyficzne. Może istnieć jeszcze bardziej szczegółowa wersja - „zielone jabłko”. W ten sposób dokonuje się przejście od abstrakcji do dokładnego pojęcia.

Możesz powiedzieć: „Ale obrazek wyraźnie pokazuje, że to jest ręka. Jak może to być abstrakcyjny obraz? To jest pułapka nieporozumienia, w którą wpada wielu. Obrazy stają się abstrakcyjne nie dlatego, że nie są już rozpoznawalne. Dzieje się tak dzięki temu, że przekazują nie sam przedmiot, ale jego inne cechy – linie, faktury, kolor, kształt, wzory, rytm itp.

Sposoby tworzenia abstrakcyjnego zdjęcia

Jeśli abstrakcja oddala się od pewnych i konkretnych rzeczy, jak możemy kierować jej ruchem? Powiem wam, że wszystkie fotografie są w jakiś sposób abstrakcyjne! Za każdym razem, gdy robisz zdjęcie, kierujesz obiektyw na świat 3D i otrzymujesz płaski obraz 2D. Właśnie zostawiłeś jeden wymiar za sobą. To jeden poziom abstrakcji, mimo że jesteśmy już do tego przyzwyczajeni.

Ponadto, jeśli zrobisz kolorowe zdjęcie i przekonwertujesz je na czarno-białe, odrzucisz informacje o kolorze. Jednak prawdziwe znaczenie abstrakcyjnych fotografii sięga znacznie głębiej niż wymienione powyżej przykłady.

Abstrakcja przez izolację lub wykluczenie

Patrząc na obiekt, możesz zobaczyć możliwość stworzenia abstrakcyjnego zdjęcia, ponieważ niektóre obszary mogą zawierać kontrastujące linie, tekstury, kolory, kształty lub kształty, które są oddzielone od samego obiektu. Można to zrobić podczas fotografowania lub przycinać w postprodukcji, aby wyizolować pożądane obszary.

Powyższa migawka jest rodzajem abstrakcji, w której główny obiekt, czymkolwiek jest, jest odcięty. W efekcie zostają nam dwie mocne linie o ostrych krawędziach i ciekawej błyszczącej fakturze. To już nie jest fotografia „czegoś”, ale coś dostarczonego jako osobna część, oddzielona od głównego obiektu i całkowicie oparta na liniach, kształtach, wzorach, fakturze, kolorze, rytmie i strukturze.

Abstrakcje poprzez zwiększenie odległości

Gdy odchodzimy od tematu, informacje są tracone. Może to stać się szczególnie widoczne na większych odległościach, na przykład w fotografii lotniczej, gdzie widoczność pogarsza się wraz ze wzrostem wysokości.

Powyższe zdjęcie jest jedną z moich serii. krajobrazy w podczerwieni(Pejzaż Ziemi w podczerwieni). Wziąłem je z okna samolotu, lecąc z Providence do Salt Lake City, używając aparatu zdolnego do robienia zdjęć w podczerwieni. Teksturowane detale składają się z ogromnych wzgórz, gór i dolin. Jednocześnie wszystko wygląda malutko, jak faktura skóry pod mikroskopem. Oczywiście gruba pokrywa śnieżna również odegrała rolę w procesie abstrakcji, usuwając niektóre szczegóły.

Abstrakcja przez zmniejszenie odległości

Kiedy zbliżamy się bardzo do niektórych tematów, rzeczy, które zwykle są subtelne, mogą wydawać się oderwanymi abstrakcyjnymi szczegółami. Na powyższym obrazku są grube linie wychodzące z łukowatego paska i czarnej kreski. Sam przedmiot staje się niematerialny. Jasny, jednolity pomarańczowy kolor dodatkowo podkreśla abstrakcyjność.

Abstrakcja w ruchu

Innym sposobem na pozbycie się informacji, tworząc w ten sposób abstrakcyjną fotografię, jest ruch. Obiekt, fotograf, aparat lub obaj mogą się poruszać. Można to osiągnąć np. przesuwając aparat w górę podczas fotografowania drzew. Chociaż może to pominąć niektóre informacje, drzewa nadal są głównym elementem, choć w bardziej impresjonistyczny sposób. Mówię o ruchu, który w większym stopniu rozpuszcza informacje, pozostawiając po sobie kolory, wzory i linie.

Powyższe zdjęcie zostało zrobione późnym wieczorem z jadącego pociągu, gdzieś pomiędzy Providence a Waszyngtonem. Linie i kolory wynikały z ruchu pociągu i celowego obracania kamery.

Abstrakcja metodą losowych wzorów

Możesz rozpoznać lub nie rozpoznać tego, co przedstawia ten obraz - to nie ma znaczenia. Kluczem jest to, że nie miałem kontroli nad tworzeniem tego wzoru. Jedynym rozwiązaniem był moment naciśnięcia spustu migawki. Nie opierałem się na tym, co zobaczyłem, ale na moich oczekiwaniach, że aparat powinien uchwycić wzór w ciągu 5-6 sekund, niezależnie od jego kształtu. W trakcie kręcenia odrzuciłem wiele kadrów, ponieważ wynik z pewnych powodów nie był dla mnie interesujący.

Abstrakcja metodą zmiany

Kolor i odcienie to ważne elementy fotografii. Spodziewamy się uzyskania pewnego związku między różnymi obszarami obrazu i ich kolorami. Ta oczekiwana struktura może zostać zmieniona zarówno w postprodukcji, jak i bezpośrednio podczas fotografowania, tworząc zupełnie inny rodzaj abstrakcyjnego zdjęcia.

Powyższe zdjęcie to kolejna praca z mojej serii. krajobrazy w podczerwieni. Zostało zrobione kamerą wrażliwą na światło podczerwone. Zazwyczaj takie zdjęcia mają różne kolory w zależności od tego, jak oddziałują na światło podczerwone i czujnik aparatu. Sama też zmieniłam kolorystykę, dodając surrealizmu. Rezultatem jest migawka nienazwanego obszaru wypełnionego trudnymi do rozpoznania szczegółami. Faktura, wzory, linie i nowy kolor stały się raczej elementami strukturalnymi niż konkretnym miejscem na mapie. Nawet proste odwrócenie może stworzyć ciekawe abstrakcyjne obrazy z niektórych zdjęć.

wnioski

Rozpoznawanie obiektów nie ma nic wspólnego z fotografią abstrakcyjną. Myślę, że zasadnicza różnica polega na tym, czy artysta reprezentuje przedmiot, czy inną strukturę graficzną. Spójrz na pracę Aarona Siskinda, na której możesz dostrzec łuszczącą się farbę lub garść kamieni. Ponieważ to rozpoznanie szybko zanika, powierzchnia zdjęcia i jego zawartość zostają oddzielone od tematu. Innym przykładem jest fotografia ściany domu André Kertésza, z której wyraźnie widać, że mamy przed sobą budynek, ale nie ma sensu się na tym koncentrować, ponieważ rama jest pełna różnych geometrycznych kształtów, które tworzą mocną konstrukcję . Obraz może mieć abstrakcyjne cechy lub być odczytywany na wiele różnych sposobów.

Przedstawiłem moje podejście do fotografii abstrakcyjnej, dając ci coś do przemyślenia. Posługuję się tą samą strukturą patrząc na abstrakcyjne prace innych fotografów. Takie podejście może być przydatne do pracy z fotografią abstrakcyjną lub jej zrozumienia lub może być bezużyteczne. W każdym razie będę gotowy usłyszeć Twoje opinie w komentarzach.

W ostatnim stuleciu kierunek abstrakcyjny stał się prawdziwym przełomem w historii sztuki, ale całkiem naturalnym - człowiek zawsze szukał nowych form, właściwości i idei. Ale nawet w naszym stuleciu ten styl sztuki rodzi wiele pytań. Czym jest abstrakcjonizm? Porozmawiajmy o tym dalej.

Sztuka abstrakcyjna w malarstwie i sztuce

W stylu abstrakcjonizm artysta używa wizualnego języka kształtów, konturów, linii i kolorów do interpretacji tematu. Stoi to w kontraście do tradycyjnych form sztuki, które przyjmują bardziej literacką interpretację tematu - przekazując „rzeczywistość”. Z drugiej strony abstrakcjonizm odchodzi tak daleko od klasycznej sztuki, jak to tylko możliwe; przedstawia obiektywny świat w zupełnie inny sposób niż w prawdziwym życiu.

Abstrakcjonizm w sztuce rzuca wyzwanie umysłowi obserwatora, tak jak kwestionuje jego emocje – aby w pełni docenić dzieło sztuki, obserwator musi wyzbyć się potrzeby zrozumienia tego, co artysta próbuje powiedzieć, ale sam musi odczuć emocję odpowiedzi . Wszystkie aspekty życia można zinterpretować poprzez abstrakcjonizm - wiarę, lęki, namiętności, reakcje na muzykę lub naturę, obliczenia naukowe i matematyczne itp.

Ten nurt w sztuce powstał w XX wieku wraz z kubizmem, surrealizmem, dadaizmem i innymi, chociaż dokładny czas nie jest znany. Za głównych przedstawicieli abstrakcji w malarstwie uważa się takich artystów jak Wassily Kandinsky, Robert Delaunay, Kazimierz Malewicz, Frantisek Kupka czy Piet Mondrian. Ich praca i ważne obrazy zostaną omówione dalej.

Obrazy znanych artystów: sztuka abstrakcyjna

Wassily Kandinsky

Kandinsky był jednym z pionierów sztuki abstrakcyjnej. Rozpoczął poszukiwania od impresjonizmu, a dopiero potem doszedł do stylu abstrakcjonizmu. W swojej pracy wykorzystywał relację między kolorem a formą, aby stworzyć estetyczne przeżycie, które obejmowało zarówno wizję, jak i emocje publiczności. Uważał, że całkowita abstrakcja daje miejsce na głęboką, transcendentną ekspresję, a kopiowanie rzeczywistości tylko zaburza ten proces.

Malarstwo było dla Kandinsky'ego głęboko uduchowione. Starał się przekazać głębię ludzkich emocji za pomocą uniwersalnego wizualnego języka abstrakcyjnych kształtów i kolorów, które przekraczałyby fizyczne i kulturowe granice. On widział abstrakcjonizm jako idealny tryb wizualny, który może wyrazić „wewnętrzną potrzebę” artysty oraz przekazać ludzkie idee i emocje. Uważał się za proroka, którego misją jest dzielenie się tymi ideałami ze światem dla dobra społeczeństwa.

„Kompozycja IV” (1911)

Ukryte w jasnych kolorach i wyraźnych czarnych liniach przedstawiają kilku Kozaków z włóczniami, a także łodzie, postacie i zamek na szczycie wzgórza. Jak na wielu obrazach z tego okresu przedstawia apokaliptyczną bitwę, która doprowadzi do wiecznego pokoju.

Aby ułatwić rozwój nieobiektywnego stylu malarstwa, opisanego w O duchowości w sztuce (1912), Kandinsky redukuje przedmioty do symboli piktograficznych. Usuwając większość odniesień do świata zewnętrznego, Kandinsky wyraził swoją wizję w bardziej uniwersalny sposób, przekładając duchową esencję podmiotu poprzez wszystkie te formy na język wizualny. Wiele z tych symbolicznych postaci zostało powtórzonych i udoskonalonych w jego późniejszych pracach, stając się jeszcze bardziej abstrakcyjnymi.

Kazimierz Malewicz

Koncepcje Malewicza dotyczące formy i znaczenia w sztuce prowadzą niejako do koncentracji na teorii abstrakcjonizmu stylu. Malewicz pracował w malarstwie z różnymi stylami, ale przede wszystkim skupiał się na badaniu czystych kształtów geometrycznych (kwadraty, trójkąty, koła) i ich wzajemnych relacji w przestrzeni malarskiej.

Dzięki kontaktom na Zachodzie Malewicz mógł przekazać swoje idee dotyczące malarstwa zaprzyjaźnionym artystom w Europie i Stanach Zjednoczonych, a tym samym głęboko wpłynąć na ewolucję sztuki współczesnej.

„Czarny kwadrat” (1915)

Kultowy obraz „Czarny kwadrat” został po raz pierwszy pokazany przez Malewicza na wystawie w Piotrogrodzie w 1915 roku. Praca ta ucieleśnia teoretyczne zasady suprematyzmu opracowane przez Malewicza w jego eseju „Od kubizmu i futuryzmu do suprematyzmu: nowy realizm w malarstwie”.

Na płótnie przed widzem pojawia się abstrakcyjna forma narysowana na białym tle w formie czarnego kwadratu - to jedyny element kompozycji. Choć obraz wydaje się prosty, pojawiają się elementy takie jak odciski palców, pociągnięcia pędzla przebijające się przez czarne warstwy farby.

Dla Malewicza kwadrat oznacza uczucia, a biały oznacza pustkę, nic. Postrzegał czarny kwadrat jako boską obecność, ikonę, jakby mógł stać się nowym świętym obrazem dla nieobiektywnej sztuki. Nawet na wystawie obraz ten został umieszczony w miejscu, w którym zwykle umieszcza się ikonę w rosyjskim domu.

Piet Mondrian

Piet Mondrian, jeden z założycieli holenderskiego ruchu De Stijl, jest ceniony za czystość abstrakcji i metodyczną praktykę. Dość radykalnie uprościł elementy swoich obrazów, aby pokazać to, co widział nie wprost, ale w przenośni, i stworzyć na swoich płótnach jasny i uniwersalny język estetyczny.

W swoich najsłynniejszych obrazach z lat 20. Mondrian redukuje formy do linii i prostokątów, a paletę do najprostszych. Wykorzystanie asymetrycznej równowagi stało się fundamentalne dla rozwoju sztuki współczesnej, a jego kultowe abstrakcyjne prace do dziś mają wpływ na projektowanie i są znane kulturze popularnej.

„Szare drzewo” (1912)

„Szare drzewo” jest przykładem wczesnego przejścia Mondriana do stylu abstrakcjonizm. Drzewo 3D jest zredukowane do najprostszych linii i płaszczyzn, używając tylko szarości i czerni.

Obraz ten jest jedną z serii prac Mondriana, które przyjęły bardziej realistyczne podejście, gdzie np. drzewa są przedstawione w sposób naturalistyczny. Podczas gdy późniejsze elementy stawały się coraz bardziej abstrakcyjne, na przykład linie drzewa są redukowane, aż kształt drzewa jest ledwo widoczny i drugorzędny w stosunku do ogólnej kompozycji pionowych i poziomych linii.

Tutaj nadal widać zainteresowanie Mondriana porzuceniem ustrukturyzowanej organizacji linii. Ten ruch był znaczący dla rozwoju czystej abstrakcji Mondriana.

Robert Delaunay

Delaunay był jednym z pierwszych artystów stylu abstrakcyjnego. Jego twórczość wpłynęła na rozwój tego kierunku, opartego na kompozycyjnym napięciu wywołanym kontrastem barw. Szybko znalazł się pod wpływem neoimpresjonizmu kolorystycznego i bardzo uważnie śledził system kolorystyczny dzieł sztuki abstrakcyjnej. Uważał kolor i światło za główne narzędzia, za pomocą których można wpływać na obiektywność świata.

Do roku 1910 Delaunay wniósł swój wkład w kubizm w postaci dwóch serii obrazów przedstawiających katedry i Wieżę Eiffla, które łączyły w sobie sześcienne formy, dynamikę ruchu i jaskrawe kolory. Ten nowy sposób wykorzystania harmonii kolorów pomógł oddzielić styl od ortodoksyjnego kubizmu, zwanego orfizmem, i od razu wpłynął na artystów europejskich. Żona Delaunaya, artystka Sonia Turk-Delaunay, nadal malowała w tym samym stylu.

„Wieża Eiffla” (1911)

Główne dzieło Delaunaya jest poświęcone Wieży Eiffla, słynnemu symbolowi Francji. Jest to jeden z najbardziej imponujących z serii jedenastu obrazów poświęconych Wieży Eiffla w latach 1909-1911. Jest pomalowana na jaskrawą czerwień, co od razu odróżnia ją od szarości otaczającego miasta. Imponujący rozmiar płótna dodatkowo podkreśla wielkość tego budynku. Wieża niczym duch wznosi się ponad okoliczne domy, w przenośni wstrząsając fundamentami starego porządku.

Malarstwo Delaunaya oddaje to poczucie nieograniczonego optymizmu, niewinności i świeżości czasów, które nie były jeszcze świadkami dwóch wojen światowych.

Francisek Kupka

František Kupka jest czechosłowackim artystą, który maluje w stylu abstrakcjonizm ukończył praską Akademię Sztuk Pięknych. Jako student malował głównie na tematy patriotyczne i pisał kompozycje historyczne. Jego wczesne prace były bardziej akademickie, jednak jego styl ewoluował przez lata i ostatecznie przekształcił się w sztukę abstrakcyjną. Napisane w bardzo realistyczny sposób, nawet jego wczesne prace zawierały mistyczne, surrealistyczne motywy i symbole, które zachowały się podczas pisania abstrakcji.

Kupka wierzył, że artysta i jego twórczość uczestniczą w ciągłej działalności twórczej, której charakter nie jest ograniczony, niczym absolut.

„Amorfa. Fuga w dwóch kolorach" (1907-1908)

Od 1907-1908 Kupka zaczęła malować serię portretów dziewczynki trzymającej w dłoni piłkę, jakby miała się z nią bawić lub tańczyć. Następnie rozwinął jej coraz bardziej schematyczne przedstawienia i ostatecznie stworzył serię całkowicie abstrakcyjnych rysunków. Zostały wykonane w ograniczonej palecie czerwieni, błękitu, czerni i bieli.

W 1912 roku na Salon d'Automne jedna z tych abstrakcyjnych prac została po raz pierwszy wystawiona publicznie w Paryżu.

Styl abstrakcjonizmu nie traci popularności w malarstwie XXI wieku – miłośnicy sztuki nowoczesnej nie mają nic przeciwko dekorowaniu swoich domów takim arcydziełem, a prace w tym stylu sprzedawane są pod młotek na różnych aukcjach za bajeczne sumy.

Poniższy film pomoże Ci dowiedzieć się jeszcze więcej o sztuce abstrakcyjnej w sztuce:

Fotografia już dawno osiągnęła swój pierwotny cel: nauczyć się rejestrować rzeczywistość. Dziś, dzięki usprawnieniom w procesie, jest w stanie odzwierciedlić i przeanalizować wszystko, co się dzieje w sposób, w jaki nasi przodkowie pomyśleliby o cudzie. Wielu fotografów, wychowanych na pragnieniu najwyższego realizmu i przyzwyczajonych do wierzenia, że ​​im mniej oszałamiający obraz, tym lepszy, z wielką nieufnością wkracza w tajemniczą krainę fotografii abstrakcyjnej. Uważają, że nie może być fotografii abstrakcyjnej, przynajmniej tej, którą studiowali. Trzeba przekręcić jakiś klucz w mózgu, może nawet klucz, żeby zmusić się do uznania tego samego prawa do istnienia dla nieobiektywnej fotografii, co do sumiennego przedstawiania znanej rzeczywistości. Ale ktokolwiek przekręci klucz, prawdopodobnie w końcu przejdzie do fotografii abstrakcyjnej, ponieważ coraz więcej fotografów robi to, ciesząc się wolnością od wszystkiego, co wcześniej ich wiązało i przeszkadzało.

« Fotograf nieobiektywny, - mówi Ernst Haas, który sam od dawna pogrążył się w abstrakcjonizmie, - temat w ogóle nie jest zainteresowany: treścią zdjęcia jest sam fotograf - jego uczucia, jego reakcja na świat widzialny. Swoje uczucia wyraża kolorami i formami. Dodajmy do jego słów, że można wybrać dowolny sposób wyrażania uczuć. Możesz uciec się do pomysłowego użycia specjalnych soczewek i skomplikowanych manipulacji w laboratorium wyposażonym w najnowszy sprzęt fotograficzny, możesz pracować ze standardowym sprzętem lub możesz całkowicie zrezygnować z aparatu.

Laszlo Moholy-Nagy- Węgierski teoretyk fotografii i kina

fotografia abstrakcyjna mimo pozornej awangardy nie jest nowy. W rzeczywistości jest o ponad sto lat starszy od aparatu fotograficznego: w latach dwudziestych XVIII wieku niemiecki naukowiec Johann Schulze, eksperymentując z światłoczułymi mieszaninami soli srebra, pokrył je szablonami z wyrzeźbionymi słowami i wystawił na działanie światła.

Ojców współczesnej fotografii abstrakcyjnej uważa się zwykle za dwóch fotografów: w Paryżu zaangażował się w nią Amerykanin Man Ray, w Berlinie Węgier Laszlo Mogoly Nagy. W latach dwudziestych ich eksperymenty wykorzystywały takie niezapomniane techniki, jak ujęcia w cieniu, wielokrotne naświetlanie, fotomontaż i solaryzacja; starali się zbadać „czyste” działanie światła w przestrzeni, uważając to za główne zadanie fotografii.

Mniej znana jest pionierska praca wykonana kilka lat później w Anglii przez Amerykanina Alvina Langdona Coburna.

Zainspirowany malarstwem XX-wiecznych artystów abstrakcyjnych Coburn wyraził swoje poglądy drukiem: „Dlaczego Zdjęcie nie zrzucić kajdan piktorializmu i spróbować świeżego, niesprawdzonego podejścia? Dlaczego, pytam z całą powagą, zwyczajowo nadal robimy tylko te zdjęcia, które dogodnie zaklasyfikować jako portretowe, krajobrazowe i rodzajowe? Pomyśl tylko, jak radosne będzie stworzenie czegoś, czego nie da się sklasyfikować, nawet nie będzie można określić, gdzie jest góra, a gdzie dół zdjęcia!

Jednak zainteresowanie fotografią abstrakcyjną, rozbudzone po I wojnie światowej, szybko wygasło w zawierusze lat dwudziestych. Obudził się ponownie po II wojnie światowej. Podobnie jak za pierwszym razem, rozczarowanie ogólnym systemem wartości, zabarwione cynizmem, doprowadziło do rewizji kanonów ustanowionych w art. „Środek ciężkości obrazu przesunął się z tego, jak wygląda świat na to, jak go postrzegamy i jak go rozumiemy” – powiedział Aaron Siskind w latach 50. XX wieku. Początkowo nowi abstrakcjoniści, podobnie jak ich ówcześni poprzednicy, napotykali na opór zarówno ze strony innych fotografów, jak i masowego odbiorcy. W 1951 roku słynna fotografka Bernice Abbott pisała z gryzącą ironią: „Naśladowanie sztuki abstrakcyjnej w malarstwie, fotografowanie elementów formy jako takiej, oznacza moim zdaniem śmierć fotografii”. Nawet dekadę później czcigodny krytyk Helmut Gernsheim odmawiał fotografii nieobiektywnej prawa do istnienia, widząc w niej jedynie „negację samej istoty fotografii, krótko mówiąc jej samobójstwo”.

Fotografia abstrakcyjna jest obecnie postrzegana jako nowa forma sztuki fotograficznej.

Ta zmiana nastąpiła po części dlatego, że realizm wykonał swoje zadanie zbyt dobrze. Obraz jako środek przekazu idei niemal wyparł słowo: tak przyzwyczailiśmy się do chwytliwych, dynamicznych obrazów w czasopismach, gazetach, plakatach, reklamach, filmach i telewizji, że nauczyliśmy się łatwo oddzielać, czyli abstrakcję od idei z konkretnego obrazu, który go uosabia. Dlatego pojawienie się już wyabstrahowanych obrazów nikogo nie dziwi.

Obecnie rozpoznawana zarówno przez krytyków, jak i opinię publiczną, fotografia abstrakcyjna wkracza na szeroką drogę.

Do czcigodnej liczby zawodowych fotografów, którzy od lat zajmują się tą dziedziną, dochodzą niezliczone ilości młodych ludzi, którzy w ogóle nie dbają o kanony i tradycje fotografii: widzą narzędzie w aparacie, a płótno w papierze fotograficznym. Tacy fotografowie nie uznają żadnych ograniczeń procesu twórczego, żadnych sztywnych granic i zdecydowanie odmawiają podporządkowania się temu, co wybitny mistrz fotografii, Minor White, nazwał kiedyś „tyranią faktów widzialnych”.

Abstrakcyjna praca fotograficzna to rodzaj sztuki fotograficznej opartej na postrzeganiu nie detali i przedmiotów, jak na zwykłym obrazie, ale kształtów, kolorów i linii. Aby nauczyć się postrzegać kolor i formę, fotograf musi oderwać się od zwykłego postrzegania rzeczywistości, co często jest trudne. W artykule opisano metody uzyskania abstrakcyjnej fotografii.

Czym są abstrakcyjne zdjęcia?

Nie ma ogólnie przyjętej definicji fotografii abstrakcyjnej. Trudno jest zdefiniować coś abstrakcyjnego, więc będziemy kierować się kilkoma ogólnymi zasadami i rozważymy, że:

• Fotografia abstrakcyjna nie jest tematem w pełnej postaci
• Jej podstawą nie są przedmioty, ale forma, kolor i linie.

Z tej definicji można wyciągnąć bardzo ważny wniosek: ponieważ mózg postrzega kształt i kolor, a nie przedmioty, logiczne myślenie jest mniej zaangażowane w odbiór takich fotografii. Tak więc fotografia abstrakcyjna pozwala oczom lepiej dostrzec kompozycję obrazu, a jeśli jest dobra, wywołuje w człowieku pozytywne emocje. Wiadomo, że emocje wpływają na ludzkie zachowanie bardziej niż logika.

Tak więc fotografia abstrakcyjna, podkreślając formę, kolor i linie, wywołuje reakcję psychiki, która związana jest m.in. z układem nerwowym człowieka. Na przykład dobrze wiadomo, że ludzki układ nerwowy reaguje w taki czy inny sposób na przedmioty o określonym kolorze i kontraście.

Należy zauważyć, że fotografia abstrakcyjna nie zawsze jest czymś nierozpoznawalnym. Bardzo często jest to część przedmiotu lub miejsca znajomego widzowi.

Dlaczego fotografia abstrakcyjna?

Istnieje wiele innych trendów w fotografii, które są nie mniej atrakcyjne niż fotografia abstrakcyjna. A jednak, oprócz piękna kształtów i linii, abstrakcyjne fotografie są bardzo wygodne dla myślącego fotografa. Na piękne krajobrazy i egzotyczne miejsca trzeba podróżować i mieć na to środki, a abstrakcyjne ujęcie można zrobić też na rogu własnego domu.

Podstawowe zasady

Ponieważ fotografia abstrakcyjna opiera się na formie, linii i kolorze, wymaga od fotografa głębokiego zrozumienia tych aspektów.

Forma

Wszelkie obiekty w otaczającej fotografa rzeczywistości mogą mieć ciekawy kształt. Forma może służyć jako podstawa kompozycji. Generalnie to forma tworzy kompozycję obrazu, a linie i kolor ją uzupełniają. Tak więc dobre zdjęcie abstrakcyjne musi zaczynać się od dobrej formy. Można go znaleźć w przedmiotach dynamicznych, przyjemnych lub po prostu ciekawych kształtem. Nie ma kryteriów wyboru formy. Jeśli jednak forma wywoływała u fotografa emocje i była kompozycyjnie zrównoważona na zdjęciu, to może wywołać taką samą reakcję u widza.

Kolor

Kolor bardzo często przyciąga uwagę człowieka i pobudza jego układ nerwowy. W fotografii abstrakcyjnej kolory można bardziej nasycić za pomocą edytora zdjęć, aby uzyskać najlepszy efekt.

Kontrast

Innym sposobem tworzenia dynamicznych zdjęć jest użycie w nich kontrastu. Rama o bardzo prostej kompozycji przyciąga uwagę jedynie kontrastem.

linie

Linie zawsze uatrakcyjniają fotografię abstrakcyjną. Kontrolują ruch oka. Istnieje kilka sposobów wykorzystania linii. Pierwszym z nich jest skierowanie linii do wizualnego środka obrazu (do środka, w którym znajduje się obiekt zainteresowania). Na przykład na tym zdjęciu schody prowadzą do wizualnego środka (wzgórze trzech jabłek). Linie te kierują wzrok widza na semantyczny środek obrazu.

Drugim sposobem wykorzystania linii nie jest kierowanie ich do wizualnego centrum, ale po prostu przeciągnięcie ich przez kadr. Linie zawsze zmuszają oko do analizy zdjęcia, a jeśli nie ma środka wzrokowego, oko może podróżować po zdjęciu przez bardzo długi czas. Jednak choć dopuszczalne jest stosowanie tej techniki w fotografii abstrakcyjnej, lepiej nie stosować jej w fotografii klasycznej, gdyż psuje ona wrażenie obrazu.