Lev Dodin: biografia e produzioni. Lev Dodin: vita personale (moglie, figli). Biografia Biografia di un'attrice di talento - la moglie di Lev Dodin

Regista e direttore artistico del Teatro drammatico Maly di San Pietroburgo, Lev Dodin ha studiato recitazione e ha trovato la sua vocazione nella regia. La biografia creativa del maestro comprende più di 50 produzioni. L'artista popolare della Federazione Russa è riuscito a ottenere il riconoscimento mondiale. Ha presentato le sue opere al pubblico teatrale negli Stati Uniti, in Germania, in Gran Bretagna, in Australia e in due dozzine di altri paesi. Nel 1998, l'MDT da lui guidato ha ricevuto lo status di "Teatro d'Europa", entrando in una prestigiosa associazione chiusa.

Biografia di Lev Dodin

Lev Abramovich è nato il 14 maggio 1944 a Stalinsk (dal 1961 - Novokuznetsk). I suoi genitori furono evacuati da Leningrado prima dell'inizio del blocco. Subito dopo la fine della guerra, la famiglia tornò nella loro città natale. Il dramma ha attratto il ragazzo fin dalla prima infanzia. Durante gli studi a scuola, inizia a frequentare il Teatro della Creatività Giovanile. Dopo aver ricevuto un certificato, il giovane è entrato in LGITMiK nella direzione recitativa. Dopo aver completato gli studi, un attore certificato è rimasto all'istituto per un altro anno, passando al dipartimento di regia.

Nel 1966, Lev Abramovich fece il suo debutto professionale. Ha messo in scena lo spettacolo televisivo "First Love" basato su Turgenev. Un anno dopo, il laureato ottenne un lavoro presso il Teatro del giovane spettatore di Leningrado. Lo ha combinato con un posto di insegnamento presso lo stesso istituto di istruzione in cui si è laureato. Durante i 6 anni della sua permanenza al Teatro della Gioventù, il maestro ha messo in scena cinque spettacoli e ha preso parte attiva al lavoro su cinque progetti collaterali.

Dal 1974, il Leningrad MDK è diventato il teatro natale di Lev Dodin. In esso, ha messo in scena quasi 40 opere in 40 anni. Nel 1983 il regista riceve l'incarico di direttore artistico del teatro e nel 2002 ne diventa direttore. Durante questo periodo, Lev Abramovich è riuscito a lavorare con il Drama and Comedy Theatre, il Bolshoi Drama Theatre di San Pietroburgo. Ha presentato le sue esibizioni sul palco del Moscow Art Theatre.

Nel 1986, il suo "fallito" è stato mostrato al Teatro Nazionale di Helsinki. Negli anni '90, l'opera teatrale di Dodin è stata apprezzata nei teatri di Firenze, Salisburgo e Amsterdam. Per i suoi meriti, il regista ha ricevuto due dozzine di premi. Questo elenco include premi statali, ordini e il titolo di People's Artist of Russia.

Nel 2005 LA Dodin iniziò a scrivere libri. Ha pubblicato sei opere, che sono state combinate in una serie di "Baltic Seasons". Alcuni sono stati tradotti in inglese e in altre lingue europee.

Vita personale di Lev Dodin

Lev Abramovich era sposato con l'attrice Natalya Tenyakova, ma non ha mai parlato dei dettagli della loro relazione.

Ora il regista è sposato con l'attrice Tatyana Shestakova. Non hanno figli.

Nel 1966, Dodin ha debuttato con lo spettacolo televisivo "First Love" basato sul romanzo di Ivan Turgenev.
Una delle sue prime e significative opere è stata la performance basata sull'opera teatrale di Alexander Ostrovsky "Our people - andiamo d'accordo" (1973) al Leningrad Youth Theatre, grazie alla quale il nome di Dodin è stato ascoltato per la prima volta nel teatro Leningrado (St . Pietroburgo).

Nel 1975-1979, il regista ha lavorato al Teatro regionale di recitazione e commedia di Leningrado (ora Teatro drammatico di stato sulla liteiny).
Nel 1974, Lev Dodin iniziò a collaborare con il Maly Drama Theatre (MDT) con lo spettacolo "The Robber" di Karel Chapek.
La produzione di "House" basata sul romanzo di Fyodor Abramov all'MDT nel 1980 ha determinato il successivo destino creativo del regista.

Dal 1983 Dodin è direttore artistico dell'accademico Maly Drama Theatre e dal 2002 - direttore .
Nel settembre 1998, il teatro ha ricevuto lo status di Teatro d'Europa, il terzo dopo il Teatro Odeon di Parigi e il Teatro Piccolo di Milano. Lev Dodin è membro dell'Assemblea Generale dell'Unione dei Teatri d'Europa. Nel 2012 è stato eletto presidente onorario dell'Unione dei Teatri d'Europa.
Le esibizioni di Lev Dodin sono state eseguite in molti paesi del mondo: Australia, Gran Bretagna, Germania, Italia, Stati Uniti, Finlandia, Francia, Repubblica Ceca, Svizzera, Giappone, ecc. Nell'autunno del 1999 si è tenuto un festival delle esibizioni di Dodin a Italia.

In totale, Lev Dodin è l'autore di 70 produzioni teatrali e operistiche. Tra le sue risorse creative ci sono le interpretazioni di The Golovlevs (1984) tratto dal romanzo di Mikhail Saltykov-Shchedrin al Moscow Art Theatre con Innokenty Smoktunovsky nel ruolo del protagonista, The Gentle One tratto dal romanzo di Fyodor Dostoevsky con Oleg Borisov nel ruolo del ruolo principale sui palchi del Teatro Bolshoi di San Pietroburgo (1981) e del Teatro d'arte di Mosca (1985), "Brothers and Sisters" (1985) basato sulla trilogia di Fyodor Abramov, "Demons" (1991) basato su il romanzo di Dostoevskij e "King Lear" (2006) di William Shakespeare al Maly Drama Theatre di San Pietroburgo.
Tra le sue recenti produzioni a MDT ci sono Three Sisters (2010) di Anton Chekhov, Portrait with Rain (2011) di Alexander Volodin, Insidiousness and Love (2012) di Friedrich Schiller, Enemy of the People (2013) di Henrik Ibsen, GAUDEAMUS" ( 2014) tratto dal romanzo di S. Kaledin, "Amleto" (2016) secondo S. Grammar, R. Holinshed, W. Shakespeare, B. Pasternak, “La paura. Amare. Disperazione (2017) basato sulle opere di B. Brecht.
Nel dicembre 2014 a Mosca al Moscow Art Theatre. AP Chekhov, il primo tour dell'opera teatrale di Lev Dodin "The Cherry Orchard" è stato un trionfo. Per tre sere di seguito l'auditorium del teatro si riempì fino a traboccare. Lo spettacolo è stato mostrato nell'ambito del festival teatrale Stanislavsky Season.

Lev Dodin ha messo in scena le opere Elektra di Richard Strauss al Festival di Pasqua Musicale di Salisburgo (Austria, 1995) e al Festival di Maggio Musicale Fiorentino (Italia, 1996), Lady Macbeth del Distretto di Mtsensk di Dmitri Shostakovich al Festival di Maggio Musicale Fiorentino (1998) ), La regina di picche di Pyotr Tchaikovsky all'Opera dei Paesi Bassi ad Amsterdam (1998) e l'Opera Nazionale di Parigi (1999, 2005, 2012), al Teatro Bolshoi (2015), l'opera Mazeppa di Pyotr Tchaikovsky al Teatro alla Scala (1999), l'opera Salomè di Richard Strauss all'Opéra de Bastille di Parigi (2003), l'opera Khovanshchina all'Opera di Stato di Vienna (2014) e altri.

Dal 1967, Dodin insegna recitazione e regia presso LGITMiK (ora Istituto statale russo per le arti dello spettacolo) e ha formato più di una generazione di attori e registi. Oggi è professore, capo del dipartimento di regia dell'Accademia statale di arti teatrali di San Pietroburgo.
Dodin è un accademico onorario dell'Accademia delle arti russa, un dottore onorario dell'Università dei sindacati umanitari di San Pietroburgo.

Lev Dodin è l'autore dei libri "Rehearsals of a play without a title" (2004), "The Book of Reflections" (2004), l'edizione in più volumi "Journey without End" (2009-2011). Ha anche pubblicato diversi libri in lingua straniera. Dodin è membro permanente della giuria del concorso letterario professionale "Northern Palmyra". È il direttore artistico del Winter International Theatre Festival.

L'attività teatrale di Lev Dodin e le sue rappresentazioni sono state segnate da molti stati e internazionali premi e riconoscimenti. Nel 1993 è stato insignito del titolo di Artista popolare della Federazione Russa. È vincitore del Premio di Stato dell'URSS (1986), del Premio di Stato della Federazione Russa (1993, 2003), del Premio del Presidente della Federazione Russa (2001), del Premio del Governo di San Pietroburgo nel campo della cultura, della letteratura e dell'architettura (2004). È stato insignito degli Ordini "Al merito della Patria" IV (2004) e III grado (2009).
Il regista è anche vincitore del Premio Laurence Olivier (1988), del Premio della Critica Musicale e Teatrale Francese (1992), del Premio Regionale del Teatro Inglese (1992), del Premio UBU Italiano (1994), del Premio della Critica Italiana Abbiati per Miglior performance lirica (1998) . Nel 2000, Lev Dodin ha ricevuto il più alto premio teatrale europeo "Europa - Teatro".

Nel 1994, Dodin è stato insignito dell'ordine francese delle arti e della letteratura della dignità di ufficiale "Per un enorme contributo alla cooperazione tra le culture russa e francese".
Tra i premi russi del regista ci sono Triumph (1992), Golden Mask (1997, 1999 e 2004), The Seagull (2003), Golden Soffit (1996, 2007, 2008, 2011, 2013, 2014, 2016), "Breakthrough" (2011 ), Premio Andrei Mironov "Figaro" (2013), Premio Carskoe Selo Art (2013).
Nel 1996 è stato insignito del Premio della Fondazione Stanislavsky "Per risultati eccezionali in pedagogia", nel 2008 - "Per il contributo allo sviluppo del teatro russo".

Lev Dodin è sposato con Tatyana Shestakova, People's Artist of Russia, attrice e direttrice di MDT. La sua prima moglie era l'attrice Natalya Tenyakova. Il fratello del regista è dottore in scienze geologiche e mineralogiche, membro corrispondente dell'Accademia delle scienze russa David Dodin.

Lev Abramovich Dodin(nato il 14 maggio 1944, Stalinsk) - Regista teatrale sovietico e russo, People's Artist of the Russian Federation (1993), vincitore del Premio di Stato dell'URSS (1986) e dei Premi di Stato della Federazione Russa (1992, 2002, 2015).

Biografia

Lev Dodin è nato a Stalinsk (ora Novokuznetsk), dove i suoi genitori furono evacuati. Nel 1945 la famiglia tornò a Leningrado. Affascinato dal teatro fin dall'infanzia, Lev Dodin, insieme al suo compagno di classe Sergei Solovyov, ha studiato al Theatre of Youth Creativity (TYuT) del Palazzo dei Pionieri di Leningrado sotto la direzione di Matvey Dubrovin. Subito dopo la scuola, nel 1961, entrò all'Istituto di teatro, musica e cinematografia di Leningrado nel corso di B.V. Zon. Insieme a lui, Olga Antonova, Viktor Kostetsky, Leonid Mozgovoy, Sergey Nadporozhsky, Natalya Tenyakova, Vladimir Tykke hanno studiato qui nel gruppo di recitazione. Ma L. A. Dodin ha completato i suoi studi un anno dopo rispetto ai suoi compagni di classe al dipartimento di regia nel laboratorio di Zon.

Dopo essersi diplomato all'istituto nel 1966, Dodin ha debuttato come regista con lo spettacolo televisivo "First Love" basato sul romanzo di I. S. Turgenev. Ha lavorato al Teatro della Gioventù di Leningrado, dove ha messo in scena, in particolare, "La mia gente - sistemiamoci" di A. N. Ostrovsky (1973) e diversi spettacoli insieme a Zinovy ​​​​Korogodsky.

Nel 1967, Lev Dodin iniziò a insegnare recitazione e regia alla LGITMiKa, formando più di una generazione di attori e registi.

Nel 1975-1979 ha lavorato al Drama and Comedy Theatre su Liteiny, ha messo in scena gli spettacoli "Undergrowth" di D. I. Fonvizin, "Rose Berndt" di G. Hauptman e altri.

Ha messo in scena spettacoli sul palco piccolo del Teatro Bolshoi - lo spettacolo personale di Oleg Borisov "The Meek" basato sul romanzo di FM Dostoevsky (1981) e al Moscow Art Theatre - "Lord Golovlyovs" basato sul romanzo di ME Saltykov -Shchedrin con Innokenty Smoktunovsky (1984), "The Meek" con Oleg Borisov (1985).

Nel 1975 iniziò la collaborazione di Lev Dodin con il Maly Drama Theatre con la produzione dell'opera teatrale "The Robber" basata sull'opera teatrale di K. Chapek. Dal 1983 è direttore artistico del teatro e dal 2002 direttore.

Nel 1992, Lev Dodin e il teatro da lui guidato sono stati invitati a far parte dell'Unione dei Teatri d'Europa e nel settembre 1998 il Maly Drama Theatre ha ricevuto lo status di "Teatro d'Europa", il terzo, dopo il Teatro Odeon di Parigi e il Teatro Piccolo di Giorgio Strehler.

Famiglia

• Moglie - L'artista popolare russa Tatyana Shestakova.
• Fratello - Dottore in Scienze Geologiche e Mineralogiche, Membro Corrispondente. RAS David Dodin.
• Nipote - Vice Direttore Artistico dell'Academic Maly Drama Theatre - Theatre of Europe Dina Dodin.

Era sposato con l'attrice Natalya Tenyakova.

Produzioni

• 1968 - "Our Circus" Composto e messo in scena da Z. Korogodsky, L. Dodin, V. M. Filshtinsky. Artista Z. Arshakuni
• 1969 - "Nostro, solo nostro...". Composto e diretto da Z. Korogodsky, Dodin, V. Filshtinsky. Artista M. Azizyan
• 1970 - "I racconti di Chukovsky" ("Il nostro Chukovsky"). Composto e diretto da Z. Korogodsky, Dodin, V. Filyshtinsky. Artisti Z. Arshakuni, N. Polyakova, A. E. Poray-Koshits, V. Solovyova (sotto la direzione di N. Ivanova)
• 1971 - "Lezione aperta". Composto e diretto da Z. Korogodsky, Dodin, V. Filshtinsky. Artista AE Poray-Koshits
• 1971 - "Ma cosa sceglieresti? .." A. Kurgatnikova. Artista M. Smirnov

• 1974 - "Il rapinatore" di K. Chapek. Design di E. Kochergin, costumi di I. Gabay
• 1977 - "Rosa tatuata" di T. Williams. Disegno di M. Kataev, costumi di I. Gabay
• 1978 - "Appuntamento" di A. Volodin. Artista M. Kitaev
• 1979 - "Vivi e ricorda" tratto dal romanzo di V. Rasputin. Design di E. Kochergin, costumi di I. Gabay
• 1980 - "Casa" tratto dal romanzo di F. Abramov. Design di E. Kochergin, costumi di I. Gabay
• 1984 - "Panca" di A. Gelman. Regia di E. Arie. Artista DA Krymov (direttore artistico della produzione)
• 1985 - "Fratelli e sorelle" basato sulla trilogia di F. Abramov "Pryasliny". Design di E. Kochergin, costumi di I. Gabay
• 1986 - "Il signore delle mosche" tratto dal romanzo di W. Golding. Artista D. L. Borovsky
• 1987 - "Toward the Sun" basato su atti unici di A. Volodin. Artista M. Kitaev
• 1987 - "Stelle nel cielo mattutino" A. Galina. Diretto da T. Shestakova. Artista A. E. Poray-Koshits (direttore artistico della produzione)
• 1988 - "The Old Man" basato sul romanzo di Y. Trifonov. Design di E. Kochergin, costumi di I. Gabay
• 1988 - "Pagine restituite" (serata letteraria). La produzione di Dodin. Direttore V. Galendeev. Artista AE Poray-Koshits
• 1990 - "Gaudeamus" tratto dalla storia di S. Kaledin "Stroybat". Artista AE Poray-Koshits
• 1991 - "Demoni" di F. M. Dostoevskij. Design di E. Kochergin, costumi di I. Gabay
• 1992 - "La brocca rotta" di G. von Kleist, regia di V. Filshtinsky. Design di A. Orlov, costumi di O. Savarenskaya (direttore artistico della produzione)
• 1994 - "L'amore sotto gli olmi" di Y. O'Neill. Design di E. Kochergin, costumi di I. Gabay
• 1994 - "Il frutteto di ciliegie" di AP Cechov. Design di E. Kochergin, costumi di I. Gabay
• 1994 - "Claustrofobia" basata sulla prosa russa moderna. Artista AE Poray-Koshits
• 1997 - "Un'opera teatrale senza titolo" di A.P. Cechov. Disegnato da A. E. Poray-Koshits, costumi da I. Tsvetkova
• 1999 - "Chevengur" di AP Platonov. Artista AE Poray-Koshits
• 2000 - "Molly Sweeney" B. Freel. Artista D. L. Borovsky
• 2001 - "Il gabbiano" di AP Cechov. Artista AE Poray-Koshits
• 2002 - "Moscow Choir" di L. Petrushevskaya (direttore artistico della produzione
• 2003 - "Zio Vanya" di AP Cechov. Artista D. L. Borovsky
• 2006 - "Re Lear" di W. Shakespeare. Artista D. L. Borovsky
• 2007 - "Life and Fate" di V. S. Grossman, messo in scena da L. Dodin.
• 2007 - "Warsaw Melody" di L. Zorina (direttore artistico della produzione) L'idea della scenografia di D. L. Borovsky; Artista AE Poray-Koshits.
• 2008 - "Lungo viaggio nella notte" di Y. O'Neill
• 2008 - "La fatica dell'amore perduta" di W. Shakespeare
• 2009 - "Il Signore delle Mosche" di W. Golding. Scenografia e costumi D. L. Borovsky; realizzazione della scenografia di A. E. Poray-Koshits.
• 2009 - "Una bella domenica per un cuore spezzato" di T. Williams. Artista Alexander Borovsky.
• 2010 - "Tre sorelle" di A.P. Cechov.
• 2011 - "Ritratto con la pioggia" tratto dalla sceneggiatura di A. Volodin. Artista A. Borovsky
• 2012 - "L'inganno e l'amore" di F. Schiller. Artista A. Borovsky
• 2014 - "Il nemico del popolo" di G. Ibsen
• 2014 - "The Cherry Orchard" di A.P. Cechov

Lev Dodin non solo dirige il MDT di San Pietroburgo, che porta il titolo di Teatro d'Europa, ma è anche il capo del dipartimento di regia di SPGATI da oltre 20 anni e durante questo periodo ha pubblicato due corsi di regia. Il risultato è strano. Nessuno dei direttori della versione del 1994 si avvicinava nemmeno al livello di un insegnante. E per i laureati del 2007 il master non ha firmato affatto i diplomi di regia. Teatro. Ho deciso di scoprire da Lev Dodin se è possibile insegnare la regia e se vale la pena provare.

JZ: Si dice che tu sia rimasto deluso dall'opportunità di insegnare regia e abbia deciso di abbandonare del tutto il corso di regia. Quanto è vero?

LD: Deve essere stato detto nei cuori. Ma penso che sia letteralmente impossibile insegnare la regia, puoi provare a imparare la regia. In questo caso forse dipende anche più dallo studente che dal maestro. Perché al centro del lavoro del regista - temo dire "arte" - c'è il principio personale. Tutto è misurato dalla scala dell'individuo. Un'altra cosa è che, come mi sembra giustamente, Kama Ginkas ha osservato nella sua intervista a Izvestia, una piccola persona alfabetizzata è meglio di una piccola persona analfabeta. Vorrei poter trasmettere a chi è venuto a studiare regia una serie di competenze tecnologiche e leggi immutabili. Composizione letteraria, composizione spaziale, composizione musicale, la legge del contrappunto - di solito ai registi non viene insegnato questo. Ho introdotto queste materie nel mio corso. Meyerhold una volta promise che avrebbe scritto un libro di testo sulla regia, che sarebbe stato molto breve e sarebbe stato interamente basato sulla teoria musicale. Questo è corretto, perché un vero teatro è sempre un brano musicale, indipendentemente dal fatto che la musica suoni o meno. Puoi anche provare a insegnare le leggi derivanti dal sistema Stanislavsky. Naturalmente, "il sistema Stanislavsky" in questo caso è una definizione condizionale, perché le sue istruzioni letterali istruttive sono ovviamente obsolete e quindi non le ha sempre espresse con successo, usando le formule del suo tempo. Quindi è abbastanza difficile leggere oggi "Il lavoro di un attore su se stesso", in contrasto con "La mia vita nell'arte". Ma oltre a La mia vita nell'arte, si possono leggere gli appunti artistici di Stanislavskij ei suoi diari. Questa è una lezione straordinaria, perché Stanislavsky analizza costantemente la sua tecnologia e si lamenta della sua imperfezione. Boris Vulfovich Zon ci ha detto che quando è stato pubblicato il libro "La mia vita nell'arte", uno degli artisti non molto dotati ha esclamato soddisfatto: "Quindi K.S. afferma di essere un pessimo artista!" Stanislavsky fa davvero un numero enorme di rimproveri per ciascuno dei suoi ruoli. Ma Boris Vulfovich, che ha catturato Stanislavsky sul palco, ha affermato che era solo un artista straordinario. E lo stesso Salieri, che maledice, e lo stesso Otello furono da lui brillantemente interpretati. È solo che Stanislavsky ha sempre sognato di raggiungere la perfezione. Forse questa qualità è la cosa principale in quello che chiamiamo il "sistema Stanislavsky".

JZ: Perfezionismo?

LD: La costante ricerca della perfezione pur rendendosi conto che è irraggiungibile. E una risposta costante e vivace a ciò che sta accadendo nella vita ea ciò che sta accadendo a te. La conoscenza della vita non è mentale, non a livello di teoria, ma attraverso l'esperienza personale e l'immaginazione. Questo può anche essere insegnato. Ma questo avrà senso solo se studierà una persona con un grande inizio personale. Mi sono imbattuto spesso in giovani brillanti che all'inizio promettevano molto, ma poi si sono esauriti rapidamente. La regia è una corsa a lunga distanza. Più di una maratona. Richiede un potente indurimento della vita: devi guidare un folto gruppo di artisti da qualche parte, guidare il teatro nel suo insieme, tutti i dipendenti, spendere molti soldi per prendere decisioni ... Ricordo che nella mia giovinezza sono stato semplicemente ucciso da quello che dovevo dire, fallo in questo modo o in quello, e dipende dall'importo che verrà speso. Quindi i primi successi non devono ingannare. Brook iniziò brillantemente e continuò potentemente per molti anni, lo stesso Strehler. Ecco perché sono fantastici. Ma moltissimi che hanno iniziato accanto a loro si sono fermati molto rapidamente. Una persona mette in scena la prima esibizione a circa 25 anni, cioè esprime l'esperienza di 25 anni della sua vita e la performance successiva viene solitamente pubblicata entro e non oltre un anno dopo, ovvero una nuova esperienza è solo un anni. E tutto dipende dall'intensità con cui il regista riesce a rinfrescare, arricchire questa esperienza e da quanto è interessato a raccogliere impressioni.

JZ: E che tipo di impressioni dovrebbe cercare di ottenere?

LD: Prima di tutto, dovrebbero essere esperienze che innalzino il livello della cultura. Quando abbiamo fatto il corso di regia, ho cercato di introdurre tutte quelle materie che non mi erano state insegnate e di cui ho sentito la mancanza per tutta la vita. In generale, sono sicuro che dirigere l'istruzione non è un istituto, un istituto è solo il primo passo, l'apprendistato in apprendistato ha sempre giocato un ruolo importantissimo. Il teatro è un mestiere creato dall'uomo. E, come in altri mestieri, l'esperienza qui si tramanda di generazione in generazione, da maestro ad apprendista. Così è stato con gli artisti del primo Rinascimento - quando l'appartenenza a una particolare bottega ha determinato molto nel destino dell'artista. Poi è diventato autonomo, ma stare in bottega, dove era già semi-indipendente, ma ha continuato a lavorare accanto al maestro, è, mi sembra, un palcoscenico meraviglioso, che oggi è praticamente cancellato dall'esperienza teatrale.

ZhZ: Bene, il modello stesso del teatro guidato da un maestro sta diventando un ricordo del passato.

LD: Allo stesso tempo, ci sono molti teatri e vengono messi in scena molti spettacoli. I giovani registi sono richiesti. E quindi la necessità di acquisire esperienza, intelligenza e impressioni artistiche non significa molto. Le recensioni escono per ogni performance, una sarà sempre elogiativa - ed è proprio questo che è importante per il regista, tutto il resto può essere spiegato dal fatto che gli autori sono stupidi o di parte. Ci sono anche abbastanza soldi per le tasse per tutti. Così puoi tranquillamente affrontare la prossima esibizione. Ai miei tempi il problema era esattamente l'opposto: era difficile per un giovane regista sfondare, perché la regia era considerata una professione ideologica. Per la maggior parte, ricordo i miei giovani anni in teatro senza gioia, ma sono grato al destino per avermi dato l'opportunità di lavorare come secondo regista al Teatro della Gioventù per un periodo piuttosto lungo, imparando molto da Zinovy ​​​​Yakovlevich Korogodsky. Compreso cosa non fare. Cioè, lì si è formata anche la mia posizione, per così dire, professionale e morale. Questa è una questione molto importante per un regista, perché la nostra professione non riguarda solo l'espressione di sé, come un artista o un compositore. In teatro, i colori sono artisti, sono oggetti e soggetti di influenza registica. Devi essere in grado di comportarti con loro con dignità, non essere inferiore al loro livello e, allo stesso tempo, assicurarti di portarli da qualche parte. Non c'è da stupirsi che il regista venga paragonato al capitano che guida la nave e dice all'equipaggio che siamo sulla giusta rotta, anche se non è affatto sicuro che ci sarà terra. Non importa che Colombo stesse cercando una scorciatoia per l'India, ma scoprì l'America. È importante che abbia navigato verso alcune coste e abbia mantenuto l'equipaggio nella convinzione che stessero navigando dove avevano bisogno. Il fatto che tu possa scoprire qualcosa di inaspettato lungo la strada è meraviglioso e gioioso, ma la cosa più importante è provare a nuotare e cercare. Mi sembra che il problema più grande nella regia odierna sia, stranamente, la rigidità entro certi confini del gusto, che non sono supportati né dalla cultura né dalla vivida esperienza di vita, ma rappresentano una sorta di realtà in cui tutto è capovolto e solo quindi ha il diritto di esistere. E mi sembra anche che sia i critici che la vecchia generazione di registi, vedendo tutto questo, abbiano paura di dire che il re è nudo, paura di essere in minoranza, di essere accusati di stupidità e brontolii senili. Sembrano soccombere a una convinzione così strana che se tutto viene capovolto, allora è necessario e significa qualcosa, ma in realtà è solo un segno di completa impreparazione e incapacità. Il fatto che tale incapacità stia crescendo oggi in tutta Europa è la crisi del teatro. Il fatto che oggi il teatro dell'alta letteratura stia svanendo sempre più nell'oblio e venga sostituito da azioni visive parla di parte della nostra ferocia. Perché era l'arcaico a essere visivo nelle sue manifestazioni: il selvaggio ballava una specie di danza prima e dopo la caccia, perché a quel tempo non poteva ancora esprimersi nemmeno con l'aiuto dei disegni, per non parlare della scrittura. E ora torniamo spesso a questo arcaismo, se non alla super-ferocia. Allo stesso tempo, qualsiasi "danza" teatrale, relativamente parlando, di oggi, che in realtà non ha alcun senso, trova una spiegazione, perché tutto può essere spiegato. E questa situazione, ovviamente, incide molto sulla crescita della mancanza di cultura nel teatro.

JZ: Ma il teatro visivo non è necessariamente sinonimo di teatro senza cultura, vero?

LD: Non necessariamente. Pina Bausch, ad esempio, aveva un meraviglioso teatro visivo, ma è stato creato in un'epoca in cui c'era anche un potentissimo teatro di grande letteratura nelle vicinanze, e oggi questo teatro è sempre meno, quasi non è richiesto - dalla critica , comunque. È molto richiesto dal pubblico: viaggiamo molto in giro per il mondo e in Russia - e vediamo che dalle capitali mondiali alle periferie, lo spettatore risponde in modo estremamente acuto al teatro dal vivo della grande letteratura. Guarda cosa stava succedendo a Parigi in "Demons", uno spettacolo di nove ore in una lingua straniera. Lo spettatore desidera ardentemente questo tipo di arte, perché è l'unica che gli dà l'opportunità di entrare in empatia collettiva con qualcosa e, anche per un momento, ma uscire dalla sua solitudine, sentire che qualcuno soffre non meno di lui, perché la grande letteratura è una descrizione dell'umanità sofferente.

JZ: Quindi, secondo te, le immagini non saranno mai in grado di svolgere una tale funzione?

LD: Non credo che possano. Anche in questo caso, il valore di un'immagine dipende dalla profondità del pensiero che esprime. Vediamo spesso immagini interessanti, metafore che esprimono un pensiero molto primitivo. Si può immaginare un "Amleto" molto metaforico, ma se in esso Amleto è a priori buono e Claudio è a priori cattivo, allora le metafore non mi diranno nulla di nuovo. E c'è molto di questo teatro - presumibilmente metaforico. Imita le opere dei maestri del teatro metaforico, in cui ci sono solo nuovi significati molto importanti. Ad esempio, nell'Amleto di Nyakroshus ci sono scoperte legate al fantasma di suo padre, c'è il suo ultimo grido di disperazione, perché capisce di aver creato un altro omicidio e causato la morte del proprio figlio. Quando c'è una scoperta intellettuale e sensuale, la metafora dà molto. Ma oggi incontriamo molto spesso un'imitazione di una metafora, quando esprime pensieri piatti o non contiene alcun pensiero. Un tale regista di solito lascia che gli artisti facciano quello che vogliono - nella migliore delle ipotesi, li separerà da un lato all'altro in modo che non si scontrino.

ZhZ: Non molto tempo fa, il tuo studente Dmitry Volkostrelov, che non ha ricevuto un diploma di regista, ha messo in scena lo spettacolo "The Locked Door" basato sull'opera teatrale di Pavel Pryazhko. Quindi, c'è un'idea molto chiaramente espressa che l'imitazione sia la diagnosi della società moderna. Imitazione di tutto: attività, sentimenti, vita in quanto tale.

LD: Sì, ho sentito che è una performance interessante, ma non l'ho ancora vista. È uno spettacolo per giovani?

ZhZ: Tutti i tuoi studenti lavorano lì - i compagni di classe di Volkostrelov: Alena Starostina, Ivan Nikolaev, Pavel Chinarev, Dmitry Lugovkin e altri. Continuano a stare insieme - e ovviamente si capiscono.

LD: Grazie a Dio. Sono lieto di. Penso che l'idea di cui parli non sia priva di significato. Stanislavsky distingue molto nettamente tra i concetti di "ritmo" e "tempo". Nasce quindi il concetto di "tempo-ritmo". Spesso il tempo può essere molto veloce e il ritmo è zero. E viceversa, il ritmo può essere molto lento, e il ritmo - cioè la tensione della vita spirituale, il battito del cuore - è molto alto. Non voglio sembrare un falso patriota di San Pietroburgo, ma una volta ho lavorato per due anni a Mosca, che ho sempre amato moltissimo, e amo ancora, e improvvisamente ho scoperto che c'era un ritmo di vita frenetico con un ritmo basso. Inoltre, questo può essere compreso solo dall'interno, perché fuori tutto sembra vivere attivamente, muoversi, discutere tra loro. Ma si è scoperto che internamente tutto è a posto. Questo è il problema della cultura odierna in generale, quando i problemi sociali sostituiscono i problemi artistici. Ad esempio, in Inghilterra (o in Francia - poco importa) è molto più facile ottenere una borsa di studio per uno spettacolo in cui sono coinvolti due africani, due giapponesi e due ebrei che per uno spettacolo in cui sono coinvolti tutti gli inglesi e mettono in scena Shakespeare o Cechov.

JZ: Ci sono altri criteri: i registi, per esempio, affermano che è abbastanza facile ottenere soldi dai produttori se li convinci che girerai un film d'autore.

LD: Ma, vedi, è piuttosto strano dire deliberatamente che sto facendo art house. Faccio quel che faccio. So qualcosa. E ciò che comporterà è imprevedibile. Come sapete, l'odore di una rosa è descritto in mille modi. Per trovarne uno nuovo, ci sono due opzioni: o impara questi mille modi e trova i primi mille, o non conoscerne nessuno e sbotta accidentalmente qualcosa fino ad ora sconosciuto. Penso che la seconda tendenza stia ora sopprimendo fortemente la prima.

ZhZ: Lev Abramovich, da quanto hai appena detto ne consegue che i registi dovrebbero essere formati nel teatro della parola - e se possono eseguire professionalmente questo lavoro tradizionale, relativamente parlando, allora possono tranquillamente andare a cercare qualcos'altro, nuovo?

LD: Direi non al teatro della parola, ma al teatro della grande letteratura, dei grandi temi. Tuttavia, non è vano che la letteratura è stata creata per secoli, e non è vano che ha presentato al mondo tanti titani del pensiero. Oggi ho l'onore di essere membro della giuria di Big Book. Il libro di Dmitry Bykov su Pasternak e il libro di Pavel Basinsky su Leo Tolstoj vincono quasi di fila. Sembra che si tratti di cifre superate, molto difficili da analizzare dal punto di vista della vita odierna. Ma a causa del fatto che esiste un potente eroe, la sua personalità solleva gli stessi autori. Direi anche così: ci sono tre ipostasi del grande teatro: la grande letteratura, la grande pittura e la grande musica. Pertanto, devi studiare. La stessa necessità di apprendere parla già della presenza di un inizio personale. Una persona piccola di solito è soddisfatta di se stessa. Chi non è soddisfatto di se stesso, chi capisce che c'è un mondo intorno a lui che non conosce, è pronto a fare l'apprendista, a essere il secondo. Dopotutto, in sostanza, il discepolato si svolge per tutta la vita. Come la Cvetaeva: "L'ora dell'apprendistato, è solennemente inevitabile nella vita di tutti".

ZHZ: E perché i tuoi studenti ti hanno sconvolto così tanto che hai persino deciso di abbandonare l'idea di insegnare ai direttori?

LD: No, non ho scelto di rifiutare. Sto anche pensando di frequentare un corso di regia l'anno prossimo. Perché sia ​​nell'una che nell'altra generazione dei miei laureati sono già state scoperte alcune carenze che non potevo prevedere.

JZ: Sono questi difetti generazionali?

LD: No, personale. Di conseguenza, si è rivelato così personale. Perché le persone assimilano molto rapidamente le cose esterne, la tecnologia, ma trovano l'interno con grande difficoltà. Lo ha detto anche Tovstonogov, che sapeva insegnare ai registi. In ogni corso ha avuto diverse figure di rilievo, e oggi i suoi allievi definiscono ancora molto nel teatro moderno. Ma Tovstonogov si è anche lamentato più volte con me che non poteva andare alle esibizioni dei suoi studenti, perché non si aspettava che una cosa del genere crescesse. Forse a volte si sbagliava - anzi, lo studente è importante solo quando confuta in qualche modo l'insegnante. Anche il mio insegnante Boris Vulfovich Zon non è mai andato alle esibizioni con la partecipazione dei suoi famosi studenti. E capisco di cosa aveva paura: perdere l'energia dell'illusione - pensa di aver imparato, e poi vedrà che diavolo. Una volta andato, perché era un invito personale, l'artista Leonid Dyachkov ha realizzato una performance indipendente basata su Dead Souls. Il giorno dopo, ricordo, Boris Vulfovich è venuto al pubblico scioccato. "Si scopre che è buono", ha detto. "Non me lo sarei mai aspettato." Questo sano scetticismo dell'insegnante è estremamente necessario, mi manca.

JZ: Ti piacciono i tuoi studenti?

LD: Mi piacciono gli attori. E i registi si stanno evolvendo. Non ci resta che aspettare. Quindi dici che Dima Volkostrelov ha fatto una buona prestazione. Per tutti e cinque gli anni ha aspirato alla regia - anche se non si è mostrato come regista durante il corso, ha studiato diligentemente, questo è vero. E sono contento se ora cresce. Sono felice del successo dei miei studenti.

ZhZ: Dima, a differenza di molti giovani registi, visita regolarmente la biblioteca.

LD: Questo è quello che, mi sembra, hanno appena imparato - a leggere libri: sulla vita e sull'arte. Questo di per sé non è così piccolo, ma voglio di più.

JZ: I tuoi due corsi di regia differivano in termini di principi o forme di formazione?

LD: Il primo corso è stato regia e recitazione: prima abbiamo reclutato un gruppo di registi di 9 persone, e l'anno successivo abbiamo reclutato artisti, e questo, l'ultimo corso è stato recitazione e regia, cioè tutti gli studenti sono stati reclutati allo stesso modo tempo e ha studiato per cinque anni, ma alcuni di loro hanno fatto domanda per la regia. E qui è interessante: nel corso dove sono stati reclutati prima i registi, e poi gli artisti, gli artisti si sono rivelati una parte un po' affettata, perché molto impegno è stato dato ai registi e c'era un tale legame tra me e il studenti di recitazione - il corso del regista. Di conseguenza, gli attori, mi sembra, hanno perso qualcosa. Ma nel corso di recitazione e regia, quelli che hanno provato a studiare regia hanno perso la strada, perché non ho lavorato molto con loro, ho pensato che se capiscono tutto quello che facciamo con gli artisti quando scriviamo una performance, allora lo faranno volentieri. per niente impara qualcosa. Io stesso ho imparato da Boris Vulfovich Zon in questo modo: non ha tenuto una sola lezione di regia con me. Sono entrato nel corso di recitazione, dal primo anno ho iniziato a fare test indipendenti e da qualche parte alla fine del secondo anno Boris Vulfovich mi ha trasferito al dipartimento di regia. Ovviamente ero felice di avere a disposizione un intero corso di recitazione: potevo provare qualsiasi cosa con loro e assistere Boris Vulfovich negli spettacoli di diploma. Ma Boris Vulfovich era molto ironico sulla professione del regista, stranamente. Dopotutto, lui stesso era un tempo un regista brillante, ma credeva così tanto nell'arte della recitazione secondo Stanislavsky che considerava le lezioni di regia profondamente secondarie. Consolò mia madre, raccontandole di me: "Beh, se non riesce a dirigere, può sempre fare letture artistiche".

JZ: Ho capito bene che non hai dato a nessuno il diploma di regista dell'ultima uscita?

LD: Abbiamo rilasciato un diploma a Sergei Shchipitsin dopo aver messo in scena tre spettacoli. Ma tutti hanno il diritto di riceverlo. Qui abbiamo Lena Solomonova che mostra inclinazioni registiche e voglio aiutarla in qualche modo ad avanzare.

JZ: Ci sono dei lavori dei tuoi primi registi diplomati che ti impressionano?

LD: Beh, per esempio, vedo come sta crescendo Igor Konyaev - sì, infatti, è già cresciuto. Si è sforzato molto energicamente di dirigere, era molto abile - Igor ha scritto enormi tesine. A quel tempo stavamo lavorando a “Un'opera teatrale senza titolo”, e il compito era degli studenti: trovare materiali sulla vita del proprietario terriero, la vita della tenuta di fine '800. Quindi Konyaev ha scritto un'intera dissertazione. È una persona molto meticolosa. Ora è il capo del Russian Theatre di Riga, e penso che sia giusto. Sono contento di come sta crescendo Oleg Dmitriev: mi sembra che combini felicemente la crescita della recitazione (ha interpretato molti ruoli seri sul palco) con la regia. Oleg ha fondato il suo piccolo teatro, che non gli impedisce di lavorare alla MDT. Oleg Dmitriev ha determinati gusti, affetti artistici, è molto educato e, come Konyaev, laborioso e pedante. Mi sembra che di performance in performance porti sempre più frutti. Sono molto interessato allo sviluppo di Yura Kordonsky, che è già diventata una professoressa a tempo pieno (e questa è una posizione molto seria) alla Stanford University, secondo me. Yuri si esibisce in tutto il mondo, in Romania lo portano semplicemente sulle mani. Ma allo stesso tempo è rimasto una persona molto morbida, magra ed esteriormente discreta. Yura ha lavorato in modo molto interessante per noi alla "Casa di Bernard Alba". Quindi devi solo essere in grado di aspettare: il talento del regista si manifesta gradualmente.