L'industria musicale moderna è un fenomeno piuttosto strano che non si ferma ed è in continua evoluzione. Chi lavora nella “cucina” musicale da più di un anno sa che a volte è molto difficile prevedere cosa ci riserverà musicalmente il futuro. Tuttavia, il sistema del profitto è sempre lo stesso, e chiunque sia seriamente intenzionato a trasformare la propria musica in denaro contante farebbe bene almeno ad avere una conoscenza di base di come funziona il business della musica.

Pertanto, abbiamo deciso di scrivere una piccola guida per i temerari che vogliono e intendono promuovere la loro musica e guadagnare bene da essa. Queste sono solo informazioni sufficienti per darti una comprensione di base di come vive e respira il mondo della musica e per farti pensare a come potresti farne parte.

Le società discografiche

Il percorso "tradizionale" verso il successo nell'industria musicale è quando il tuo disco viene ascoltato da una nota etichetta, che ti firmerà un contratto per promuovere il tuo lavoro. È ancora meglio se hai già registrato alcuni brani che possono essere inclusi nel tuo mini-album, o in un intero album, o in più album in rete.

In effetti, l'etichetta agisce come un investitore che investe i propri soldi in te e nel tuo progetto. Questo denaro viene utilizzato per pagare l'affitto dello studio, il missaggio e il mastering, nonché per pagare il tuo anticipo, che viene pagato in anticipo in modo che tu possa vivere fino al punto in cui inizi a ricevere la tua quota delle vendite, indicato nel settore come royalties.

L'etichetta gestisce anche tutte le pratiche burocratiche necessarie per pubblicare un brano/album, che include un diagramma di come vengono condivise le royalties: quale percentuale di ogni moneta guadagnata va a te, ai collaboratori e quale percentuale va all'etichetta per coprire il loro iniziale investimento e ricevere ulteriori profitti che l'etichetta potrebbe investire nuovamente nella tua promozione.

Contraccolpi musicali

La Copyright Protection Society (MCPS) paga una royalty per ogni copia della tua traccia. Ciò significa che più dischi vendi, più guadagni. Inoltre, se la tua canzone finisce su CD o DVD, o viene utilizzata in qualsiasi altro modo, ottieni anche una certa somma per questo.
Ad esempio: ci sono 20 canzoni nella raccolta e una di queste è tua. Ciò significa che la Copyright Society ti pagherà il 5% di tutte le vendite.

Uscita tanto attesa della tua musica

L'uscita della tua musica significa l'uso della tua traccia in qualsiasi forma, e tutte le entrate ricevute dopo l'uscita della tua musica possono provenire da molte e svariate fonti. In realtà, i soldi arrivano ogni volta che un brano viene riprodotto in TV, alla radio o utilizzato come colonna sonora di un film, anche quando il brano viene riprodotto nei camerini di Topshop. L'elenco è infinito.

In teoria, si scopre che ottieni denaro per qualsiasi uso della tua traccia. Questo sistema funziona attraverso agenzie di riscossione come PRS nel Regno Unito o ASCAP (Composers, Writers and Publishers of America) negli Stati Uniti. Queste organizzazioni tengono traccia di tutti i modi in cui viene utilizzata la tua musica, quindi raccolgono e distribuiscono il denaro di conseguenza.

TV, film e altro ancora

I principali canali di distribuzione e fonti di profitto nell'industria musicale sono la TV, i film e i videogiochi, ovvero la distribuzione della colonna sonora della tua musica attraverso questi canali. I vantaggi di un fonogramma sono evidenti: vieni pagato per usare la tua composizione; di conseguenza, ottieni nuove entrate dal fatto che la tua canzone viene utilizzata in progetti cinematografici o programmi TV, ad esempio, come colonna sonora. Questo uso della tua musica ti consente di aumentare la visibilità di te e del tuo lavoro, poiché sarà ascoltato da un pubblico potenzialmente vasto che in precedenza non aveva familiarità con la tua musica.

Non è facile ottenere brani in TV e progetti cinematografici, ma ci sono società di produzione specializzate che agiranno per tuo conto per spingere la tua musica in una direzione o nell'altra. Quindi puoi occuparti dei tuoi affari mentre agenzie come questa promuovono i tuoi brani a persone coinvolte nel cinema e in televisione.

La necessità di catalogare la musica che sarà nella libreria dei dischi delle case discografiche (più recentemente denominate Società di produzione musicale) è abbastanza comprensibile. Dopotutto, è un tale catalogo che è potenzialmente il più redditizio di tutto ciò che farai. Di norma, una tale società prenderà una percentuale per la promozione della tua musica. Ma non devi pagarli in anticipo per rappresentarti. Il pagamento viene effettuato in loco. E ciò che è ancora meglio è che non vengono pagati fino a quando la tua musica non viene pubblicata, il che significa che lavoreranno il più duramente possibile per assicurarsi che tutti sappiano di te.

Pensa alla composizione di Rembrandt "I'll Be There For You" - la colonna sonora della serie "Friends" - e quante persone lo conoscono in giro per il mondo...

Altre fonti di reddito

E se non scrivessi o non producessi nulla? Non preoccuparti, puoi comunque guadagnare con la musica. Lo streaming PPL non è un tipico canale di distribuzione a causa dei cantautori. Questa è un'ulteriore fonte di royalties pagate dalle emittenti agli artisti per l'utilizzo della loro musica. Tutti coloro che sono coinvolti nella creazione della canzone (bassisti, coristi, ecc.) ricevono anche una piccola somma di denaro per il loro lavoro.

Distribuzione

Il distributore è responsabile di portare la tua musica dal magazzino al negozio. Per fare ciò, se crei contenuto fisico, devi stipulare un accordo di distribuzione.
Come sappiamo, la musica "fisica" è in ritardo rispetto alla popolarità della musica digitale, il che è una buona notizia se stai avviando la tua etichetta, poiché la distribuzione non deve essere un grande sforzo o spesa. La distribuzione digitale significa che le tue registrazioni saranno disponibili per la vendita digitalmente in tutti i luoghi che i tuoi fan stanno aspettando. Ad esempio, Amazon, Beatport, iTunes. In altre parole, la distribuzione digitale ti salva da inutili complicazioni in tutti i sensi.

E infine

Tutto quanto sopra è abbastanza difficile da accettare, ma se vuoi connettere la tua vita con la musica, allora devi capire i meccanismi di base di una macchina musicale così grande e devi essere pronto, se vuoi davvero esprimerti e andartene un segno nel campo musicale, affrontala è una questione e vai fino in fondo, qualunque cosa accada.
E ti auguriamo buona fortuna!

Inviare il tuo buon lavoro nella knowledge base è semplice. Usa il modulo sottostante

Gli studenti, i dottorandi, i giovani scienziati che utilizzano la base di conoscenze nei loro studi e nel loro lavoro ti saranno molto grati.

Documenti simili

L'essenza e le particolarità dell'attività concertistica, il suo scopo e la procedura di attuazione. Requisiti per i partecipanti ai programmi dei concerti: regista, presentatore, interpreti, musicisti. Struttura e caratteristiche dei principali elementi dell'attività concertistica.

lavoro di controllo, aggiunto il 25/06/2010


Esame del problema del supporto metodologico alle attività delle istituzioni culturali. Lo studio delle specificità del funzionamento del sistema di supporto metodologico delle attività socio-culturali sull'esempio della Casa regionale dell'arte popolare di Murmansk.

tesina, aggiunta il 01/04/2013


tesi, aggiunta il 14/12/2010


Lo sviluppo del fattore spirituale nella vita degli adolescenti come priorità nelle attività socio-culturali. Conoscenza delle caratteristiche dell'organizzazione delle attività socio-culturali tra i bambini sulla base della Casa della cultura per bambini intitolata a D.N. Pichugin.

tesina, aggiunta il 07/10/2017


Le direzioni principali per organizzare il tempo libero di un residente rurale in condizioni moderne. Diagnosi del livello di soddisfazione dei residenti del villaggio di 2nd Pristan con la qualità dell'organizzazione delle attività socio-culturali, raccomandazioni e metodi per il suo miglioramento.

tesi, aggiunta il 06/07/2015


L'essenza della funzione di individualizzazione della personalità. Scopi e obiettivi delle istituzioni socio-culturali, forme di attività socio-culturali. La generazione come soggetto di attività socio-culturale. Modalità di trasmissione dell'informazione culturale nel processo di inculturazione.

test, aggiunto il 27/07/2012


Modalità di funzionamento, attività finanziarie ed economiche, processo educativo, compiti, attività e funzioni del Palazzo della Creatività dell'Infanzia e della Gioventù. Indirizzi dell'attività didattica e metodica in ambito socio-culturale.

tesina, aggiunta il 27/01/2012

Il famoso media retailer britannico - HMV (His Master's Voice) - è stato dichiarato fallito da lunedì. La rete commerciale, che esiste dal 1921, non poteva competere con le vendite online, che sono diventate la principale forma di distribuzione di musica. L'avvento di le nuove tecnologie richiedono nuovi approcci alla panoramica dell'indagine sulla regolamentazione Glynn Lanny

La necessità di adattare l'attuale regime del diritto d'autore è attesa da tempo. Nel suo studio "The Mercantilist Turn in Copyright" (La svolta mercantilista del copyright: abbiamo bisogno di più copyright o meno? Documento di ricerca sul diritto pubblico di Tulane n. 12-20). Professore di diritto all'Università di Tulane Glynn Lanny (Glynn S.Lunney) analizza la posizione dei sostenitori di una più severa regolamentazione del diritto d'autore. L'adozione di leggi come SOPA e PIPA, a loro avviso, contribuirà alla crescita del reddito nell'industria creativa. Il signor Lanny dubita della fattibilità di tale argomentazione: sembra che rafforzando la regolamentazione del copyright, l'unica cosa che si può ottenere è che lo stato reindirizzi artificialmente parte del reddito da altri settori dell'economia all'industria creativa. Ma allo stesso tempo, le moderne tecnologie digitali formano nuovi meccanismi per stimolare gli individui creativi a creare nuovi valori culturali, il che è confermato dai risultati dei suoi studi empirici sull'industria musicale.

Fasi dell'industria creativa

Le nuove tecnologie spesso portano a trasformazioni radicali in vari ambiti della vita umana. L'apparizione della prima macchina da stampa Gutenberg e dei successivi dispositivi per la registrazione di suoni e video ha ridotto significativamente i costi di copia e ha permesso di distribuire opere creative senza la partecipazione diretta dei loro autori. Nelle prime fasi dello sviluppo di queste tecnologie, gli inventori sono stati in grado di distribuire con successo (non gratuitamente, però) copie di contenuti multimediali senza pagare royalties ai loro autori. Ad esempio, alla fine del XIX secolo, si diffusero attivamente un pianoforte meccanico (pianola) e nastri perforati su cui venivano registrate le note, il che consentì di copiare e distribuire in modo massiccio composizioni musicali.

In tali condizioni, i compositori e gli editori di spartiti rischiavano di rimanere senza reddito. Per risolvere il crescente conflitto, è stato raggiunto un accordo vantaggioso per entrambe le parti. Il diritto d'autore iniziò ad estendersi alle copie di opere e musicisti, insieme agli editori di partiture, ricevettero il diritto a ricevere entrate dalle copie distribuite e le case discografiche ridussero al minimo la possibilità di monopolizzazione del mercato da parte degli editori di partiture e ricevettero l'accesso garantito alle composizioni musicali a un certo compenso. Questo modello di protezione del diritto d'autore è ancora valido sia nell'industria musicale che in altri rami dell'industria creativa. C'è un concetto secondo cui un tale modello permette di ridurre i costi di transazione, ma allo stesso tempo rimane insensibile ai cambiamenti delle condizioni economiche.

Rinascita digitale dell'industria musicale

L'uso diffuso delle tecnologie digitali negli ultimi decenni ha trasformato in modo tangibile la nostra società. Co-direttore del Berkman Center for the Study of the Internet and Society presso l'Università di Harvard Yochai Benkler (Yochai Benkler) nel suo libro The Wealth of Networks osserva che le tecnologie digitali hanno reso possibile la formazione di un'economia dell'informazione in rete che combina elementi sia di mercato che non di mercato. Tale economia opera sulla base di un'infrastruttura tecnologica universalmente distribuita (la tecnologia informatica è di proprietà e controllata da individui). Le “materie prime” sono beni pubblici (informazione, conoscenza, cultura), il cui “valore sociale marginale” è di fatto pari a zero. Tuttavia, la creatività umana e la potenza di calcolo della tecnologia sono risorse limitate. E i sistemi sociali di produzione e scambio (peer-to-peer) consentono di utilizzare queste risorse in modo più efficiente.

La tecnologia digitale ha trasformato l'industria musicale. Ora, per registrare e distribuire un album musicale, ad esempio, è sufficiente disporre di apparecchiature di registrazione poco costose, di un computer e di un accesso a Internet. Di conseguenza, non è necessario che i musicisti si rivolgano a noti studi di registrazione, che coprono la maggior parte dei canali di distribuzione dei contenuti musicali. La riduzione dei costi e dei rischi della creazione di contenuti digitali aiuta ad abbattere le vecchie barriere all'ingresso nel mercato musicale, contribuendo a creare un ambiente altamente competitivo e un nuovo lavoro creativo. Ma allo stesso tempo, la produzione musicale sta effettivamente "fuggendo" dalle mani dei suoi produttori in un ambiente digitale, in cui sono meno in grado di controllarne la distribuzione e le entrate del settore sono diminuite. Ciò influisce sulla motivazione degli individui creativi a creare nuovi valori culturali?

Lo Stato rafforza il sostegno al diritto d'autore

Per sopravvivere nell'industria musicale, le case discografiche sono costrette ad adattarsi alle nuove condizioni dell'era digitale. Ma invece di sostenere l'ambiente competitivo nel settore, il governo degli Stati Uniti sta perseguendo una politica interna ed estera attiva volta a mantenere lo "status quo" esistente. L'esempio più eloquente del ruolo crescente dello Stato nella regolamentazione della proprietà intellettuale a livello nazionale è l'adozione da parte della Casa Bianca nel 2010 del Piano strategico generale per la protezione della proprietà intellettuale, che mira più a combattere la contraffazione che a alla riforma della legislazione nel campo della protezione della proprietà intellettuale, compreso .h. e diritto d'autore.

Nel suo articolo, un professore di diritto all'Università di Tulane Glynn Lanny osserva che un simile ritiro degli Stati Uniti dagli approcci neoclassici al commercio internazionale potrebbe essere prematuro. I sostenitori di una regolamentazione più rigida sul diritto d'autore sostengono che tale azione stimolerà la crescita economica, creerà nuovi posti di lavoro e aumenterà i ricavi nelle industrie creative. Ma i sostenitori del diritto d'autore spesso perdono di vista come una regolamentazione più rigorosa del diritto d'autore influirà su altri settori dell'economia.

Come modello analitico per considerare tale interazione, Lanny suggerisce di utilizzare il paradosso della vetrina rotta di Frederic Bastiat, secondo il quale se un ragazzo rompe il vetro in un fornaio, quest'ultimo dovrà ordinarne uno nuovo, il che creerà una domanda per prodotti di soffiatura del vetro e servizi di vetreria. Ma se il vetro fosse rimasto intatto, il fornaio avrebbe potuto comprare stivali nuovi con questi soldi. Di conseguenza, l'economia è cresciuta, ma non è stato prodotto nuovo valore per il fornaio. Quindi nell'industria creativa, anche se l'espansione del regime del diritto d'autore crea nuovi incentivi per la crescita economica, non sempre porterà alla creazione di nuovi valori per la società. Ciò può portare, ad esempio, al "pompaggio" di risorse da altri settori dell'economia.

Fare musica senza copyright

Durante il primo decennio degli anni 2000, dopo la comparsa del primo servizio di condivisione di file musicali Napster, i ricavi del settore si sono più che dimezzati (cfr. figura 2).

Figura 2. Volume delle vendite di musica (a prezzi 2011)

Com'è fatto: produrre nelle industrie creative

L'industria musicale nell'era digitale

All'inizio del 21° secolo, l'industria è cambiata molto. Il business della musica è stato ricostruito più di una volta con lo sviluppo delle tecnologie Internet. I problemi principali restano la pirateria e il debole desiderio degli utenti di Internet di pagare per i contenuti legali. Quindi, solo nel periodo dal 2004 al 2010, le entrate dell'industria discografica globale sono diminuite di quasi il 31%. Nel 2013, per la prima volta, si è registrato un leggero aumento delle vendite di musica registrata rispetto all'anno precedente pari allo 0,3%.5 principalmente per le vendite ufficiali nello store online iTunesStore. Ma già nel 2014, le vendite di singoli brani su iTunes Store sono diminuite dell'11% su base annua, da $ 1,26 miliardi a $ 1,1 miliardi, mentre le vendite dei media fisici sono diminuite del 9%.6 In Russia, i numeri sono ancora peggiori di quelli globali. Dal 2008 al 2010, le vendite di supporti fisici legali sono scese da $ 400 milioni a $ 185 milioni, più che raddoppiando in tre anni e con un tasso di pirateria del 63%. In confronto, gli Stati Uniti hanno un tasso di pirateria di appena il 19%.7

Anche l'atteggiamento stesso nei confronti della musica, i modi di ascoltarla stanno cambiando. Popolari 3-5 anni fa, i negozi online come iTunesStore sono stati eliminati dal mercato da servizi di streaming come Spotify e BeatsMusic. Gli analisti prevedono che entro il 2019 quasi il 70% di tutti i ricavi dell'industria musicale online proverrà dai servizi di streaming, mentre i ricavi dei negozi online diminuiranno del 39%. Allo stesso tempo, il 23% di tutti gli utenti di servizi di streaming che acquistavano almeno un album al mese ora non lo acquistano affatto.8 Dei 210 milioni di utenti di servizi di trasmissione online, solo il 22% degli utenti ha ancora pagato conti. Come osserva l'analista musicale Mark Mulligan, "La transizione verso un nuovo modello di distribuzione è ostacolata dalla necessità di trovare il valore per cui gli abbonati in chiaro sono disposti a pagare".9

Inoltre, la musica oggi ha bisogno di altri modi per attirare un pubblico moderno. Modi che rispondessero al meglio alle esigenze e alle abitudini di questo stesso pubblico, abituato a servizi di streaming, gadget, sottofondo e percezione in streaming del materiale musicale.

Tra le più importanti trasformazioni avvenute nell'industria musicale, vale la pena evidenziare:

- un'abbondanza musicale mai vista prima. C'è troppa musica oggi. Internet ha moltiplicato l'offerta. Di conseguenza, l'ascoltatore ha un effetto saturazione. E quando l'ascoltatore inizia a sentire un'eccessiva saturazione, il valore della musica diminuisce. Di conseguenza, è molto difficile attirare un ascoltatore così stanco e stanco. Soprattutto quando ci sono molti altri intrattenimenti in rete oltre alla musica10;

- riduzione della durata del contatto con un'opera. Se all'utente Internet non piace qualcosa, chiude immediatamente il file e passa a contenuti più interessanti11;

– il passaggio dal download e archiviazione dei file all'ascolto in streaming;

- disturbo da deficit di attenzione del pubblico di Internet;

– percezione del clip e disintegrazione di grandi forme musicali. Il passaggio dal pensiero dell'album ai singoli;

- Desacralizzazione della musica. Ora la rete è disponibile quasi tutto per tutti i gusti. L'utente non ha bisogno di fare grandi sforzi per ottenere il record desiderato. La musica arriva troppo facilmente. E quando la musica si ottiene senza troppe difficoltà, non evoca un senso di valore e di unicità;

– consumo in modalità multitasking, che ha portato alla pratica dell'ascolto in sottofondo. Oggi una persona può permettersi di ascoltare musica, leggere un articolo e sedersi su YouTube allo stesso tempo. Cioè, una persona va su Internet non per il bene della musica, ma per qualcos'altro (ad esempio film o giochi). La musica non è fine a se stessa per l'utente. Suona in sottofondo12;

– il frequente cambio di tendenza e la necessità di un costante aggiornamento dei contenuti causato dall'effetto FOMO. FOMO è “la paura di perdersi qualcosa di nuovo, di essere esclusi, un desiderio ossessivo di essere al corrente”.13 Il fenomeno FOMO è particolarmente rilevante per i fan che sono abituati a seguire la vita degli idoli. Puoi seguirci sui social media 24 ore su 24. Ma se l'artista non aggiorna il contenuto e non condivide qualcosa di veramente importante (dal punto di vista dei fan) con i fan, l'interesse scompare rapidamente14;

- sintesi con altri tipi di arte, in primis con il cinema e il teatro;

- il contenuto multimediale del materiale musicale, ovvero, nella promozione della musica, il contenuto video, fotografico e testuale di accompagnamento inizia a svolgere un ruolo significativo;

– la necessità di competere per l'attenzione del pubblico non solo con la comunità musicale professionale, ma anche con i "dilettanti" a cui è permesso cimentarsi nella creatività e condividere i risultati di questa creatività con un vasto pubblico con tecnologie relativamente economiche e Software.

Considerando tutte le sfide che la rivoluzione digitale pone al settore, gli esperti della British The Music Business School ritengono che oggi una campagna promozionale di successo per un musicista dovrebbe poggiare su diversi pilastri, tra cui:

- enfasi sull'unicità dell'artista;

- community di fan dedicate, che dovrebbero essere presenti in più grandi social network contemporaneamente;

- distribuzione dell'album attraverso il maggior numero possibile di risorse e piattaforme (negozi online, servizi di streaming, applicazioni mobili, ecc.), ovvero il cosiddetto modello di business multipiattaforma;

– presenza su tutti i più famosi siti di video hosting;

– coinvolgimento delle community di fan nella generazione e distribuzione dei contenuti;

- costruire la promozione della tua musica attorno a una storia (o idea) interessante che fornisca ai suoi potenziali ascoltatori un coinvolgimento narrativo;

- proporre progetti fuori standard che ampliano le possibilità della musica e ne consentono il “consumo” non solo durante i concerti o attraverso il normale ascolto su Internet, ma anche attraverso eventuali formati ibridi15.

Pertanto, il compito principale per un musicista è attirare l'attenzione del maggior numero possibile di ascoltatori e mantenere questa attenzione il più a lungo possibile. L'industria musicale sta gradualmente arrivando alla conclusione che è difficile attrarre un pubblico su Internet solo con la musica. “Serve una ricerca di nuove forme in cui i musicisti possano ora presentare la loro musica. Ora è chiaro a ogni musicista, sia un luminare che un principiante: registrare una canzone non è sufficiente ora, perché ha tutte le possibilità di non essere ascoltata", afferma il leader del gruppo Mumiy Troll, Ilya Lagutenko16.