La visione dell'artista. I problemi moderni della scienza e dell'istruzione. Apri la tua mente. È necessario

Questo autunno, i residenti e gli ospiti di Francoforte hanno potuto visitare la prima mostra in Germania di dipinti del talentuoso artista moscovita Misha Levin chiamata "Vision", che si è tenuta al German Film Museum (Deutsches Filmmuseum). Avendo iniziato a dipingere all'età di quattro anni, il giovane talento, che i critici un tempo soprannominato il moderno Matisse, oggi è considerato un maestro della pittura, i suoi dipinti sono esposti a Mosca, Londra, Ginevra, Cincinnati e in altre città del mondo. I dipinti di Misha Levin sono conservati in collezioni private di Elisabetta II, del principe Carlo, Vladimir Spivakov e di intenditori d'arte in Germania, Giappone e America. Al vernissage in occasione dell'inaugurazione di una mostra personale a Francoforte, abbiamo potuto parlare con l'artista russo del suo lavoro, della sua storia di successo, delle fonti di ispirazione e dei progetti futuri.

Misha, è la prima volta che presenti i tuoi dipinti in Germania? Perché hai scelto Francoforte?

Sì, questa è la mia prima mostra in Germania. L'offerta di presentare i dipinti a Francoforte è venuta dal co-direttore del German Film Museum, il dottor Hensel, che ci è stato presentato da amici della nostra famiglia. Una volta arrivato a Mosca e visto i miei lavori, si è interessato e si è offerto di esporli nella sala principale del museo, dove lo spazio permette di esporre molti dipinti di grande formato. Sono molto contento che il vernissage abbia avuto luogo: questa è una buona occasione per presentare i lavori realizzati negli ultimi anni in un volume così grande.

Che impressione ti ha fatto Francoforte?

Mia moglie ed io abbiamo trovato Francoforte una città confortevole e piacevole in cui vivere. Naturalmente, non impressiona con la bellezza dell'architettura, ma comunque qui c'è un'atmosfera molto buona. A differenza di molti critici nel mescolare stili architettonici così diversi, sono sempre stato attratto dal contrasto visivo tra edifici piuttosto bassi, apparentemente sopravvissuti durante la guerra, e grattacieli. La città non sembra noiosa.

A che età hai capito che volevi dedicare tutta la tua vita alle belle arti?

In effetti, il mio interesse per l'arte è nato molto presto. Sono cresciuto in una famiglia di musicisti e ho iniziato a imparare a suonare il violino all'età di sei anni. Nonostante le mie capacità musicali, queste attività non mi piacevano. Inoltre, a causa della paura del palcoscenico e dell'eccessiva ansia, non potevo esibirmi bene come nelle prove. Quando avevo undici anni, mio ​​padre, dopo un altro esame non molto positivo, disse che era pronto a darmi una scelta tra belle arti e musica. Ho iniziato a disegnare letteralmente dall'età di tre anni, quindi senza esitazione ho scelto la pittura. E non me ne sono mai pentito per un secondo. Anche se, ovviamente, questa professione è molto difficile e piena di molte insidie. Quando si tratta di belle arti, la maggior parte delle persone è intimidita dalla domanda su come guadagnarsi da vivere. Dato che ora insegno molto, cerco in qualche modo di motivare i miei studenti a dedicarsi in seguito non al design, ma alle belle arti. Certo, non vi è alcuna garanzia che tutti diventeranno sicuramente artisti di successo, ma sono fortunato: posso combinare la mia pratica e il mio insegnamento, il che dà la stabilità necessaria.

È vero che l'eccezionale musicista Vladimir Spivakov ti ha aiutato all'inizio della tua carriera?

Sì, mio ​​padre ha studiato con lui alla Central Music School e successivamente ha suonato nella sua orchestra dei Virtuoso di Mosca per più di vent'anni. Vladimir Teodorovich dirige una fondazione di beneficenza per giovani talenti, di cui ero anche membro. La mia prima mostra personale all'estero è stata organizzata al suo festival musicale, che si tiene ogni anno a Colmar, in Francia. Allora avevo dieci anni.

Mostra personale all'età di dieci anni?

Sì. Vladimir Teodorovich è un grande amante dell'arte e, si potrebbe dire, uno dei miei primi intenditori. Ho anche partecipato a un gran numero di progetti russi. A Mosca c'è una fondazione di beneficenza "New Names", il cui presidente oggi è Denis Matsuev. Grazie alla fondazione, la mia mostra personale si è tenuta in Thailandia e, come parte della campagna, le opere sono state donate al presidente B. N. Eltsin e alla regina Elisabetta II.

Come è successo che la tua pittura sia finita con la Regina di Gran Bretagna?

Nel 1994 ebbe luogo la prima visita ufficiale di Elisabetta II in Russia dopo il crollo dell'Unione Sovietica. Al ricevimento ufficiale a San Pietroburgo, la New Names Foundation ha organizzato un concerto. Io, un bambino di otto anni, fui portato dalla regina e presentato personalmente. Non conoscendo l'inglese, ho memorizzato un discorso, che ho pronunciato: “Vostra Altezza, sono molto lieto di conoscerla. Voglio darti una foto di te che esci dalla Cattedrale di Westminster. All'inizio non si rese conto che era il mio dipinto. (ride) Più tardi, durante i miei studi all'Accademia di disegno fondata dal principe Carlo, fui invitata a un ricevimento al Palazzo di Windsor, dove è conservata l'intera collezione di doni della famiglia reale. Su mia richiesta, hanno esaminato gli archivi e hanno trovato il mio dipinto. Dopo quattordici anni, era ancora lì conservato.

Hai studiato pittura sia in Russia che in Gran Bretagna. In che modo il destino ti ha portato a Foggy Albion?

Quando avevo tredici o quattordici anni, è sorta la domanda su quale istituto di istruzione scegliere. Inizialmente pensavo di entrare alla scuola Surikov o Stroganov di Mosca, anche se sono sempre stato un oppositore del sistema educativo delle nostre università d'arte, secondo il quale uno studente deve prima, prima di diventare un individuo, seguire una formazione tecnica di routine. Credevo di avere una visione speciale dell'arte, così all'età di quindici anni andai a studiare all'estero. Ha vissuto a Oxford per due anni, adattandosi, studiando a scuola, studiando inoltre la lingua e superando un certo numero di esami per l'ingresso all'università. Dopo quattro anni di studio presso la Slade School of Fine Art dell'Università di Londra, ho completato la mia laurea.

Alcuni critici ti chiamano un Matisse moderno. Secondo te, quale opera del maestro ti ha influenzato di più? Con chi ti associ di più? Chi ti è più vicino nello spirito?

Da bambino, ho cercato di imitare artisti eminenti. Ad esempio, dai sei agli undici anni, ero innamorato di Rembrandt, mi interessava rappresentare solo scene bibliche. Successivamente si interessò agli impressionisti e ai postimpressionisti. Con l'età, ovviamente, ti rendi conto che non puoi cadere sotto un'influenza così forte, perché in un modo o nell'altro diventi solo un imitatore. E per l'artista, l'obiettivo più importante è preservare la sua individualità. Benché sia ​​certamente necessario attenersi all'art. Pertanto, ora non posso nominare nessun pittore come mio mentore o ispiratore. In generale, la pittura tedesca moderna mi è molto vicina, mi piace il lavoro di artisti tedeschi come Neo Rauch, Daniel Richter, Max Beckmann e Otto Dix.

Come descriveresti il ​​tuo stile pittorico?

Si potrebbe dire che è una specie di neo-espressionismo. Puoi anche tracciare l'influenza del neoclassicismo, del neo-pop. Cioè, questa è una tale vinaigrette, ma vorrei che fosse il mio stile. (Ride) Per me, in ogni caso, la cosa più importante è cercare costantemente, non fermarsi a un certo stile che è stato raggiunto. Pertanto, la mostra presenta opere realizzate con varie tecniche. Ma sono uniti dalla cosa principale: la personalità umana, l'immagine nella trama, che da qualche parte diventa più realistica e da qualche parte va nell'arte astratta.

Quanto tempo ci metti a finire un dipinto?

Diversamente. A volte un quadro viene dipinto letteralmente in tre o quattro giorni, a volte si torna al lavoro entro un anno. Di solito qualche motivo, idea o trama si riflette in diverse opere. A volte una serie diventa un progetto separato, composto da dieci o quindici dipinti. Ognuno di questi progetti per me è una nuova pagina di creatività.

In conclusione, vorrei conoscere i vostri progetti. Hai in programma altre mostre personali in Europa?

io pianifico. Sto lavorando a un grande progetto: una mostra al Museo Russo, la cui idea è stata rilassata nel 2009. Parteciperò al progetto anche a Vienna. La figura della cultura russa Roman Fedchin ha in programma di organizzare la prossima primavera una grande mostra "L'Austria attraverso gli occhi dei maestri della pittura russi", che presenterà opere di quindici artisti. Ci sono anche trattative per la mia mostra con il direttore del Museo Ebraico di Vienna. Ci sono molti progetti, ma l'organizzazione delle mostre è, purtroppo, un processo molto complicato che richiede mesi e include trattative, trasporto di dipinti e molti altri dettagli.

L'artista, tuttavia, introduce la sua visione penetrante nel processo di creazione di un'immagine estetica, come abbiamo già detto, il suo atteggiamento emotivo nei confronti del dipinto. A questo proposito, la sua visione rimane inevitabilmente profondamente soggettiva, porta l'impronta della sua personalità e quindi, come ogni altra espressione della disposizione mentale dell'individuo, può essere sia consonante che dissonante con gli ideali estetici sociali, può essere sia progressiva e veritiero, e reazionario e falso. Affidarsi all'inconscio fornisce all'artista una precisa acutezza di visione, ma l'interpretazione che dà a ciò che vede, il significato che dà alle sue opere, sono determinati dalla sua personalità. Pertanto, la veridicità artistica delle opere d'arte non è affatto garantita dalle possibilità create dall'affidarsi all'inconscio. Questa veridicità non è una funzione delle caratteristiche del processo psicologico di creazione di una revisione estetica, ma del posto che occupa questa immagine e del ruolo che svolge nel sistema di valori estetici dell'epoca.

Solo tenendo conto di queste circostanze, ci sembra, è possibile interpretare metodologicamente in modo adeguato la presenza dell'irrazionale nell'arte, comprendere l'impossibilità di astrarsi da questa irrazionalità quando si considera il processo psicologico di formazione di un'immagine estetica e, allo stesso tempo, l'indeterminatezza di questa irrazionalità del valore sociale dell'opera d'arte realizzata dall'artista.

(2) Con quanto detto sopra, si è cercato di sottolineare tutta la profondità della connessione tra i processi di creazione artistica e l'attività dell'inconscio. Abbiamo anche notato che la comprensione del ruolo svolto dall'inconscio a questo riguardo è stata avvicinata solo dopo che era iniziato lo sviluppo di concetti psicologici più rigorosi delle funzioni dell'inconscio.

Nella letteratura sovietica, come è noto, lo sviluppo del concetto di inconscio per molti decenni è stato associato al nome di D. N. Uznadze, con l'idea di un atteggiamento psicologico sostanziato da questo pensatore e dalla sua scuola. Sulla base della teoria dell'atteggiamento psicologico, si è rivelato possibile introdurre lo spirito di obiettività e sperimentalismo nella difficile area delle idee sull'inconscio e subordinare la considerazione e l'interpretazione di queste idee ai principi e alla logica di il processo cognitivo nella sua rigorosa comprensione scientifica. Non possiamo ora soffermarci sulle caratteristiche generali di questo approccio concettuale, già discusso più volte negli articoli introduttivi alle precedenti sezioni tematiche, e su questo torneremo nell'ultimo articolo della monografia. Sottolineeremo solo due aspetti del concetto di attività mentale inconscia che sono direttamente correlati all'idea di un atteggiamento psicologico e appaiono particolarmente chiaramente quando viene esaminata la connessione tra l'inconscio e l'arte.

Questa è, in primo luogo, la possibilità dell'esistenza simultanea dell'artista di una serie di atteggiamenti psicologici inconsci diretti in modo diverso e persino contraddittorio - una circostanza, astraendo da cui spesso è impossibile comprendere né la genesi né la struttura funzionale dell'immagine estetica creata da l'artista; in secondo luogo, la possibilità della manifestazione dell'inconscio - per la diversa natura degli atteggiamenti psicologici - a diversi livelli di organizzazione della creatività artistica: sia ai livelli più alti, in cui il contenuto delle immagini estetiche create è l'attività mentale di un persona in tutta la complessità delle sue manifestazioni individuali e sociali, ea livello più elementare, in cui il valore estetico dell'immagine è determinato principalmente dalle sue proprietà fisiche (struttura geometrica, tonalità del colore, ecc.). Il coinvolgimento dell'inconscio nell'attività creativa sviluppata a ciascuno di questi diversi livelli risulta essere in gran parte dovuto al polimorfismo degli atteggiamenti psicologici, alla loro rappresentazione a tutti i livelli della gerarchia degli stati mentali, da quelli che esprimono tratti di personalità a quelli determinati direttamente da influenze fisiologiche.

Se non prendiamo in considerazione questi due tratti caratteristici dell'attività dell'inconscio, possiamo facilmente cadere in una comprensione unilaterale e quindi semplificata delle sue manifestazioni. Soffermiamoci anzitutto sul primo di questi punti.

In un simposio svoltosi in Francia qualche anno fa, specificamente dedicato al problema del rapporto tra arte e psicoanalisi, sono stati toccati vari aspetti di questo complesso tema. Uno di questi, che ha suscitato una vivace discussione, è stato direttamente correlato alle questioni di cui stiamo discutendo.

Nella relazione di N. Drakoulides “L'opera di un artista sottoposto alla psicoanalisi” è stata sollevata una questione che è stata risolta in modo molto diretto, riportandoci alle idee originali di Freud. L'autore di questo messaggio ha difeso la tesi secondo cui il lavoro dell'artista è stimolato da vissuti dolorosi che gli sono caduti in sorte. Seguendo il pensiero di Stendhal "l'arte ha bisogno di persone un po' malinconiche e piuttosto infelici", N. Dracoulides sostiene che gli studi sulle biografie e sulla creatività ci fanno considerare frustrazioni e privazioni di ogni tipo, specialmente quelle che hanno il carattere di traumi mentali abbastanza profondi, agendo sul il talento dell'artista come una sorta di catalizzatore che aumenta il potenziale dei talenti. Con questa comprensione, la creatività artistica appare come una forma speciale per superare i conflitti mentali e adattarsi ai fallimenti della vita. Quando le esperienze traumatiche si attenuano o scompaiono, anche l'incentivo a creare si indebolisce. Trascurando i notevoli pericoli che di solito sono associati a generalizzazioni troppo ampie, N. Dracoulides non si ferma nemmeno a una generalizzazione socio-psicologica così peculiare come: "l'arte fiorisce tra i popoli meno felici".

Uscita raccolta:

PROBLEMI DELLO SVILUPPO DELLA VISIONE ARTISTICA

Bedina Anna Fedorovna

insegnante di discipline speciali,

MOU DOD "Scuola d'arte per bambini" n. 1, Astrakhan

Guardare e vedere sono due processi nella vita quotidiana che servono a una persona come mezzo di orientamento. Guardo alberi, fiori, erba. Vedo il paesaggio che mi circonda. Usando queste parole, il più delle volte intendiamo lo stesso processo che esegue l'occhio umano, fissando qualsiasi oggetto situato in qualsiasi luogo. Ma queste parole non sono più sinonimi quando si parla di belle arti. Quante volte, venendo in una galleria d'arte o in una sala espositiva, ci si stupisce delle trame viste attraverso gli occhi degli artisti. Sembrava che avessimo visto questa semplice scena di vita nel cortile o nella strada vicina centinaia di volte, ma non abbiamo visto tutta la bellezza, la gioia, la felicità mostrateci dall'artista. Guardare non significa vedere, ma per un artista c'è un'enorme differenza tra il concetto di “vedere” e di “vedere”. È la visione d'insieme che distingue gli studenti coinvolti nelle belle arti dai loro coetanei. Uno degli obiettivi principali dell'insegnamento delle belle arti è dato allo sviluppo della visione artistica.

Dopo aver analizzato il lavoro degli studenti delle scuole primarie di un istituto d'arte, si possono rintracciare una serie di carenze, una delle quali è una visione costante. La costanza della vista è la tendenza a percepire un oggetto, la sua dimensione, forma, leggerezza, colore come stabili e immutati, indipendentemente dai cambiamenti che gli si verificano. La visione costante è l'ostacolo principale nella formazione della visione artistica.

Nel corso dell'articolo cercheremo di spiegare che l'atto del "guardare" è, prima di tutto, un processo fisiologico associato al lavoro dell'occhio, ma il processo del "vedere" è associato alla percezione, alla cognizione e è un prodotto di natura intellettuale. Considera il processo di visione e analizza la questione della sua formazione e sviluppo. I raggi luminosi emessi dal sole o da qualche altra sorgente, in collisione con un oggetto, vengono in parte riflessi e in parte assorbiti da esso. I raggi riflessi cadono sulla retina e formano immagini di oggetti su di essa. La retina ha una struttura complessa. Contiene cellule sensibili alla luce - recettori visivi. È in essi che l'energia dei raggi luminosi che penetrano nell'occhio viene convertita in un processo di eccitazione nervosa e gli impulsi nervosi entrano nel cervello attraverso le fibre del nervo ottico, trasportando informazioni sugli oggetti circostanti.

Quindi, la visione è la percezione della realtà, dove l'atto di "guardare" è informativo. Ma il sistema visivo svolge funzioni più importanti che non si limitano alla riproduzione della realtà.

La percezione è un processo mentale complesso, include l'esperienza passata sotto forma di conoscenza, idee. Senza l'inclusione dell'esperienza passata nella percezione, il processo di cognizione sarebbe impossibile, poiché senza la correlazione di oggetti percepiti, fenomeni con oggetti visti in precedenza, fenomeni, senza l'uso di conoscenze specifiche ottenute nell'esperienza passata, è impossibile determinare , comprendere l'essenza del percepito.

La percezione è strettamente correlata al pensiero. Ciò si esprime nel fatto che le immagini che si formano nel processo percettivo vengono comprese e generalizzate attraverso concetti, operazioni mentali, giudizi e conclusioni.

Di particolare importanza per la percezione sono le conoscenze teoriche nel campo dell'anatomia, della prospettiva, della visione dei colori. Molti artisti nello sviluppo della "visione" hanno dato grande importanza alla conoscenza. Un artista deve conoscere per imparare a vedere. È il processo cognitivo che aiuta l'artista nella selettività percettiva, che lo distingue da tutti gli altri.

Nel processo dell'attività visiva, l'appercezione è importante, che è determinata dall'influenza dell'esperienza passata, degli obiettivi e degli interessi dell'artista sul processo di percezione. Questa conoscenza è l'orientamento professionale dell'artista ed è sostenibile. Gli artisti stessi di solito li chiamano la capacità di "vedere" la natura. Questo è talvolta indicato anche come "impostazione della visione".

La capacità di “vedere” la natura presuppone di vedere in essa il principale, l'essenziale, che risiede per il pittore nei tratti della struttura costruttiva dell'oggetto, nella sua posizione spaziale, nelle proporzioni, nel colore, nella distribuzione dei chiaroscuri. Il trasferimento di queste proprietà è un compito importante delle belle arti.

"Impostare la visione" o "visione artistica" è un obiettivo importante nell'insegnamento dell'arte agli aspiranti artisti. Lo studente deve imparare a pensare collettivamente, in modo figurato, e la trama che vede gli viene presentata come una futura composizione. Pertanto, l'insegnamento della "visione" deve iniziare, ovviamente, prima dell'immagine diretta sul foglio. Un ruolo importante nel sistema di educazione artistica accademica è dato al disegno dalla natura nelle lezioni di disegno e pittura. In queste lezioni, l'atteggiamento psicologico-informativo proveniente dall'insegnante gioca un ruolo enorme: si tratta di un compito correttamente impostato per la percezione e la trasmissione della natura nell'immagine da parte degli studenti. Padroneggiare le basi delle belle arti, oltre al compito di fissare l'occhio, include anche l'impostazione della mano. Entrambi possono essere considerati come un problema puramente tecnico risolto dai metodi del disegno pratico dal vero, dallo studio della diversità delle forme del mondo circostante, della loro struttura, dei rapporti proporzionali delle parti e del tutto per mezzo di materiali pittorici all'interno di una certa pittura aereo.

Prima di iniziare il lavoro, dovresti considerare attentamente l'oggetto dell'immagine da più lati. Il punto di vista non è solo da dove guardiamo, ma anche come guardiamo, come vediamo. Questa frase è una guida metodologica allo sviluppo e all'educazione della visione artistica.

Nel processo di scelta di un punto di vista, gli studenti sviluppano la capacità di analizzare, confrontare, pensare nella percezione compositiva-figurativa, pittoresca-planare, volumetrica-costruttiva, che è la qualità principale della visione artistica professionale. Dopo aver scelto il punto di vista che rivela più pienamente la natura, puoi metterti al lavoro.

Nel processo di studio in una scuola d'arte, gli studenti sviluppano due tipi di visione: tridimensionale e pittoresca. La visione volumetrica è plastica, tattile, veicolante una forma volumetrico-costruttiva, pittorica - visivo-ottica, prodotta dal colore e dal tono. La visione tridimensionale è più applicabile alla disciplina del disegno e la visione pittorica è più applicabile alla pittura. Ciascuno di questi tipi di visione non è sorto nelle arti visive da solo. Tuttavia, come ha dimostrato la psicologia moderna, riflette alcuni aspetti del processo psicofisiologico della percezione visiva e del pensiero umano.

Il processo di disegno a prima vista è abbastanza semplice e accessibile a tutti coloro che vogliono farlo e hanno una certa capacità di farlo. Tuttavia, considerando questo processo dal punto di vista della fisiologia della visione, prestiamo attenzione a due diversi processi visivi, che sono inconsci per il pittore stesso mentre disegna. Questi processi sono importanti, poiché in futuro diventeranno gli elementi principali del concetto di visione artistica.

Quando uno studente inizia, ad esempio, a disegnare una natura morta di più oggetti, percepisce ogni oggetto separatamente in una forma volume-colore nello spazio. Volgendo lo sguardo dalla natura al lenzuolo che gli sta di fronte, il suo sguardo vede il piano del lenzuolo, delimitato da sezioni verticali e orizzontali. Ad ogni momento della traslazione dello sguardo, la visione dello studente viene ricostruita al tipo opposto di visione degli oggetti, in questo caso da tridimensionale a planare. L'impressione di un piano vuoto e di un volume spaziale sono diverse e incommensurabili. Chi attinge dalla natura affronta il difficile compito di tradurre una forma spaziale nel linguaggio di un'immagine piatta.

Man mano che il disegno avanza e gli oggetti nell'immagine sono riconoscibili, l'occhio del pittore inizia a superare il piano del foglio e percepisce l'immagine disegnata in termini tridimensionali-spaziali, e gli occhi iniziano ad appiattire gli oggetti reali mediante il metodo di generalizzazione. Il metodo della percezione planare della natura visibile mediante il metodo della generalizzazione viene utilizzato dai disegnatori già nella fase di organizzazione di un'immagine in un formato. Ogni volta, considerando la natura, gli studenti devono ritagliare lo spazio extra con una cornice virtuale, lasciando e disponendo il necessario all'interno. Con il tempo, questa diventa un'abitudine professionale, che è l'essenza della visione compositiva. L'artista, secondo la tradizione del suo mestiere, ha a che fare quasi sempre con un foglio di formato rettangolare, di varie dimensioni e disposizioni, che forma anche la sua visione di conseguenza. Si tratta di una forma pittorica di rappresentazione in cui l'artista cerca di esprimersi con vari mezzi pittorici. Per l'insegnante, la conoscenza dello sviluppo del processo di visione sarà un aiuto indispensabile nel lavoro con gli studenti. La teoria che comprende la pratica fornisce la chiave per il suo miglioramento.

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3. Problemi G.V. Pittura: libro di testo. indennità [Testo] / G.V. Problemi. – M.: Illuminismo, 1986.-208 p.

4. Kuzin VS Psicologia: libro di testo. indennità [Testo] / V.S. Kuzin - M.: Scuola superiore, 1982.-226 p.

5. Radlov NE Disegnare dalla natura: libro di testo. indennità [Testo] / N.E. Radlov. - L.: Artista, 1978.-130 p.

Hv e sviluppa i mezzi linguistici corrispondenti. Allo stesso tempo, le possibilità dell'immaginazione artistica in ogni fase storica non sono illimitate: ognuno nella sua epoca trova certe “possibilità ottiche” da cui risulta essere dipendente. Le idee dominanti dei contemporanei (l'immagine del mondo) "mettono a fuoco" tutta la diversità delle pratiche artistiche, agiscono come base fondamentale dell'ontologia culturale della coscienza artistica (cioè, modi di essere, manifestazione creativa di coscienza entro i confini della corrispondente comunità culturale). tipi H.v hanno, quindi, una loro storia, e la loro scoperta può essere considerata come il compito più importante degli studi estetici e culturali dell'arte. Lo studio dell'evoluzione di H.v. capace di illuminare la storia delle mentalità, la logica dello sviluppo dell'uomo come specie, nella fase di un processo culturale generale.
Hv si rivela anzitutto nella forma, nei modi di costruire un'opera d'arte. È nei metodi di espressione artistica dell'artista al modello e alla realtà che si rivela non come il suo capriccio soggettivo, ma come il più alto condizionamento storico. Allo stesso tempo, sorgono non pochi problemi nel modo di studiare i tipi di H.V. incontrati nella storia. Quindi, non si può ignorare il fatto che le stesse persone nella stessa epoca hanno diversi tipi di H.v. coesistere. Questa scissione, ad esempio, si può osservare in Italia nel XV secolo, in Francia nel XVIII secolo, in Russia nel secondo. pavimento. 19esimo secolo Il senso della forma, che è centrale nel concetto di X.v. in un modo o nell'altro entra in contatto con i fondamenti della percezione nazionale. In un contesto più ampio H.v. può essere percepito come una fonte generativa della mentalità culturale generale dell'epoca. In questo senso, le forme stabili dell'H.v. le epoche hanno una radice, un'unica base con forme comuni di contemplazione nella coscienza quotidiana e nel pensiero non artistico. Se è così, allora è legittimo tentare di tracciare passo dopo passo l'evoluzione dei vari tipi di HV sulla materia dell'arte, la quale, essendo costruita in sequenza regolare, potrebbe gettare luce sulla storia della percezione umana nel suo insieme (a cura di G. Wölfflin e M. Dvorak).
L'identificazione nell'opera di artisti, scrittori, compositori di una comunanza di uno o di un altro tipo di visione permette di avvicinarsi alla soluzione del problema della costruzione di una storia dell'arte senza nomi. Le tappe di questa storia potrebbero essere i tipi specifici dell'Ottocento, che in ogni epoca non sono altro che forme artisticamente trasformate della mentalità delle diverse epoche storiche.

Filosofia: Dizionario Enciclopedico. - M.: Gardariki. A cura di A.A. Ivina. 2004 .

Guarda cos'è "VISIONE ARTISTICA" in altri dizionari:

visione- visione; cfr. 1) La capacità o capacità di vedere. Visione a distanza. Dispositivi per la visione notturna. 2) quale libro. La capacità di percepire e valutare l'ambiente. strada. Visione dei bambini. Visione artistica. Il poeta ha il suo ... ... Dizionario di molte espressioni

visione- I, unica unità, p. 1) La capacità o capacità di vedere. Vedere i contorni di oggetti distanti. Dispositivi per la visione notturna. Sinonimi: contemplazione / nie (obsoleto), osservazione / nie, recensione / nie, contemplativo / nie 2) (cosa, libro ... Dizionario popolare della lingua russa

1) la conoscenza della realtà oggettiva e soggettiva da parte di una persona (non un artista) che ha un'innata capacità di vedere figurativamente il mondo e percepire il mondo in un "bello guscio", come soggettivamente espressivamente colorato (un esempio di tale ... ... Enciclopedia filosofica

Dizionario esplicativo di Ozhegov

VISIONE, I, cfr. (prenotare). 1. vedi vedi. 2. La capacità di percepire l'ambiente. artistico c. Bambino dentro. la pace. II. VISIONE, I, cfr. Fantasma, apparizione; cosa n. immaginato. Il paziente è ossessionato dalle visioni. Visioni del passato. Esplicativo ... ... Dizionario esplicativo di Ozhegov

VISIONE, I, cfr. (prenotare). 1. vedi vedi. 2. La capacità di percepire l'ambiente. artistico c. Bambino dentro. la pace. II. VISIONE, I, cfr. Fantasma, apparizione; cosa n. immaginato. Il paziente è ossessionato dalle visioni. Visioni del passato. Esplicativo ... ... Dizionario esplicativo di Ozhegov

I. VISIONE i; cfr. 1. La capacità o capacità di vedere. V. a distanza. Dispositivi per la visione notturna. 2. cosa. Prenotare. La capacità di percepire e valutare l'ambiente. strada. Bambino dentro. artistico c. Il poeta ha il suo la pace. II. VISIONE… … dizionario enciclopedico

CREATIVITÀ ARTISTICA- Creazione di nuovi valori estetici. In senso lato, T. x., inteso come T. "secondo le leggi della bellezza", è inerente in un modo o nell'altro in tutti i tipi di attività umana produttiva. Nella sua qualità concentrata, trova espressione in ... Estetica: Dizionario

Teologia letteraria e artistica- Non è raro dire che non sembra importare in chi e in cosa credeva questo o quel grande artista, poeta, scrittore, drammaturgo, a quale religione o denominazione appartenesse. A volte questi giudizi sono causati dalla mancanza di dati biografici affidabili ... Estetica. dizionario enciclopedico

conoscenza artistica- caratteristica dell'arte; differisce dalla conoscenza scientifica in quanto la scienza, di regola, tende alla conoscenza più impersonale (anche se in psicologia non è sempre così), mentre l'arte è incentrata sulla personalità unica del creatore, sulla sua ... ... Grande Enciclopedia Psicologica

Libri

• Oleg Vukolov, . La visione artistica di Oleg Vukolov si colloca nella zona di confine tra la vita e la propria arte, attraversando con calma questi due stati irriducibili in entrambe le direzioni. Plastica…

La visione dell'artista

Buona giornata, caro amico!

Ho sentito spesso la domanda: gli artisti nascono o si fanno? Certo, diventano artisti, ma il talento di un artista vive in ognuno di noi, esviluppare capacità di disegno e visione artistica non solo è possibile, ma semplicemente necessario!!!

Ricorda il detto di FM Dostoevskij: "La bellezza salverà il mondo!" Aggiungo qui: a patto che il mondo possa vedere questa bellezza. D'accordo, vedere e guardare sono due cose diverse!

Una persona che ha la Visione di un Artista percepisce il Mondo molto più sottile, più ricco. Molti credono che gli artisti abbelliscano la vita. Disegnano una persona meglio di quanto non sia in realtà. Forse è una questione di visione?

Chi è in grado di vedere meglio la persona ritratta: un artista che studia attentamente la natura o un osservatore esterno che ha lanciato brevemente il suo sguardo? Chi può vedere la bellezza interiore di una persona?

Un artista non è un giudice severo che cerca di emettere la sua sentenza, l'artista cerca tutto il meglio che c'è in una persona, come la tornasole lo rivela e dà vita a una nuova immagine.

maestro Visione artistica significa padroneggiare l'arteVedere il bello, vedere in profondità e in pienezza!!! Ciò significa riempire la tua vita di impressioni vivide, rendendola più ricca, più ricca, più interessante. Significa espandere le tue possibilità creative!!!

Hai, caro amico, osservato il lavoro di un artista? Vedi un paesaggio ordinario e sulla tela dell'artista c'è qualcosa di insolito, bello, che tocca l'anima. E anche tu vuoi provare a fare qualcosa di simile, ma la consapevolezza che non puoi disegnare raffredda il tuo ardore.

Ma durante l'infanzia hai disegnato, ma per un motivo o per l'altro non hai sviluppato ulteriormente questa capacità. È un peccato! E questo rimpianto rimane dentro di te.

Sulle pagine del blog “Draw Together”, le lezioni di disegno diventeranno strumenti per Mastering Artistic Vision

Ritratto;

Paesaggio;

imbiancatura

Perché ho scelto questi temi per lo sviluppo di Artistic Vision?

· L'uomo e la natura sono i temi principaliLa mia creatività .

· Per me esso una fonte inesauribile di ispirazione!

· « Dal momento che la ritrattistica richiede una percezione molto sottile per creare una somiglianza , disegno del viso per principianti nell'arte - un modo molto efficaceimpara a vedere e disegnare» Betty Edwards ("Scopri l'artista che è in te").

Allora caro amico, Impariamo a disegnare in modo da:

Goditi la vita in modo più completo, impara a vedere, capire e trasmettere il bello;

Padroneggia le abilità di disegno di un ritratto (dal vero e da una foto), paesaggio, pittura murale;

Scopri nuovi talenti in te stesso (psicologo, life designer, ecc.);

Impara a vedere il Grande nel piccolo;

Sviluppa le abilità che già possiedi;

Sviluppa il pensiero astratto;

Riempi la vita con impressioni vivide;

Realizza te stesso;

Guarda la bellezza dentro e intorno a te

Creare con le tue maniritratti, paesaggi, murale , Otterrai molti effetti:

Concentrarsi sul tuo oggetto di disegno, completamente staccare dai problemi della vita quotidiana;

Comprendi la natura umanadiventando uno psicologo sottile;

Raffigurante la natura, piena della sua energia, delizia;

Tutta l'energia che hai investito durante il lavoro tornerà a te e ai tuoi cari cento volte quando la appendi al muro di casa;

Regala la tua arte ai tuoi cari, amici!!!

Crei con le tue mani Il tuo spazio d'amore

Scopri la tua ricchezza!!!

Hai talento per il disegno!

Sulle pagine del blog, passo dopo passo, imparerai l'arte di disegnare un ritratto, sia da una fotografia che dalla natura. Nei video puoi vedere come viene creato un ritratto mentre disegni il tuo.

Sarò felice dei tuoi commenti!

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