Il concetto di "cultura" si è sviluppato storicamente (dalla parola latina cultura - coltivazione della terra, coltivazione, sviluppo, venerazione). Già negli scritti del personaggio pubblico romano, l'oratore Cicerone (106 - 43 aC), c'è un'interpretazione di questo concetto come "elaborazione, miglioramento dell'anima". Nel tempo, il termine inizia ad essere utilizzato nei significati di "educazione", "educazione", "auto-miglioramento".

Ad oggi esistono più di 500 definizioni di cultura. Gli scienziati li hanno divisi in diversi gruppi. La prima includeva definizioni descrittive. In secondo luogo, ci sono definizioni che collegano la cultura con le tradizioni o il patrimonio sociale di una società. Nel terzo gruppo sono stati sottolineati l'importanza e il ruolo dell'uomo per la cultura e le regole della cultura che organizzano il comportamento umano.

Nella vita di tutti i giorni, il concetto di "cultura" è usato anche in diversi significati.

La cultura è un insieme di forme di vita create dall'uomo nel corso della sua attività e specifiche a lui, nonché il processo stesso della loro creazione e riproduzione.

Il concetto di cultura caratterizza il mondo umano. La cultura non esiste al di fuori di una persona, è inizialmente associata a lui. L'uomo è soggetto di cultura: crea, conserva e distribuisce i valori culturali da lui creati.

La cultura si divide in materiale e spirituale.

I fenomeni associati alla coscienza, all'attività intellettuale, emotiva e psicologica di una persona, come la lingua, i costumi e i costumi, le credenze, la conoscenza, l'arte, ecc., agiscono come cultura spirituale.

cultura materialeè l'incarnazione dei bisogni umani e sociali materializzati. La cultura materiale include tutti gli oggetti materiali e le tecnologie create dalle comunità umane, la totalità ricchezza creato dalle persone.

La cultura svolge funzioni importanti nella vita della società. Si tratta di funzioni umanistiche, cognitive, regolatorie, semiotiche, di valore, nonché di trasmissione dell'esperienza sociale.

La cultura "assorbe" informazioni, oggetti, costumi, costumi di tutti i tempi e di tutti i popoli, quindi permette di rimanere un legame continuo tra generazioni. Grazie a libri, dipinti, opere musicali, conosciamo la vita dei nostri antenati, possiamo - sulla base delle informazioni disponibili - ricostruire altre epoche, anche quelle che furono centinaia di migliaia di anni prima della nostra comparsa! La cultura è anche conoscenza umana. Attraverso la cultura, impariamo a conoscere il mondo: impariamo a riconoscere fenomeni ed eventi, a identificarne le caratteristiche, ad esplorare somiglianze e differenze. La cultura ci aiuta a diventare una persona colta, intellettuale, che non interrompe il suo auto-miglioramento.

La funzione regolatrice della scienza è una funzione dello sviluppo e del radicamento della moralità e del diritto nella società. Morale e diritto sono i concetti più importanti della vita umana civile. La morale e il diritto rendono stabile la vita nella società umana, non consentono ai conflitti minori di "crescere" in guerre e regolano i rapporti tra le persone. La moralità è le leggi morali, il sostegno spirituale di ogni persona. La moralità non consente di uccidere le persone, offenderle, opprimerle, commettere atti disumani, ecc. La legge è il consolidamento giuridico della moralità: le persone sono punite per i reati, a seconda della gravità del reato su di loro. La legge non è solo proibizione, ma allo stesso tempo anche libertà: la legge non solo proibisce, ma protegge. La morale e il diritto sono strettamente legati alla cultura, poiché hanno attraversato una lunga fase di sviluppo prima di acquisire la loro forma moderna.

La funzione semiotica (segno) della cultura si manifesta nella creazione di un sistema specializzato di segni che consente a una persona di apprendere il mondo della musica, della pittura, del teatro. Per capire l'arte non è sufficiente vedere un'immagine o la trama di un'opera: è necessario conoscere il simbolismo del testo o della tela, essere in grado di leggere tra le righe, "vedere" attraverso i colori. Dopotutto, l'arte pensa per immagini! Devono essere in grado di "leggere".

La funzione di valore della cultura è che la cultura rifletta lo stato qualitativo della società, il suo contenuto morale e intellettuale e funge da criterio di valutazione morale.

Cultura dell'arteè la totalità di tutti i tipi di attività artistica, compreso il prodotto e il processo di questa attività. Grazie alla cultura artistica, una persona è in grado di riflettere e modellare figurativamente il mondo.

Il concetto di "cultura artistica" ha una portata più ampia del concetto di "arte".

L'arte è una sfera di attività spirituale e pratica delle persone, finalizzata alla comprensione artistica e sviluppo del mondo; questo è uno dei modi di esplorazione estetica del mondo.

La creatività artistica in generale - letteratura, architettura, scultura, pittura, grafica - si suddivide in tipi di arte. Ci sono più di 400 tipi di arte. La classificazione tradizionale dell'arte distingue 3 grandi gruppi:

*** le arti spaziali (plastiche) sono tali tipi creatività artistica in cui non c'è movimento (architettura, scultura, pittura, grafica);

*** temporaneo (letteratura, musica);

*** sintetico.

L'arte copre tutte le sfere della creatività artistica.

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Lezione 1. Cultura artistica e arte. Funzioni dell'art

1. Le specificità della cultura artistica, le sue caratteristiche. L'arte come fenomeno culturale.

2. Natura ed essenza dell'art.

3.Funzioni dell'art. Il ruolo dell'arte nella vita umana, lo sviluppo società umana e trasformazione della realtà circostante.

Letteratura:

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La cultura artistica occupa un posto speciale sia nel sistema culturale nel suo insieme che nella cultura spirituale. Secondo il livello del suo sviluppo, secondo la natura delle opere create, si giudica l'epoca. L'antichità, il Medioevo, il Rinascimento e altri periodi storici sono riconosciuti principalmente dalla cultura artistica creata in quel momento. Spesso i nomi dei creatori designano il tempo in cui vissero: "l'era di Shakespeare", "l'era di Pushkin", sebbene ognuno di loro abbia vissuto un periodo storicamente breve: una vita umana.

Ciò accade perché le caratteristiche più essenziali della vita spirituale della società si manifestano nella cultura artistica, perché essa influenza attivamente tutte le altre forme di vita sociale e spirituale - moralità, religione, scienza, politica, ecc., sperimentandone a sua volta l'influenza interagendo con loro. In varie epoche storiche, la guida, che definisce il volto dell'epoca, si è rivelata l'una o l'altra forma di coscienza sociale. Sì, dominante. cultura medievale L'Europa era il cristianesimo, che determinò in gran parte l'originalità dell'arte di questo tempo. Le caratteristiche della cultura del XX secolo si sono formate sotto l'influenza di una nuova visione del mondo, scoperta dalla scienza. La filosofia si è rivelata molto importante per lo sviluppo di tutta la cultura, compresa l'arte.

Nel modo più vicino, la cultura artistica è connessa con la morale, assorbendone alcuni valori morali e affermandoli solo con la sua attività inerente. La cultura artistica colpisce direttamente una persona, è costantemente in contatto con essa, indipendentemente dal fatto che se ne renda conto o meno, vi si unisca consapevolmente o, come gli sembra, le sia indifferente.

La cultura artistica è attivamente coinvolta nella formazione del mondo spirituale dell'individuo. Ecco perché è così importante comprendere l'originalità della cultura artistica, le caratteristiche della sua manifestazione, il suo ruolo nello sviluppo della società e il suo posto nella vita moderna.

Caratteristiche della cultura artistica

Solitamente il concetto di "cultura artistica" viene identificato con l'art. E questo non è casuale: l'arte è l'elemento centrale e portante della cultura artistica. Ha una grande capacità culturale, creando una serie di forme di attività ad essa associate - creatività artistica, percezione artistica, critica artistica, ecc., formando un "campo culturale" attorno a sé.

Non nella letteratura scientifica consenso nel determinare gli elementi che compongono la cultura artistica. Ma nonostante tutte le divergenze di opinione, tutti gli autori comprendono tre elementi principali nella cultura artistica che ne assicurano il funzionamento: produzione, distribuzione e consumo (percezione, sviluppo) di valori artistici - opere d'arte.

Da rapporto e interazione elementi costitutivi la cultura artistica dipende dalla possibilità di formare una personalità creativa, dalla domanda (o mancanza di domanda) per un'opera creata dal creatore, dalla corrispondenza del sistema di produzione artistica, distribuzione, consumo di valori artistici ai fini dell'arte .

La cultura artistica prende forma storicamente con lo sviluppo della società e l'ampliamento dell'ambito dell'attività artistica e, rimanendo un sistema aperto, assorbe nuove forme e tipi di creatività.

L'attività artistica e creativa, a seguito della quale vengono create opere d'arte, è apparsa nei tempi antichi. Tutti gli altri elementi della cultura artistica sorsero gradualmente, in diversi stadi dello sviluppo umano. Il loro aspetto era dovuto a molte ragioni: lo sviluppo della società e dei suoi bisogni, lo sviluppo dell'arte stessa, l'emergere di nuovi tipi e forme in essa, la necessità di creare condizioni per attività creativa, la raccolta e la conservazione di opere d'arte, l'ampliamento delle opportunità di consumo dei valori artistici, la necessità di comprendere e studiare l'arte, ecc.

In questo modo, la cultura artistica iniziò a rappresentare un insieme di processi e fenomeni di attività spirituali e pratiche per la creazione, distribuzione, sviluppo di opere d'arte o oggetti materiali che hanno valore estetico.

Ciascuno dei suoi elementi costitutivi è legato all'art.

Quindi, per creare opere d'arte - valori artistici, non basta solo il talento dell'artista, servono anche le condizioni per realizzare il suo talento e il suo bisogno di creatività. Questa è la formazione professionale del maestro, che implica una certa organizzazione di educazione artistica speciale; creazione di condizioni in cui una persona con capacità di creatività artistica possa garantire la sua esistenza con la sua creatività, cioè un sistema di acquisizione opere d'arte, compenso dell'artista, ecc.

L'arte è creata per le persone lettori, ascoltatori, spettatori.

Ciò significa che è necessario pubblicare, riprodurre, eseguire, esporre opere d'arte. E questo, a sua volta, porta allo sviluppo di varie forme di attività culturale: stampa, editoria, organizzazione di mostre e saloni, messa in scena di spettacoli e concerti, ecc. All'inizio questa attività era piuttosto caotica, ma nel tempo ha assunto determinate forme . Appaiono speciali spazi espositivi e musei, sale per concerti e teatri, biblioteche e altre istituzioni culturali ed educative. La totalità di tali istituzioni costituisce il fondamento della cultura artistica.

musei d'arte- si tratta di istituzioni educative e di ricerca in cui le opere d'arte vengono conservate, studiate, esposte e promosse. Biblioteche: raccogli, conserva, studia, distribuisci, promuovi libri. cultura scritta Dall'avvento della stampa, è diventata il fulcro delle informazioni accumulate dall'umanità.

La cultura artistica è in gran parte determinata dalla politica culturale dello stato.

Un elemento importante della cultura artistica è consumo, percezione dei valori artistici. Questo tipo speciale attività creativa, consistente nella percezione di un'opera d'arte come valore artistico, accompagnata da un'esperienza estetica. L'atteggiamento verso l'arte non nasce spontaneamente. Si sviluppa a seconda dell'ambiente in cui una persona è formata, dell'educazione, del gusto estetico, esperienza di vita, orientamenti di valore. Le prime informazioni che una persona riceve sull'arte sono particolarmente importanti. A seconda dell'atteggiamento nei confronti dell'arte che incontra all'inizio del suo percorso di vita - rispetto e amore o abbandono, come qualcosa di insignificante e facoltativo per la vita - l'atteggiamento futuro nei confronti dell'arte dipende in gran parte: ce ne sarà un bisogno costante o ci sarà un interesse solo per la sua funzione di intrattenimento. La prima informazione crea sempre un determinato ambiente, sul quale, come sfondo, vengono sovrapposte tutte le rappresentazioni successive. Questa circostanza determina la grande importanza dell'organizzazione del sistema artistico e artistico educazione estetica che dovrebbe diventare una delle direzioni della politica culturale dello Stato.

L'iniziazione all'arte forma un atteggiamento rispettoso nei suoi confronti, la comprensione del suo valore duraturo, la consapevolezza delle sue caratteristiche, l'unicità di ciascuno dei suoi tipi.

Nel processo di sviluppo dell'arte, è necessaria una profonda comprensione di questo fenomeno unico, che porta all'emergere di una scienza dell'arte: la storia dell'arte.

storia dell'arte - un insieme di scienze che studiano l'arte. Studia l'origine dell'arte, la sua essenza sociale ed estetica, le leggi del suo sviluppo, la natura della creatività artistica, le funzioni dell'arte, il suo posto e il suo ruolo nella vita spirituale e sociale.

La storia dell'arte è una teoria generale dell'arte come forma speciale di attività artistica e creativa. Ma insieme ad essa ci sono teorie che studiano tipi specifici di arte: critica letteraria, critica d'arte, musicologia, studi teatrali, studi cinematografici, ecc. Ognuna di queste scienze particolari ha un proprio oggetto di studio, è indipendente, ma è inclusa in il sistema generale delle scienze dell'arte.

Ovviamente, con tutte le differenze nei tipi specifici di arte, hanno natura comune e ogni arte specifica può rappresentare l'intera sfera della creatività artistica, poiché ogni tipo di arte non è solo specifica, ma porta anche le caratteristiche universali di tutta l'arte nel suo insieme.

L'attività artistica e creativa si svolge nella società. Il processo creativo si realizza in due forme: individuale e collettiva. Il processo creativo è influenzato e largamente determinato dai punti di vista, i punti di vista e le idee che si sono sviluppati nella società. È impossibile vivere in società ed essere liberi dalla società. Ma la società, e ancor di più lo stato, sta cercando di dirigere la creatività, di influenzare il processo creativo. In molti stati, questo compito è svolto dai ministeri o dai comitati della cultura che esistono sotto il governo. Determinano la politica culturale, impartiscono ordini governativi e quindi indirizzano il lavoro degli artisti nella giusta direzione per questo stato. Organizzano anche sistemi di istituzioni educative speciali che formano artisti, musicisti, artisti.

Spesso, gli artisti stessi formano associazioni con lo scopo di comunicazione creativa e risolvendo alcuni compiti importanti per quest'arte: divulgare la creatività, organizzare mostre, commissioni, pubblicare opere, ecc. Di norma, l'associazione avviene sulla base di principi creativi comuni.

Quindi, nel XIX secolo. in Russia, i compositori facevano parte della comunità creativa "Mighty Handful", gli artisti formarono la "Associazione delle mostre itineranti", che continuò le sue attività nel 20° secolo. Gli artisti hanno creato la "Russian Theatre Society" per promuovere lo sviluppo del business teatrale.

Dopo la rivoluzione del 1917, c'erano molte diverse associazioni creative di scrittori, artisti e altri nel nostro paese.

Negli anni '30 furono tutti liquidati e furono creati unioni creative che univano gli artisti per tipo di arte: unioni di scrittori, compositori, artisti, ecc. Il loro obiettivo era la leadership organizzativa e ideologica della cultura.

Con il crollo dell'URSS, i sindacati creativi non solo hanno perso il loro contenuto ideologico, ma hanno anche perso il sostegno statale. Ora stanno svolgendo il compito di unità organizzativa e creativa degli artisti, che è particolarmente importante per artisti, scrittori, compositori, ecc., il cui lavoro è di natura individuale.

Come si vede, la struttura della cultura artistica è complessa e comprende molti elementi eterogenei. Ma esistono tutti in stretta relazione tra loro e insieme formano una certa integrità.

Quindi, la cultura artistica include la produzione di valori artistici, i valori artistici stessi - opere d'arte, la loro distribuzione, riproduzione, riproduzione, consumo, storia dell'arte e scienze di specifici tipi di arte, critica d'arte, educazione artistica, istituzioni e organizzazioni che garantiscono l'esistenza e la conservazione dei valori artistici - musei, sale espositive, gallerie d'arte, teatri, cinema, biblioteche, ecc., associazioni creative e organizzazioni.

La natura e l'essenza dell'art

L'arte è una delle creazioni più sorprendenti dell'umanità. Raffigurare una persona sulla tela, creare un paesaggio, una natura morta, descrivere in un romanzo un certo periodo della vita, il destino delle persone e in una storia - solo un caso o un episodio, comporre un brano musicale, erigere un edificio, il creatore parla del suo tempo, dell'epoca e di se stesso, l'artista che ha creato tutto.

Solo la filosofia possiede una tale capacità di generalizzare. Ma se la filosofia esprime l'essenza dei fenomeni ad essa rivelati in una forma astratta generalizzata, priva di colori vitali, allora l'arte, dando un riflesso generalizzato della realtà, conserva il senso della pienezza della vita. L'arte riflette la realtà come una sorta di integrità vitale. Ha anche un effetto olistico su una persona, catturando sia la sua mente che il suo cuore allo stesso tempo. Nessun'altra creazione possiede tale capacità di riflessione integrale del mondo e di influenza integrale su una persona.

La profondità di comprensione della realtà in un'opera d'arte dipende dall'artista: il suo talento, la sua abilità professionale, le sue opinioni, in una parola, dall'originalità della personalità del creatore.

L'arte riflette la realtà. E poiché la realtà è complessa e in continua evoluzione, anche l'arte che la riflette è complessa. La complessità dell'oggetto di riflessione determina la complessità dell'art. Si manifesta nel fatto che l'arte esiste in molte forme: finzione, architettura, musica, belle arti e sintetica: teatro, cinema. Ogni tipo di arte comprende diversi generi. Pur rimanendo lo stesso, cambia nel tempo.

Per esempio, teatro greco antico somigliava piuttosto allo stadio attuale, dove si radunavano centinaia di spettatori. Lo spettacolo è iniziato all'alba ed è continuato fino a tarda sera. Il suono della tromba annunciava l'inizio di ciascuno nuovo gioco. Se non le piaceva, la reazione violenta del pubblico poteva interrompere la sua azione e costringere gli attori a passare a un'altra. Gli attori recitavano in maschere, senza le quali sarebbe difficile vederli da lontano. Le maschere coprivano non solo il viso, ma anche la testa. Le grandi dimensioni (più grandi della testa) della maschera hanno permesso di creare immagini ingrandite e generalizzate: tragiche, che esprimono sofferenza o comiche, caricature. L'attore non aveva bisogno di espressioni facciali. Ma c'erano requisiti speciali per voce e dizione. Dopotutto, gli stessi attori hanno interpretato dalla mattina alla sera molti ruoli molto diversi, compresi gli attori maschi che hanno interpretato ruoli femminili. Gli attori dovevano non solo pronunciare il testo, ma anche cantare e ballare, e hanno raggiunto una grande perfezione in tutti questi tipi di arte teatrale. Questo era il teatro antico.

Il teatro dell'era classica è completamente diverso. Il rifiuto di riprodurre la vita reale, il desiderio di idealizzare la realtà e nobilitarla ha dato origine all'originalità della forma. Gli eroi di Corneille e Racine - i più grandi drammaturghi di questo periodo - provarono sentimenti nobili speciali, compirono azioni significative, parlarono con eleganza e solennità. E anche questo è teatro. E allo stesso tempo in Francia c'è un altro teatro molto speciale. Questo Teatro alta commedia , teatro Molière. Qui la vita si mostra nel suo corso naturale, la drammaturgia non si discosta di un centimetro dalla realtà. Sul palcoscenico del teatro di Molière passeranno in fila persone che si trovano in una varietà di situazioni di vita riconoscibili. Ci saranno mariti ingannati e mogli fedeli, vera nobiltà ed egoismo; ci sarà una maliziosa presa in giro del dispotismo e dell'ipocrisia familiare, del vuoto degli aristocratici e della loro ostentata nobiltà, del linguaggio artificiale e dei modi pretenziosi.

Il discorso degli eroi di Moliere sarà naturale, i loro personaggi saranno vitali e le situazioni in cui si troveranno saranno autentiche. E anche questo è teatro.

In ogni paese arte teatrale ha alcune sue caratteristiche. E allo stesso tempo, il teatro francese, inglese, russo, ecc. avrà tutti i segni di questo tipo di arte, saranno originali, diversi l'uno dall'altro.

Immagina un tradizionale teatro giapponese Teatro Kabuki o Noh (teatro cinese). Sono così diversi dalle forme teatrali familiari agli europei che senza una certa preparazione è semplicemente incomprensibile ciò che sta accadendo sul palco, anche se sai di cosa tratta lo spettacolo.

Il teatro Kabuki ha una complessa drammaturgia originale. Lo spettacolo comprende una base drammatica, musica, danze, pantomima (gioco senza parole), balletto. In ogni opera ci sono necessariamente due tipi di personaggi: uno rappresenta il potere, la forza, la grandezza, indipendentemente dal fatto che si manifesti nel bene o nel male. Tale personaggio è chiamato "aragoto". Un altro tipo - "vagoto" - morbidezza, compiacimento. L'azione si svolge su tre fasi: palcoscenico, boccascena e sentiero dei fiori: una piattaforma bassa che attraversa l'auditorium (hanamichi).

Anche il gioco degli attori ha le sue caratteristiche. Il discorso, l'azione, il movimento sul palco sono diversi che nella vita. La cosa principale nel gioco dell'attore è la massima espressività. Per fare ciò, più attori possono dire la stessa battuta, può essere divisa in parti componenti e ogni parte è detta da interpreti diversi e finiscono tutti insieme, ecc. Il gioco dell'attore è sull'orlo del "proprio come nella vita" e del "non succede nella vita".

Ma nello stesso paese, allo stesso tempo, ce ne sono molti diversi teatri. Ognuno di loro ha le sue caratteristiche, il suo stile, il suo modo di esibirsi e, sebbene a volte mettano in scena gli stessi spettacoli, creano spettacoli completamente diversi.

Lo stesso può essere visto in ogni forma d'arte. La pittura è sia pitture rupestri di 20-25 secoli fa, sia pittura di icone. pittura rinascimentale, pittura olandese Il XVII secolo, la pittura dei Vagabondi e degli artisti d'avanguardia: tutto questo è pittura, uno dei tipi di belle arti, ma come differiscono le opere pittoriche di epoche diverse!

E ai nostri tempi ci sono molti pittori diversi, e ognuno di loro è interessante a modo suo.

"Ognuno di loro è un mondo integrale, una percezione integrale del mondo", M.S. Saryan è colore, luce, ombra, prospettiva, musica attraverso la quale l'artista vede il mondo. Ma come sarebbe il mondo se il globo c'era un solo tipo di civiltà e un solo tipo di pittura. L'arte ama la diversità, sia storicamente che a livello nazionale".

L'arte è molto difficile. È complesso nella sua struttura, nella sua diversità, cambia di specie in specie, di genere in genere, da un artista all'altro. E sebbene le persone che creano opere d'arte facciano di tutto affinché la loro idea raggiunga il pubblico, i lettori, gli ascoltatori, è estremamente difficile capirla, rivelarla a se stessi. Questo deve essere appreso. E questo lo si può apprendere solo rivolgendosi all'art.

Quando si parla della complessità dell'arte, è importante tenere conto di un'altra caratteristica: la percezione di un'opera d'arte dipende non solo da lui, ma anche da noi. Molto dipende dal fatto che abbiamo imparato a percepire l'arte, a comprenderne il linguaggio, la particolarità, la natura, la convenzionalità intrinseca: se capiremo, se scopriremo da soli il suo contenuto, se riceveremo tutta la ricchezza unica che è contenuta dentro o no... Il rifiuto di un'opera d'arte è dovuto a molte ragioni: impreparazione all'incontro con l'arte, desiderio di vedere qualcosa di specifico che non coincide con quanto presentato nell'opera, abitudine di percepire qualcosa di nuovo, per analogia con ciò che era visto e sentito prima, ecc. d.

Dipinti del grande pittore olandese del XIX secolo. Vincent van Gogh è spesso perplesso. Il paesaggio e le persone sulle sue tele sono raffigurati in modo insolito. Il colore non corrisponde al colore dell'oggetto raffigurato, il motivo è peculiare. Tutto ciò che viene mostrato appare più luminoso. Ecco come l'artista spiega i cambiamenti che apporta ai suoi dipinti:

“Diciamo che voglio dipingere un ritratto del mio amico, un artista che ha grandi idee e che lavora in modo naturale come canta un usignolo, questa è la sua natura. Quest'uomo è biondo. E vorrei mettere in scena tutta la mia ammirazione, tutto il mio amore per lui. Pertanto, all'inizio lo scrivo nel modo più accurato possibile. Ma la tela dopo non è ancora finita. Per completarlo, divento un colorista sfrenato. Esagero i toni chiari dei suoi capelli biondi all'arancione, al cromo, al limone pallido. Dietro la sua testa, dipingo non il banale muro di una squallida stanzetta, ma l'infinito: creo uno sfondo blu semplice, ma il più intenso e ricco possibile, e questa semplice combinazione di capelli biondi luminosi e un ricco sfondo blu dà il stesso effetto di mistero che la stella sul cielo azzurro scuro. Esattamente come sono andato nel ritratto di un contadino"

Funzioni dell'art

L'arte svolge molte funzioni, il suo ruolo e il suo significato nella vita umana e nella società non si limitano ai compiti utilitaristici. È prezioso di per sé.

Nella letteratura scientifica non c'è consenso nel determinare il numero delle funzioni dell'arte e la loro gerarchia.

Diamo il nome ai più significativi:

1. cognitivo,

2. orientato al valore (assiologico),

3. comunicativo,

4. educativo,

5. segno (semiotico),

6. creativo (euristico),

7. estetico,

8. ideologico.

L'arte ha anche la capacità di prevedere ( funzione predittiva o futuristica), la sua percezione dà alle persone gioia, piacere ( funzione edonica). Ce ne sono altri, fino allo psicoterapeutico.

È difficile individuare la funzione che si può definire la più significativa. Di norma, quasi tutto è presente in un'opera d'arte. Il prevalere di qualcuno a scapito degli altri incide sulla qualità del lavoro, rendendolo o didatticamente istruttivo o superficialmente divertente, e non di più.

Molto importante funzione cognitiva arte. Gli eventi storici vengono cancellati nella memoria delle persone. Sono ricordati quando si studia la storia o quando la modernità li ricorda.

La storia conosce molte battaglie non solo a terra, ma anche in mare. Molti di loro hanno perso navi, persone sono morte. A volte i marinai che persero la battaglia si offrivano di arrendersi, garantendo la vita in queste condizioni. E spesso l'equipaggio della nave rifiutava questo favore, preferendo la morte alla prigionia. Solo gli storici militari ricordano i nomi delle navi perdute. Ma l'intera Russia sa della morte dell'incrociatore "Varyag" grazie alla canzone. Il nome dell'autore è dimenticato, ma la canzone sopravvive, resuscitando nella memoria delle persone il tragico e fatto meraviglioso storia della flotta russa.

Spesso, soprattutto a livello di coscienza ordinaria, vengono negate le possibilità cognitive dell'arte, poiché si ritiene che questa funzione sia completamente svolta dalla scienza.

La scienza e l'arte sono diverse sfaccettature della creatività attività umana, riflettono la realtà in modi diversi e ne forniscono conoscenza. La scienza fornisce la conoscenza di determinati aspetti e proprietà della realtà. L'arte è conoscenza della vita. La scienza scopre nuovi fatti e leggi. L'arte riflette i fenomeni naturali. Nel familiare e nel conosciuto, rivela l'ignoto e l'ignoto: la bellezza della natura, non rivelata dalla scienza e dalla conoscenza empirica, il mondo interiore dell'uomo, la complessità unica delle relazioni umane. L'arte ha la capacità di scoprire la bellezza nel più ordinario. Volti umani apparentemente poco attraenti, paesaggi grigi, visti attraverso gli occhi di poeti e artisti, si sono rivelati belli e, grazie alla loro creatività, le nostre idee sulla bellezza sono cambiate e ampliate. Ricorda le poesie di N. Zabolotsky "Brutta ragazza", "Bellezza volti umani”, paesaggi della Russia centrale, scritti da I. Levitan e I. Shishkin, “The Rooks Have Arrived” di A. Savrasov e altri.

"Un'opera d'arte ... può essere riconosciuta solo come quella che rivela qualcosa di nuovo, fino ad allora sconosciuto alle persone", L.N. Tolstoj. Nelle sue opere parla anche della capacità dell'arte di rivelare alle persone ciò che prima non avevano notato, ma molto importante, costituendo l'essenza dell'uomo.

Tutto nell'arte è personale. La personalità dell'artista si manifesta nel processo di creazione artistica e nel suo risultato. Gli stessi fenomeni della realtà vari artisti vedere, percepire e riprodurre in modo diverso. Così come lettori, spettatori, ascoltatori che vedono il proprio in un'opera d'arte.

Inoltre, la percezione di un'opera d'arte e la sua valutazione nella stessa persona può cambiare. Una vera opera d'arte è così sfaccettata che ciò che non è stato visto prima può essere rivelato in seguito.

«Rileggi il Faust di Goethe ogni cinque anni. Se ogni volta che non ti stupisci di quante cose nuove ti vengono rivelate, non ti chiederai come non te ne sei accorto prima, ti sei fermato nel tuo sviluppo”, V.V. Veresaev. Lo stesso si può dire di Guerra e pace, I fratelli Karamazov e altre grandi opere.

Ma in questa capacità di scoprire già qualcosa di nuovo opera famosa si rivela non solo l'ambiguità della creazione artistica stessa, ma anche un'altra caratteristica dell'arte: la sua percezione è creativa. Percependo le opere, noi stessi diventiamo creatori. Ciò che l'artista ha creato per ogni persona è il modo in cui lo scopre da sé. Ciò che scopriamo nell'arte comincia a vivere nuova vita già nelle nostre menti, entrando nel nostro mondo spirituale. Ecco come si manifesta funzione creativa – euristica – dell'arte.

Il suo significato non è solo che la percezione dell'arte richiede la co-creazione, ma anche che la comunicazione costante con l'arte sviluppa questa capacità e la rende parte integrale qualsiasi attività. Riconosciuto e scoperto attraverso l'arte aiuta una persona a capire meglio se stessa, le altre persone e quindi aiuta a stabilire contatti tra le persone, facilita la comprensione reciproca e la comunicazione tra loro.

Funzione comunicativa l'arte si manifesta attraverso ciò che viene mostrato in un'opera d'arte, e dal modo in cui viene mostrato, le persone non solo imparano qualcosa di nuovo, ma acquisiscono una certa visione del mondo, quella che l'artista ha loro aperto. Riproducendo certi fenomeni della realtà, l'autore fornisce loro inevitabilmente una sorta di valutazione: afferma o smentisce, dice “sì” o “no” al dipinto o descritto. E tale è la potenza dell'influenza dell'arte che, seguendo l'autore, percepiamo anche questa valutazione.

Il vero potere dell'arte è tale che spesso è sotto l'influenza dell'arte che le persone iniziano a guardare la vita in modo diverso, a valutare ciò che sta accadendo in modo diverso e persino a cambiare le proprie convinzioni. Questo non è sempre un ripensamento per una visione del mondo migliore, più profonda e più sottile. Tutto dipende da che tipo di arte è. Ecco perché è così importante contenuto ideologico arte, affinché faccia ammirare ciò che ne è degno, e susciti ira e odio verso tutto ciò che è vile, vile, misantropico.

Il potere effettivo dell'arte è illimitato e deve servire a scopi umanistici.

L'arte ha la capacità non solo di dare alle persone la forza di vivere e sopravvivere, che di per sé ha un valore inestimabile. Può vedere nel futuro caratteristica futuristica): rivela ciò che gli altri non vedono.

Qualunque cosa dica un'opera d'arte, non importa a quale tipo o genere appartenga, ci dà sempre piacere, piacere. Leggere un libro, guardare una foto, un gioco o un film, ascoltare musica è sempre una gioia. E questo è un altro scopo dell'arte, il suo edonistico funzione. Ad esso è associata la capacità di cambiare, di essere distratto, di allontanarsi dagli affari e dalle preoccupazioni quotidiane, di godere della bellezza.

L'arte ha molte altre funzioni. Ma tutti i nomi e i non nominati sono raccolti in un unico insieme, accumulato dalla capacità dell'arte non solo di intrattenere, distrarre, per favore, ma anche di regalare un'esperienza speciale, di evocare un sentimento speciale - un'esperienza emotiva diretta, estetica, che nasce dal percezione dei fenomeni perfetti. Questa sensazione può essere evocata non solo da belle opere d'arte, ma anche dai fenomeni della realtà stessa: un atto nobile, l'altruismo, la bellezza della natura, una persona o il risultato del lavoro.

L'arte, per sua stessa natura, evoca un sentimento estetico: sorpresa e ammirazione per essa, l'arte, la capacità di comprendere profondamente la vita, che permette di comprendere e vedere l'ambiente in un modo nuovo, così come il modo in cui è fatto in un'opera d'arte, cioè la perfezione della forma artistica, la capacità di vivere e sperimentare ciò che viene mostrato, e quindi sperimentare la purificazione morale. L'arte offre l'opportunità di sperimentare una natura e una direzione diverse stati mentali. Il piacere estetico è un complesso processo spirituale che si manifesta in vari tipi di stati estetici: la gioia di comunicare con il bello, l'ammirazione per la perfezione di ciò che è stato creato dall'artista, lo shock del mondo precedentemente invisibile, ecc.

L'arte riflette sempre la realtà e l'atteggiamento dell'artista nei suoi confronti. . Ma con la capacità di dare una comprensione della realtà, di far vedere alle persone ciò che le persone passavano, di presentare una nuova visione del mondo, di scoprirne la bellezza, di sviluppare un senso estetico e formare un ideale estetico, l'arte forma anche una persona se stesso - il creatore e creatore di cultura. Pertanto, l'arte non solo riflette la realtà, ma la crea.

Funzione estetica dell'art molto importante. È lei che forma le opinioni estetiche di una persona, le sue idee sulla bellezza e la bellezza, sul brutto e sul brutto, ecc. Queste idee determinano non solo quali manifestazioni esterne di bellezza attraggono le persone, la loro selettività nei vestiti, negli articoli per la casa, ecc. E non anche solo quali sono le loro preferenze nell'arte, sebbene questa sia una delle manifestazioni del gusto artistico su cui si basa visioni estetiche. Ciò che una persona considera bello o brutto, bello o brutto, determina in larga misura le sue idee sulla bellezza della vita, il suo modo di vivere, il suo ideale estetico.

La comunicazione costante con l'arte sviluppa un principio estetico in una persona: una sensazione estetica, un gusto estetico, forma un ideale estetico. Ecco perché l'arte è il mezzo più importante educazione estetica- attività finalizzata a formare la capacità di una persona di percepire e apprezzare il bello nella vita e nell'arte, per vivere, creare e interagire con il mondo secondo le leggi della bellezza.

Piano.

Cultura artistica e arte.

Funzioni e tipologie dell'art.

Direzioni, tendenze e stili dell'arte.

Argomento 4.1. Cultura artistica e arte.

Cultura dell'arte- questi sono perfetti, corrispondenti agli standard accettati nella società, nelle classi d'arte e contribuiscono al suo funzionamento e sviluppo.

La cultura artistica è l'occupazione della società, del gruppo, dell'individuo arte, a riguardo e in relazione con lui. La prima attività è suddivisa nella creazione dell'arte, che, insieme a capacità di prestazione spesso chiamato creazione artistica, e il suo consumo. La seconda attività consiste nella creazione, conoscenza e diffusione di informazioni sull'art. Il terzo riguarda principalmente l'uso funzionale dell'arte, ad esempio, nella disposizione artistica della vita quotidiana e nel fornire un'influenza artistica su diversi settori della vita. Di conseguenza, la cultura artistica non si limita alla ricerca dell'arte, non si limita all'attività artistica. L'arte è solo il suo nucleo, la parte centrale. Un'attività importante è l'assimilazione di varie informazioni sull'arte, che illumina le persone al riguardo, le rende artisticamente colte, le aiuta seriamente nella percezione dell'arte.

Di solito le persone che conoscono solo l'arte non sono considerate artisticamente colte. Ma possono rifiutarlo? Inoltre, ce ne sono davvero alcuni. Penso di no. Ma per quanto riguarda la pienezza della loro cultura artistica, essa risulta certamente limitata. Ciò deriva dalla differenza tra fare arte, compreso il suo consumo, e attività sull'arte, che consiste nell'ottenere informazioni sull'arte e scambiarla con altre persone. Il primo viene svolto per vivere un'esperienza speciale - il piacere estetico, e il secondo - per ricostituire la conoscenza dell'arte e comprenderla meglio.

La particolarità della cultura artistica, la sua differenza rispetto alle altre culture, è determinata dalle specificità dell'arte. Quest'ultimo è un grande simulacro, un'imitazione della realtà. Tuttavia, a differenza di altri simulacri, l'arte non appare come un'imitazione di falsi modelli, surrogato, ma come il risultato di un tale sdoppiamento della realtà, che la comporta verità artistica. Pertanto, gli standard dell'attività artistica sono speciali, prescrivono alle persone di rimanere non in un mondo realmente esistente, ma in un mondo rappresentato artisticamente, in cui sono necessari il pensiero simulativo e le azioni appropriate.

La cultura artistica non è solo un'attività artistica professionale, ma anche amatoriale delle persone, a cui si dedicano nel tempo libero. Pertanto, i soggetti della cultura artistica non sono solo coloro che si dedicano professionalmente all'arte, ma anche tutte le persone che la producono e consumano dilettantemente.

La cultura artistica delle singole persone non è la loro propria, ma è il risultato della loro familiarità con alcune delle culture artistiche esistenti nella società. Ciò si esprime in presenza di visioni artistiche pubbliche e di gruppo in una persona. La scelta della cultura artistica di una persona è raramente associata alla sua appartenenza sociale, è determinata più dalle caratteristiche del suo gusto artistico. La sua accettazione della cultura artistica lascia spazio al suo sviluppo individuale. La visione individuale dell'arte, spesso con una pretesa alla propria cultura artistica, è di grande importanza per la creazione e l'esecuzione di opere d'arte. Ciò vale, in una certa misura, anche per tutti i consumi dell'art.

È importante sottolineare che in tutte le sue manifestazioni la cultura artistica appare come un'attività svolta secondo gli standard esistenti nella società e nei gruppi. Questo vale principalmente per la creatività artistica. Il criterio per il consumo culturale dell'arte è la comprensione della critica d'arte da parte delle persone, il grado di familiarità con essa.

Dal momento che la cultura artistica include v studi sull'arte e in connessione con essa, i suoi standard sono quelli che ne prescrivono l'attuazione esemplare.

L'arte è una delle aree culturali più importanti e, a differenza di altre aree di attività (occupazione, professione, posizione, ecc.), è universalmente significativa, senza di essa è impossibile immaginare la vita delle persone. Gli inizi dell'attività artistica si notano anche nella società primitiva molto prima dell'avvento della scienza e della filosofia. E, nonostante l'antichità dell'arte, il suo ruolo insostituibile nella vita umana, la lunga storia dell'estetica, il problema dell'essenza e della specificità dell'arte rimangono ancora in gran parte irrisolti. Qual è il segreto dell'arte e perché è difficile darne una definizione rigorosamente scientifica? Il fatto è, innanzitutto, che l'arte non è suscettibile di formalizzazione logica, i tentativi di svelarne l'essenza astratta sono sempre finiti o nell'approssimazione o nel fallimento.

Si possono distinguere tre diversi significati di questa parola, strettamente correlati tra loro, ma diversi per portata e contenuto. Nel senso più ampio, il concetto di “arte” (e questa, a quanto pare, è la sua più antica applicazione) indica qualsiasi attività tecnicamente eseguita con abilità, abilità, il cui risultato è artificiale rispetto al naturale, naturale. È questo significato che deriva dall'antica parola greca "techne" - arte, abilità.

Il secondo significato più ristretto della parola "arte" è la creatività secondo le leggi della bellezza. Questo tipo di creatività è un'ampia gamma attività: la creazione di cose utili, macchine, questo dovrebbe includere anche la progettazione e l'organizzazione della vita pubblica e personale, la cultura del comportamento quotidiano, la comunicazione tra le persone, ecc. Oggigiorno, la creatività funziona con successo secondo le leggi della bellezza in vari aree di progettazione. Un tipo speciale di attività sociale è in realtà la creatività artistica, i cui prodotti sono speciali valori estetici spirituali: questo è il terzo e più ristretto senso della parola "arte". Sarà oggetto di ulteriore considerazione.

Arte- una forma di cultura legata alla capacità del soggetto di esplorare il mondo esteticamente, pratico-spirituale; un lato speciale della coscienza sociale e dell'attività umana, che è un riflesso della realtà nelle immagini artistiche; uno dei modi più importanti di comprensione estetica della realtà oggettiva, la sua riproduzione in modo figurativo e simbolico, facendo affidamento sulle risorse dell'immaginazione creativa; un mezzo specifico di autoaffermazione olistica da parte di una persona della sua essenza, un modo per formare l'“umano” in una persona.

Segni caratteristici dell'arte:

funge da forte mezzo di comunicazione tra le persone;

associati a esperienze ed emozioni; presuppone una percezione prevalentemente sensoriale e certamente una percezione-visione soggettiva della realtà;

è fantasioso e creativo.

La scienza moderna ha stabilito che l'arte ha avuto origine nell'era del Paleolitico superiore, cioè circa 30-40 millennio a.C La polifonia dell'arte implica anche una varietà di punti di vista sulle ragioni della sua origine.

Teoria religiosa. In accordo con essa, la bellezza è uno dei nomi di Dio e l'arte è un'espressione concreta-sensuale. idea divina. L'origine dell'arte è associata alla manifestazione del principio divino.

Teoria dei giochi (G. Spencer, K. Bucher, W. Fritsche, F. Schiller). Sta nel fatto che l'arte è considerata un gioco a sé stante, privo di qualsiasi contenuto. A causa del fatto che il gioco è un fenomeno biologico inerente a tutti gli animali, l'arte è dichiarata uno dei fenomeni naturali. Poiché il gioco è più antico del lavoro, l'arte è più antica della produzione di oggetti utili. Il suo scopo principale è il piacere, il divertimento.

Erotico (N. Nardau, K. Lange, 3. Freud, ecc.). I sostenitori di questo punto di vista credevano che l'arte nascesse come mezzo per attirare individui dell'altro sesso da parte di rappresentanti di un sesso. Ad esempio, una delle forme d'arte più antiche - la decorazione - è stata creata per produrre la massima attrazione sessuale.

Teoria dell'imitazione (Democrito, Aristotele, ecc.). Qui si esprime il tentativo di collegare la causa dell'emergere dell'arte con lo scopo sociale dell'uomo. Aristotele vedeva nell'arte "l'imitazione" di madre natura e uno dei mezzi per "ripulire" i sentimenti di una persona, educandola bella, nobile, coraggiosa ("Poetica"). Considerava le naturali inclinazioni dell'uomo a imitare, imitare la natura come le ragioni della nascita dell'arte.

Funzioni e tipologie dell'art

Le funzioni sociali dell'art.

Funzione cognitiva (epistemologica). Riflettendo la realtà, l'arte è uno dei modi per comprendere il mondo spirituale delle persone, la psicologia delle classi, delle nazioni, degli individui e delle relazioni sociali. La specificità di questa funzione dell'arte risiede nel desiderio di penetrare nell'ambito della spiritualità più intima e delle motivazioni morali dell'individuo.

La funzione assiologica dell'arte è quella di valutare il suo impatto su una persona nel contesto della definizione di ideali (o della negazione di determinati paradigmi), ad es. idee generalizzate di perfezione sviluppo spirituale, su quel modello normativo, l'orientamento verso il quale e il desiderio per il quale si pone l'artista come rappresentante della società.

funzione comunicativa. Riassumendo e concentrando in sé le diverse esperienze di vita di persone di epoche, paesi e generazioni diverse, esprimendo i loro sentimenti, il gusto, l'ideale, le visioni del mondo, la loro visione del mondo e visione del mondo, l'arte è uno dei mezzi universali di comunicazione, comunicazione tra le persone, arricchendo il mondo spirituale di un individuo l'esperienza di tutta l'umanità. Le opere classiche uniscono culture ed epoche, spingendo gli orizzonti della visione del mondo umana. “Arte, tutta arte”, scrive L.N. Tolstoj, - di per sé ha la capacità di connettere le persone. Qualsiasi arte fa ciò che le persone che percepiscono il sentimento trasmesso dall'artista, si uniscono nell'anima, in primo luogo, con l'artista e, in secondo luogo, con tutte le persone che hanno ricevuto la stessa impressione.

La funzione edonica è quella arte genuina porta alle persone piacere (e rifiuto del male), le spiritualizza.

funzione estetica. Per sua stessa natura, l'arte è forma più alta esplorazione del mondo "secondo le leggi della bellezza". Essa, infatti, è nata come riflesso della realtà nella sua originalità estetica, esprimendo coscienza estetica e influenza sulle persone, formando una visione estetica del mondo, e attraverso di essa l'intero mondo spirituale dell'individuo.

funzione euristica. Creare un'opera d'arte è un'esperienza di creatività - concentrazione forze creative l'uomo, la sua fantasia e immaginazione, la cultura dei sentimenti e l'altezza degli ideali, la profondità del pensiero e dell'abilità. Lo sviluppo dei valori artistici è anche un'attività creativa. L'arte stessa porta una straordinaria capacità di risvegliare i pensieri e i sentimenti inerenti a un'opera d'arte e la stessa capacità di creare nella sua manifestazione universale. L'impatto dell'arte non scompare con la cessazione del contatto diretto con un'opera d'arte: l'energia produttiva emotiva e mentale è protetta, per così dire, "in riserva", entra in una base stabile della personalità.

funzione educativa. L'intero sistema delle relazioni umane con il mondo si esprime nell'arte: le norme e gli ideali di libertà, verità, bontà, giustizia e bellezza. Una percezione olistica e attiva di un'opera d'arte da parte dello spettatore è co-creazione, agisce come una via delle sfere intellettuali ed emotive della coscienza nella loro armoniosa interazione. Questo è lo scopo del ruolo educativo e prasseologico (attività) dell'art.

Modelli di funzionamento dell'arte:

lo sviluppo dell'arte non è di natura progressiva, procede, per così dire, a scossoni;

le opere d'arte esprimono sempre la visione soggettiva del mondo da parte dell'artista e hanno una valutazione soggettiva da parte del lettore, spettatore, ascoltatore;

i capolavori artistici sono senza tempo e relativamente indipendenti dal mutevole gruppo e dai gusti nazionali;

l'arte è democratica (colpisce le persone indipendentemente dalla loro educazione e intelletto, non riconosce barriere sociali);

l'arte genuina, di regola, è orientata umanisticamente; gioco di tradizione e innovazione.

Pertanto, l'arte è un tipo specifico di attività spirituale delle persone, caratterizzata da una percezione creativa e sensuale del mondo circostante in forme artistiche e figurative.

L'arte, in quanto parte più importante della cultura, trova la sua espressione in una varietà illimitata di specifici tipi di creatività artistica, il cui numero e complessità - dai disegni rupestri o dalla danza primitiva al grandioso "spettacolo" o serie di film del nostro tempo - è in costante aumento man mano che la coscienza estetica dell'umanità cresce.

Principi di classificazione delle forme d'arte.

Innanzitutto, tra i tipi di arte ci sono:

fine (pittura, grafica, scultura, fotografia d'arte) e

non visivi (musica, architettura, arti e mestieri, coreografia).

La differenza tra loro sta nel fatto che le belle arti riproducono la vita in una forma ad essa simile (la raffigurano), mentre quelle non pittoriche trasmettono direttamente lo stato interiore dello spirito delle persone, le loro esperienze, sentimenti, stati d'animo attraverso un forma che è "dissimile" direttamente dall'oggetto di visualizzazione.

Le belle arti si rivolgono alla realtà come fonte di formazione del mondo umano, non belle arti - ai risultati dell'impatto della realtà sul mondo spirituale dell'individuo (la visione del mondo delle persone, i loro sentimenti, esperienze, ecc. ).

La divisione delle arti in:

statico (spaziale) e

dinamico (temporaneo).

I primi comprendono pittura, grafica, scultura, architettura, arti e mestieri, fotografia artistica; al secondo - letteratura, musica, danza. Arti spaziali con forza enorme riprodurre la bellezza visibile della realtà, l'armonia dello spazio, sono in grado di attirare l'attenzione su alcuni aspetti del mondo riflesso, su ogni dettaglio dell'opera stessa, che li rende indispensabili nell'educazione estetica, nell'insegnamento della bellezza. Allo stesso tempo, sono impotenti a trasmettere direttamente i cambiamenti nella vita, il suo corso. Questo viene fatto con successo dalle arti temporanee che possono ricreare sia il corso degli eventi (letteratura) che lo sviluppo dei sentimenti umani (musica, coreografia).

Non tutti i tipi di arte possono essere "classificati" in uno o nell'altro tipo chiaramente delimitato. Sulla base della sintesi delle arti semplici sorgono le arti sintetiche. Questi includono teatro, cinema e televisione. Di norma, combinano le caratteristiche delle arti belle e non pittoriche, spaziali e temporali, tanto che a volte vengono persino indicate come un gruppo speciale di arti spazio-temporali.

Secondo il metodo di sviluppo artistico pratico del materiale, l'arte può essere suddivisa in tipi che utilizzano materiale naturale: marmo, granito, legno, metallo, vernice, ecc. (Architettura, pittura, grafica, scultura, arti e mestieri), suono (musica), la parola (principalmente finzione), nonché le arti in cui la persona stessa funge da “materiale” (teatro, cinema, televisione, palcoscenico, circo). Un posto speciale qui è occupato dalla parola, il cui uso è ampiamente utilizzato da vari tipi di arte.

Notiamo anche la divisione delle arti in utilitaristiche (applicate) e non utilitaristiche (elegante; a volte sono anche dette pure). Nelle opere delle arti utilitaristiche (architettura, arti e mestieri), negli ultimi decenni, si è assistito ad un crescente uso utilitaristico di alcuni tipi di belle arti (musica nella produzione e nella medicina, pittura nella medicina), il loro scopo per scopi pratici materiali e l'estetica corretta sono organicamente intrecciate.

L'estetica tradizionale divide le opere d'arte, principalmente in base al loro rapporto con le categorie dello spazio e del tempo, in due grandi gruppi: spaziale e temporale. Secondo questo criterio, il primo gruppo comprende quei tipi di creatività artistica in cui non si rileva movimento: architettura, scultura, pittura, grafica, ecc. Al secondo - musica, balletto, teatro, altri tipi di arte "spettacolare". Tuttavia, è facile vedere che tutt'altro che tutti i tipi di arte sono soggetti a una classificazione così “rigida”, molti dei quali, se non tutti, potrebbero essere definiti spazio-temporali.

La classificazione stessa distingue i tipi di arte: visiva, musicale, "sintetica", "tecnica", arti e mestieri, ecc.

L'arte colpisce visivamente una persona, ad es. attraverso la percezione visiva. Le opere di belle arti, di regola, hanno una forma oggettiva (materiale) e non cambiano nel tempo e nello spazio (ad eccezione dei casi di danneggiamento e distruzione). Pittura, scultura, grafica, arte monumentale e in larga misura arti e mestieri appartengono all'arte spaziale.

Le arti sintetiche sono tipi di creatività artistica, che sono una fusione organica o una combinazione relativamente libera di diversi tipi di arti, che formano un insieme estetico qualitativamente nuovo e unificato.

Le "arti tecniche" nelle forme sviluppate sono sorte relativamente di recente; è una sorta di simbiosi tra arte e tecnologia. Un tipico esempio è la creazione della "musica leggera", la cui essenza è il desiderio di fondere in una sorta di sintesi organica la "melodia" di luce cangiante e effetti di colore, da un lato, e la melodia vera e propria, dall'altro.

L'arte decorativa e applicata è forse una delle più antiche. Il suo nome deriva dal lat. "desogo" - Decoro e la definizione di "applicato" contiene l'idea che soddisfa i bisogni pratici di una persona, soddisfacendo allo stesso tempo i suoi bisogni estetici individuali.

Un'area speciale dell'arte decorativa e applicata è tutte le sue manifestazioni, utilizzando la natura stessa come materiale di partenza, come se fosse "connessa" al processo di estetizzazione dell'ambiente umano. "È necessario proteggere non solo i monumenti architettonici, ma anche interi paesaggi, come si fa, ad esempio, in Scozia, dove è preservata l'intera "vista" all'orizzonte", ha scritto D.S. Lichacev. "I paesaggi eccezionali dovrebbero essere presi in considerazione e preservati come monumenti della cultura (umana e naturale)."

Tipi di arte- queste sono forme stabili di attività creativa storicamente stabilite che hanno la capacità di realizzare artisticamente il contenuto della vita e differiscono nei modi della sua incarnazione materiale. L'arte esiste e si sviluppa come un sistema di tipi interconnessi, la cui diversità è dovuta alla versatilità del mondo reale stesso, mostrato nel processo di creazione artistica.

Ogni tipo di arte ha il suo specifico arsenale di mezzi e tecniche visive ed espressive.

Caratteristiche qualitative delle forme d'arte.

Architettura- la formazione della realtà secondo le leggi della bellezza nella realizzazione di edifici e strutture a servizio dei bisogni umani negli alloggi e negli spazi pubblici. L'architettura è un tipo di arte, il cui scopo è la creazione di strutture ed edifici necessari per la vita e le attività delle persone. Svolge nella vita delle persone non solo una funzione estetica, ma anche pratica. L'architettura come forma d'arte è statica, spaziale. L'immagine artistica qui è creata in modo non pittorico. Riflette determinate idee, stati d'animo e desideri con l'aiuto del rapporto tra scale, masse, forme, colori, connessione con il paesaggio circostante, cioè con l'aiuto di mezzi specificamente espressivi.

arti applicate- queste sono cose che ci circondano e ci servono, creano la nostra vita e il nostro benessere, cose fatte non solo come utili, ma anche come belle, che hanno stile e immagine artistica, che esprime il loro scopo e porta informazioni generali sul tipo di vita, sull'epoca, sulla visione del mondo delle persone. L'impatto estetico dell'arte applicata è quotidiano, orario, ogni minuto. Le opere d'arte applicata possono raggiungere le vette dell'arte.

arte decorativa- sviluppo estetico dell'ambiente che circonda una persona, progettazione artistica di una "seconda natura" creata da una persona: edifici, strutture, locali, piazze, strade, strade. Quest'arte invade la vita quotidiana, creando bellezza e comfort dentro e intorno agli spazi residenziali e pubblici. Le opere d'arte decorativa possono essere una maniglia e una recinzione, una vetrata e una lampada che entrano in sintesi con l'architettura.

La pittura- un'immagine sul piano delle immagini del mondo reale, trasformata dall'immaginazione creativa dell'artista; l'assegnazione del senso estetico elementare e più popolare: il senso del colore in una sfera speciale e la sua trasformazione in uno dei mezzi di esplorazione artistica del mondo.

Grafica si basa su un disegno a un colore e utilizza una linea di contorno come principale mezzo visivo: un punto, un tratto, una macchia. A seconda dello scopo, si divide in cavalletto e stampa applicata: incisione, litografia, acquaforte, caricatura, ecc.

Scultura- arte spaziale e visiva, padroneggiando il mondo in plastica, immagini che sono impresse in materiali che possono trasmettere l'immagine della vita dei fenomeni. La scultura riproduce la realtà in forme volume-spaziali. I materiali principali sono: pietra, bronzo, marmo, legno. Secondo il suo contenuto, è diviso in monumentale, cavalletto, scultura di piccole forme. In base alla forma dell'immagine, distinguono: scultura tridimensionale tridimensionale, immagini a rilievo convesse sul piano. Il rilievo, a sua volta, è suddiviso in bassorilievo, altorilievo, controrilievo. Fondamentalmente, tutti i generi di scultura si sono sviluppati nel periodo dell'antichità. Nel nostro tempo si è ampliato il numero dei materiali adatti alla scultura: sono nate opere di acciaio, cemento e plastica.

Letteraturaè una forma scritta dell'arte della parola. Crea un vero essere vivente con l'aiuto della parola. Le opere letterarie sono divise in tre tipi: epiche, liriche, drammatiche. La letteratura epica comprende i generi del romanzo, racconto, racconto, saggio. Le opere liriche includono generi poetici: elegia, sonetto, ode, madrigale, poesia. Il dramma è pensato per essere messo in scena. I generi drammatici includono: dramma, tragedia, commedia, farsa, tragicommedia, ecc. In queste opere, la trama viene rivelata attraverso dialoghi e monologhi. Il principale mezzo espressivo e visivo della letteratura è la parola. La parola è mezzo espressivo e forma mentale della letteratura, base simbolica della sua figuratività. L'immagine è alla base stessa del linguaggio che viene creato dalle persone, assorbe tutta la loro esperienza e diventa una forma di pensiero.

Teatro- una forma d'arte che domina artisticamente il mondo attraverso un'azione drammatica svolta dagli attori davanti al pubblico. Il teatro è un tipo speciale di creatività collettiva che unisce gli sforzi di un drammaturgo, regista, artista, compositore e attori. Attraverso l'attore si incarna l'idea della performance. L'attore accende l'azione e dà teatralità a tutto ciò che è sul palcoscenico. La scenografia crea sul palcoscenico l'interno della stanza, il paesaggio, la vista della strada cittadina, ma tutto questo rimarrà un oggetto di scena morto se l'attore non spiritualizzerà le cose con il comportamento scenico.

Musica- un'arte che consolida e sviluppa le possibilità di comunicazione sonora non verbale associate al linguaggio umano. La musica, basata sulla generalizzazione e l'elaborazione delle intonazioni del linguaggio umano, sviluppa il proprio linguaggio. La base della musica è l'intonazione. La struttura della musica è ritmo e armonia, che nella loro combinazione danno una melodia. Anche il volume, il timbro, il tempo, il ritmo e altri elementi svolgono un ruolo significativo nella formazione del significato nella musica.

Coreografia- l'arte della danza, l'eco della musica.

Danza- un suono melodico e ritmico che è diventato un movimento melodico e ritmico corpo umano rivelando i caratteri delle persone, i loro sentimenti e pensieri sul mondo. Condizione emotiva di una persona si esprime non solo nella voce, ma anche nei gesti, nella natura dei movimenti. Anche l'andatura di una persona può essere rapida, gioiosa, triste.

Circo- l'arte dell'acrobazia, dell'equilibrio, della ginnastica, della pantomima, della giocoleria, dei trucchi, della clownerie, dell'eccentricità musicale, dell'equitazione, dell'addestramento degli animali. Il circo non è un detentore del record, ma l'immagine di una persona che dimostra le sue più alte capacità, risolvendo super-compiti, creando secondo il suo super-compito, secondo le leggi dell'eccentricità.

Foto art- la creazione con mezzi chimico-tecnici e ottici di un'immagine visiva di valore documentario, artisticamente espressiva e che coglie autenticamente un momento essenziale della realtà in un'immagine congelata. Il documentario è il "supporto d'oro" di una foto che cattura per sempre la realtà della vita.

Cinema- l'arte delle immagini visive in movimento create sulla base delle conquiste della chimica e dell'ottica moderne, arte che ha acquisito un proprio linguaggio, abbracciando ampiamente la vita in tutta la sua ricchezza estetica e assorbendo sinteticamente l'esperienza di altre forme d'arte.

La televisione- un mezzo di informazione video di massa in grado di trasmettere impressioni esteticamente elaborate di essere a distanza; il nuovo tipo l'arte, fornendo intimità, domesticità della percezione, l'effetto della presenza dello spettatore (l'effetto del "momentaneo"), la cronaca e la natura documentaria dell'informazione artistica.

Le forme d'arte sono strettamente correlate tra loro, si influenzano reciprocamente. Anche forme d'arte apparentemente lontane come il cinema e l'architettura, la musica e la pittura sono interconnesse. Le forme d'arte hanno un'influenza diretta l'una sull'altra. Già nell'antichità l'architettura interagiva con la scultura monumentale, la pittura, i mosaici e le icone.

Interagendo tra loro, vari tipi di arte risolvono un problema comune: il compito dell'educazione estetica delle persone, la formazione e lo sviluppo del loro mondo spirituale.

Una delle componenti più importanti della cultura spirituale dell'umanità è la cultura artistica, la quale, insieme alla cultura cognitiva, religiosa, morale, economica, politica, è chiamata a formare il mondo interiore di una persona, a promuovere lo sviluppo di una persona come creatore di valori culturali. La cultura artistica è anche un certo tipo di attività umana, un modo specifico di realizzare il potenziale creativo di una persona. La cultura artistica può essere intesa sia essenzialmente che funzionalmente nel contesto dell'intera cultura spirituale.
La cultura artistica è la cultura della produzione artistica, la cultura della sua diffusione, propaganda, la cultura della sua percezione, comprensione, la cultura del godere dell'arte.
L'esistenza e il funzionamento sociale della cultura artistica sono caratterizzati da processi inerenti a tutti i tipi di produzione sociale, ovvero:
- produzione di valori artistici;
- funzionamento dei valori artistici.
Questi processi riguardano sia le istituzioni dell'arte che l'arte stessa.
Nessun fenomeno sociale può essere compreso nel quadro di un solo gruppo specifico di fenomeni. Il concetto di cultura artistica esprime un atteggiamento fondamentalmente nuovo nei confronti dell'arte, si concentra sul suo funzionamento sociale e sulla connessione con il sistema di organizzazioni che gestiscono il processo artistico, distribuiscono e immagazzinano i suoi prodotti e formano il personale artistico. Ecco perché il concetto di "cultura artistica" dovrebbe funzionare nell'ambito della comprensione dell'intero contesto sociale in cui l'arte opera. Un'opera d'arte è un prodotto non solo dell'attività artistica, ma dell'intero processo del funzionamento sociale dell'arte nella società. Considerando qualsiasi opera d'arte, si dovrebbero tenere conto delle forme della sua inclusione nella società e nella vita culturale.
La sfera della cultura artistica è la sfera dei valori artistici, che rappresentano le più alte forme artificiali di valori estetici. I valori estetici sono sempre coinvolti nella cultura in un modo o nell'altro, sebbene possano conservare la loro naturale autonomia (bellezza in natura). V questo caso il coinvolgimento dei valori estetici nella cultura si spiega con il fatto che la pratica sociale, le attività delle persone pongono questo fenomeno naturale in un certo rapporto di valore con l'umanità.
Ci sono tre sottosistemi nel sistema della cultura artistica, vale a dire:
produzione artistica e suoi soggetti (es. artisti professionisti e dilettanti). La produzione artistica è la produzione creativa di valori artistici. Per l'efficace funzionamento dei soggetti della produzione artistica, un ruolo importante è svolto da forme organizzative attività artistica (unioni creative e gruppi dilettantistici. Comprende anche il sistema di educazione artistica ( università d'arte e altre istituzioni educative che formano personale professionale per le arti), nonché vari tipi di incoraggiamento, stimolo di creatori d'arte professionisti e dilettanti (recensioni, concorsi, premi, titoli onorifici e così via.).
La produzione artistica è sia un principio produttivo che attivamente trainante della cultura artistica, il cui stato è determinato principalmente dal livello di sviluppo dell'arte. Allo stesso tempo, il potenziale della cultura artistica dipende sia dall'atteggiamento delle persone nei confronti dell'arte sia dalla natura dei loro sistemi di valori in relazione alle opere d'arte. Un ruolo importante è svolto anche dal fattore associato alle "possibilità temporanee della vita artistica, poiché l'influenza dell'arte sulle persone si svolge in un certo periodo di tempo".
consumo artistico e loro soggetti (spettatori, lettori, ascoltatori). La sfera del consumo artistico è un vasto mondo di bisogni artistici, gusti, valutazioni, ideali, mondo complesso percezione individuale-personale dei valori artistici, dovuta a vari determinanti ( posizione sociale, istruzione, età, possibilità materiali per soddisfare bisogni artistici, ecc.);
riproduzione, replica e diffusione di valori artistici già realizzati. In altre parole, questa è l'industria della replica di opere d'arte. Queste sono istituzioni artistiche e mezzi di divulgazione dei valori artistici, questa è la promozione della cultura artistica, dell'educazione estetica, ecc. In sostanza, questo sottosistema svolge funzioni "intermediarie" tra produzione artistica e consumo artistico, tra soggetti di produzione artistica e soggetti di consumo.

La componente più importante dell'esistenza e del funzionamento della cultura artistica nella società è il processo della creatività.
Il filosofo americano E. Fromm definisce il bisogno di creatività uno dei bisogni umani più importanti. L'animale è caratterizzato da un adattamento passivo al mondo, mentre le persone cercano di trasformarlo. L'atto creativo è sempre un processo di liberazione e di superamento. Ha un'esperienza di potere. Ecco perché la creatività è inseparabile dalla libertà. Solo il libero può creare, osserva il filosofo.
Una persona non può elevarsi al di sopra della prosa quotidiana della vita senza una prontezza interiore per il sublime, per un impulso romantico. Secondo Fromm, questa esigenza è dettata dalla presenza di forze creative in ogni individuo, tra le quali l'immaginazione e l'emotività occupano un posto speciale. Nell'atto della creatività, l'individuo si unisce al mondo, rompe i limiti della passività della sua esistenza, entra nel regno della libertà, solo in cui può sentirsi veramente umano.
Tuttavia, l'essenza più profonda dell'atto creativo si dispiega nell'arte, nella creatività artistica. L'arte in generale è prevalentemente una sfera creativa. Ogni atto artistico creativo è una trasformazione parziale della vita. In un atteggiamento artistico creativo verso il mondo, si rivela un altro mondo. Tuttavia, il processo e il risultato della creatività portano un certo elemento di tragedia, che si esprime nella discrepanza tra l'idea e la sua attuazione. L'enorme energia creativa dei grandi artisti non potrà mai essere pienamente realizzata nelle loro opere.
Le opere artistiche, di regola, sono considerate il risultato di una specifica percezione spirituale della realtà da parte dell'artista e, in base a ciò, la sua autoespressione. Allo stesso tempo, le opere d'arte sono un mezzo di comunicazione spirituale tra le persone. La cultura artistica, come parte della cultura spirituale, è un mezzo per preparare e attrarre potenziali spettatori, ascoltatori, lettori all'arte, che porta (immediatamente o indirettamente) a cambiare il loro pace interiore. Ecco perché il processo di riproduzione dei valori artistici è un processo che permette di coinvolgere tutti nella comunicazione attraverso le opere d'arte. grande quantità persone, ti permette di supportare, riprodurre i capolavori dell'arte mondiale.
Nuovi fenomeni di cultura artistica nascono nel contesto di una data epoca storica, cultura nazionale, struttura sociale società, ecc. Sia per la loro nascita che per il loro contenuto artistico, rappresentano una complessa lega di temporaneo e duraturo, nazionale e universale. Fenomeni artistici veramente nuovi in ​​un certo senso sono in anticipo sulla loro era, poiché sono chiamati a "servire" non solo il presente, ma anche il futuro. Superano il livello delle esigenze artistiche del loro tempo e molto spesso si rivelano incomprensibili per quest'epoca. Pertanto, una delle direzioni e manifestazioni dello sviluppo artistico è il graduale superamento delle contraddizioni tra un'opera d'arte e la sua percezione, comprensione e valutazione.
La cultura artistica di ogni epoca comprende fenomeni il cui significato sociale e culturale è diverso, e talvolta anche opposto. Alcuni fenomeni artistici sono relitti culturali, elementi residuali sistemi artistici, strutture, stili che scompaiono. Allo stesso tempo, tendenze così profonde di progresso sociale e artistico si ritrovano anche nella cultura artistica, che finora non ha alcun collegamento diretto con i compiti attuali del tempo.

Culturologia: libro di testo per le università Apresyan Ruben Grantovich

11.1. Caratteristiche della cultura artistica

Solitamente il concetto di "cultura artistica" viene identificato con l'art. E questo non è casuale: l'arte è l'elemento centrale e portante della cultura artistica. L'arte ha una grande capacità culturale, creando un'intera gamma di forme di attività ad essa associate: creatività artistica, percezione artistica, critica artistica, ecc., formando attorno a sé un "campo culturale".

Nella letteratura scientifica non c'è consenso sulla definizione degli elementi che compongono la cultura artistica. Ma con tutte le differenze di vedute, tutti gli autori includono tre elementi principali nella cultura artistica che ne assicurano il funzionamento: produzione, distribuzione e consumo (percezione, sviluppo) di valori artistici - opere d'arte.

L'interazione di questi elementi della cultura artistica è di natura storica concreta, determinata dalle peculiarità dello sviluppo della società e da molte altre ragioni. La possibilità di formare personalità creativa; richiesta (o mancanza di richiesta) dell'opera creata dal creatore; conformità del sistema di produzione artistica, distribuzione, consumo dei valori artistici ai fini dell'art.

La cultura artistica prende forma storicamente con lo sviluppo della società e l'ampliamento dell'ambito dell'attività artistica e, rimanendo un sistema aperto, assorbe nuove forme e tipi di creatività.

L'attività artistica e creativa, a seguito della quale vengono create opere d'arte, è apparsa nei tempi antichi. Tutti gli altri elementi della cultura artistica sono sorti gradualmente in diverse fasi dello sviluppo umano. Il loro aspetto era dovuto a molte ragioni: lo sviluppo della società e dei suoi bisogni, lo sviluppo dell'arte stessa, l'emergere di nuovi tipi e forme in essa, la necessità di creare condizioni per l'attività creativa, la raccolta e la conservazione di opere d'arte, l'ampliamento delle opportunità di consumo dei valori artistici, la necessità di comprendere e studiare l'arte, ecc.

Così, la cultura artistica iniziò a rappresentare un insieme di processi e fenomeni di attività spirituali e pratiche per la creazione, distribuzione, sviluppo di opere d'arte o oggetti materiali che hanno valore estetico. Ciascuno dei suoi elementi costitutivi è legato all'art.

Quindi, per creare opere d'arte - valori artistici, non basta solo il talento dell'artista, ci sono anche le condizioni in cui il talento e la capacità di creare si possono realizzare: questa è la formazione professionale del maestro, che comporta un certo organizzazione di educazione artistica speciale; creazione di condizioni in cui una persona con capacità di creatività artistica possa garantire la sua esistenza con la sua attività, ovvero la creazione di un sistema per acquisire opere d'arte, remunerare un artista, ecc.

L'arte è creata per le persone: lettori, ascoltatori, spettatori. Ciò significa che è necessario pubblicare, riprodurre, eseguire, esporre opere d'arte. E questo, a sua volta, porta all'emergere di varie forme di attività culturale: stampa, editoria, organizzazione di mostre, saloni, concerti, allestimenti ecc. All'inizio questa attività era piuttosto caotica, ma nel tempo ha assunto determinate forme. Ci sono spazi espositivi speciali e musei, sale da concerto e teatri, biblioteche e altre istituzioni culturali ed educative. La totalità di tali istituzioni costituisce il fondamento della cultura artistica. Musei d'arte - si tratta di istituzioni educative e di ricerca in cui le opere d'arte vengono conservate, studiate, esposte e promosse. Biblioteche - raccogliere, conservare, studiare, distribuire, promuovere libri. La cultura scritta dall'avvento della stampa è diventata il fulcro delle informazioni accumulate dall'umanità. Ecco perché le biblioteche sono il fattore più importante della cultura e il loro stato, secondo la definizione di D.S. Likhachev, è un simbolo dello stato della nazione.

È del tutto naturale che sia l'organizzazione che il funzionamento di tutte queste istituzioni dipendano dalla struttura politica della società, dalle relazioni socio-economiche che in essa si sono sviluppate e dominate. La cultura artistica dipende in gran parte dalla politica culturale dello Stato, dalla cultura personale di chi detiene il potere.

La storia dello sviluppo della cultura artistica è piena di collisioni, quando i creatori che cercano di preservare la loro individualità creativa, creano opere che corrispondono alla loro visione del mondo, entrano in conflitto con i requisiti imposti dallo stato. I clienti che hanno la possibilità di acquistare opere d'arte, siano essi statali o privati, si considerano autorizzati a determinare il valore artistico dell'arte, e l'artista è spesso costretto a fare i conti con le proprie opinioni e gusti, non avendo altro modi per vendere le sue opere. Secondo la storia, sono pochi i mecenati dell'arte che si fidano dell'intuizione e del talento del creatore e apprezzano il suo vero valore. L'uso dell'arte come strumento di propaganda per affermare e rafforzare alcune visioni ideologiche prevalenti nella società porta a una distorsione dell'essenza umanistica dell'arte, a un restringimento del suo significato culturale generale. Di conseguenza, l'umanità perde molto a causa dell'impossibilità dell'artista di realizzare appieno il suo potenziale creativo, di esprimere la sua visione del mondo.

Un elemento importante della cultura artistica è consumo, percezione dei valori artistici. Si tratta di un tipo speciale di attività creativa, consistente nella percezione di un'opera d'arte come valore artistico, accompagnata da un'esperienza estetica. L'atteggiamento verso l'arte non nasce spontaneamente. Si sviluppa a seconda dell'ambiente in cui una persona è formata, dell'educazione, del gusto estetico, dell'esperienza di vita, degli orientamenti di valore.

Le prime informazioni che una persona riceve sull'arte sono particolarmente importanti. A seconda dell'atteggiamento verso l'arte che incontra all'inizio del suo percorso di vita - rispetto e amore o abbandono, l'atteggiamento futuro nei confronti dell'arte dipende in gran parte: ci sarà un costante bisogno di essa o ci sarà un interesse solo per la sua funzione di intrattenimento. La prima informazione crea sempre un determinato ambiente, sul quale, come sfondo, vengono sovrapposte tutte le rappresentazioni successive. Questa circostanza determina la grande importanza di organizzare un sistema di educazione artistica ed estetica, che dovrebbe diventare una delle direzioni della politica culturale dello Stato.

L'iniziazione all'arte forma un atteggiamento rispettoso nei suoi confronti, la comprensione del suo valore duraturo, la consapevolezza delle sue caratteristiche, l'unicità di ciascuno dei suoi tipi.

Nel processo di sviluppo dell'arte, è necessaria una profonda comprensione di questo fenomeno unico, che porta all'emergere scienze dell'arte - storia dell'arte.

Storia dell'arte - un insieme di scienze che studiano l'arte. Studia l'origine dell'arte, la sua essenza sociale ed estetica, le leggi del suo sviluppo, la natura della creatività artistica, le funzioni dell'arte, il suo posto e il suo ruolo nella vita spirituale e sociale.

La storia dell'arte è una teoria generale dell'arte come forma speciale di attività artistica e creativa. Ma insieme ad esso, ci sono scienze che studiano specifici tipi di arte: critica letteraria, critica d'arte, musicologia, critica teatrale, critica cinematografica e altre.Ognuna di queste scienze ha una propria materia di studio, è indipendente, ma è inclusa nel sistema generale delle scienze sull'arte come oggetto.

Sia la storia dell'arte in generale che le scienze dell'arte particolari comprendono tre discipline: teoria dell'arte, storia dell'arte e critica d'arte.

Le scienze dell'arte si influenzano a vicenda. Ognuno di loro si basa sull'esperienza di altre arti e di vari settori della storia dell'arte.

Quindi, esplorando il lavoro di F.M. Dostoevskij, il più grande critico letterario e culturologo M.M. Bachtin usa le categorie ei concetti della musicologia. Nell'analisi della poetica di Dostoevskij usa i termini "polifonia", "polifonia", ecc.

E l'eccezionale regista e teorico del cinema SM. Eisenstein per lo studio di A.S. Pushkina fa riferimento al concetto di "montaggio cinematografico" ea cui ricorre per caratterizzare il lavoro di un regista concetto musicale"contrappunto".

Ovviamente, con tutte le differenze tra specifici tipi di arte, hanno una natura comune e ogni specifica arte può rappresentare l'intera sfera della creatività artistica, poiché ogni tipo di arte non è solo specifico, ma porta anche le caratteristiche universali di tutta l'arte come un'intera.

Di conseguenza, le scienze che le studiano rivelano non solo le caratteristiche di questo tipo di arte, ma anche l'arte in generale. La teoria di un tipo di arte esplora simultaneamente e di più schemi generali arte. Tuttavia, non si sostituiscono, ma si completano, studiando non solo lo “speciale”, ma anche il “generale” di cui all'art.

Allo stesso tempo, va notato che la storia dell'arte come teoria generale dell'arte non può essere ridotta alla somma delle scienze su determinati tipi di arte. Il suo contenuto è molto più profondo e più ampio.

Attualmente è in corso uno studio approfondito della storia dell'arte come teoria generale dell'arte. Nonostante il fatto che lo studio dell'arte sia iniziato molto tempo fa, alcuni scienziati ritengono abbastanza ragionevolmente che la teoria dell'arte non sia ancora stata formata e che la scienza sia solo alla periferia della sua creazione.

La critica d'arte occupa un posto speciale nella struttura della storia dell'arte. Critica(dal greco kritike - smontare, giudicare) è un tipo di creatività letteraria, consistente nell'interpretazione, spiegazione e valutazione di opere d'arte. La definizione di critica d'arte è stata data da A.S. Puskin. “La critica è la scienza per scoprire le bellezze ei difetti delle opere d'arte e della letteratura. Si basa: 1) su una perfetta conoscenza delle regole con cui un artista o scrittore è guidato nelle sue opere, 2) su uno studio approfondito di campioni e sull'osservazione attiva dei fenomeni notevoli moderni.

Esaminando e valutando le opere d'arte, entra in gioco la critica parte integrale nella storia dell'arte e nel campo delle scienze su specifici tipi di arte. Allo stesso tempo, lei stessa è parte del processo artistico.

La critica d'arte influenza attivamente sia i creatori che i consumatori d'arte. Orienta questi e altri, anche se in modi diversi, nel processo artistico, aiutando a determinare il posto di ogni nuova opera d'arte in essa, le tendenze nello sviluppo dell'arte e gli orientamenti di valore. Contare su base teorica filosofia ed estetica, la critica d'arte ha la capacità di comprendere a fondo non solo l'arte, ma anche la vita stessa ei processi che in essa si svolgono.

Il ruolo della critica d'arte nella società diverse, in diversi periodi storici non è la stessa cosa. Nel nostro paese, dove l'arte si è rivelata quasi l'unica forma di coscienza sociale in cui il pensiero indipendente potesse manifestarsi in una certa misura, opinioni non ufficiali che differivano dalle opinioni stabilite e imposte, la critica d'arte è diventata una tribuna pubblica.

A metà del XIX secolo, la critica letteraria divenne il principale esponente delle idee democratiche della società. Articoli V.G. Belinsky, AI Herzen, NG Chernyshevsky, NA Dobrolyubova, DI Pisarev non solo il lavoro di A.S. Pushkin, N.V. Gogol, NA Ostrovsky, IA. Goncharov e altri scrittori, ma comprendeva anche i processi sociali. Attraverso uno sguardo alla letteratura critici letterari valutato e considerato la vita stessa e suggerito possibili modi per risolvere i conflitti sociali dal loro punto di vista.

Lo stesso era la critica letteraria e artistica in epoca sovietica. I suoi migliori rappresentanti, come I.A. Dedkov, V.Ya. Lakshin e alcuni altri divennero portavoce delle idee progressiste del loro tempo.

Ora, quando si può scrivere di tutto e valutare le opere d'arte da diversi punti di vista, quando quasi non si sentono le voci dei critici che sollevano problemi di rilevanza pubblica, si è cominciato a parlare dell'assenza della critica d'arte e perfino della sua inutilità. Non si può essere d'accordo con questo.

Esiste la critica letteraria e artistica. Ci sono critici brillanti e riflessivi che valutano l'arte in modo imparziale e forniscono un'analisi obiettiva del processo letterario e artistico. In condizioni in cui il flusso di opere di basso livello è in crescita, quando Internet soffoca sugli scritti dei grafomani e tutto questo insieme riduce il livello artistico e morale della cultura e abitua le persone a tale arte, il compito della critica d'arte è quello di preservare i criteri di valutazione delle opere d'arte, formati e sperimentati dall'intera storia della cultura artistica mondiale, e fermare così il processo di svalutazione dell'arte, riacquistano risonanza pubblica.

Il processo della creatività artistica si svolge nella società, ed è influenzato e per molti aspetti determinato da quei punti di vista, punti di vista, idee che si sono sviluppati in una data società. È impossibile vivere in società ed essere liberi dalla società. Ma la società, e ancor di più lo stato, sta cercando di dirigere la creatività, di influenzare il processo creativo. In molti stati, questo compito è svolto dai ministeri o dai comitati della cultura che esistono sotto il governo. Determinano la politica culturale, impartiscono ordini governativi e quindi indirizzano il lavoro degli artisti nella giusta direzione per questo stato. Organizzano anche sistemi di speciali istituzioni educative, preparando artisti, musicisti, artisti.

Spesso, gli artisti stessi formano associazioni allo scopo di comunicare creativamente e risolvere alcuni compiti importanti per quest'arte: divulgare la creatività, organizzare mostre, commissioni, pubblicare opere, ecc. Di norma, l'associazione avviene sulla base di principi creativi comuni.

Quindi, nel 19° secolo in Russia, i compositori facevano parte della comunità creativa "Possente grappolo" artisti formati Associazione delle mostre itineranti che ha continuato ad operare fino al XX secolo. Artisti creati "Società teatrale russa" promuovere lo sviluppo dell'arte teatrale.

Dopo la rivoluzione del 1917 nel nostro paese c'erano molte diverse associazioni creative di scrittori, artisti, ecc.

Negli anni '30 furono tutti liquidati e creati unioni creative, unire gli artisti per tipo di arte: unioni di scrittori, compositori, artisti, ecc. Il loro obiettivo era la leadership organizzativa e ideologica dell'arte.

Con il crollo dell'URSS, i sindacati creativi hanno perso il loro contenuto ideologico, ma hanno anche perso il loro sostegno statale. Ora stanno svolgendo il compito di unità organizzativa e creativa degli artisti, che è particolarmente importante per artisti, scrittori, compositori, ecc., il cui lavoro è di natura individuale.

Come puoi vedere, la struttura della cultura artistica è complessa e comprende molti elementi eterogenei. Ma esistono tutti in stretta relazione tra loro e insieme formano una certa integrità.

Quindi, la cultura artistica comprende: la produzione di valori artistici; i valori artistici stessi sono opere d'arte; la loro distribuzione, riproduzione, riproduzione; consumo; storia dell'arte e scienze su specifici tipi di arte; critica d'arte; educazione artistica; istituzioni e organizzazioni che garantiscono l'esistenza e la conservazione dei valori artistici - musei, sale espositive, gallerie d'arte, teatri, cinema, biblioteche, ecc.; associazioni e organizzazioni creative.